Après plus de 35 ans de carrière, le groupe rock n’ roll australien AC/DC semble vouloir éviter à tout prix de nous présenter une anthologie digne de ce nom qui ne présenterait que le meilleur du groupe. Une compilation de qualité, qui n’aurait d’autres choix que d’être un album double, est attendue des fans depuis les années 1980, mais le groupe continue à nous présenter des enregistrements en concert, des raretés, des compilations de vidéoclips sur DVD, etc. sans jamais offrir le meilleur des enregistrements studio du groupe. La bande sonore d’Iron Man 2 est le plus près que le groupe aura réussi à s’approcher d’une compilation de grands succès avec 15 titres s’étendant sur l’ensemble de leur carrière. Par contre, ne vous réjouissez pas trop vite, puisqu’on retrouve bien quelques classiques incontournables (« Shoot to Thrill », « Back in Black », « Thunderstruck », « Highway to Hell »), mais ils sont entourés de pièces avec moins de panache (« Cold Hearted Man », « Evil Walks », « Rock ‘n’ Roll Damnation »). En fait, le but de ce disque est d’accompagner le film rempli d’explosions et de testostérone qu’est Iron Man 2. Pour ce qui est de la testostérone, il n’y a pas à chercher longtemps de le répertoire du groupe pour trouver tout ce qu’il faut. Par contre, le choix de la musique d’AC/DC pour accompagner ce film d’adolescents de la nouvelle génération peut être grandement discutable. On voulait peut-être attirer leur père au cinéma avec eux… En conclusion, on ne peut encore une fois considérer cette compilation d’AC/DC comme une anthologie et il faudra continuer de prendre notre mal en patience. (juillet 2010)

Vidéoclips : « Highway to Hell » - « Thunderstruck »

C'est dit, c'est fait et en plus c'est indéniable. Depuis qu'ils sont passés sur une major (en l'occurrence Sire Records), les Floridiens ont changé. Et ils ont perdu en bollocks au passage... On ne peut décemment pas reprocher au groupe d’évoluer mais leur rock couillu aux essences punks, gavé de rythmiques dégénérées, est abandonné au profit d'une pop rock énergique dégageant à peine quelques vieilles effluves punks. Le virage était déjà amorcé sur New Wave qui bénéficiait par contre d'une brochette de gros titres d'une redoutable efficacité. Ce qui manque cruellement à ce White Crosses. Trop aseptisé et taillé pour les passages FM, l'album n'offre qu'une succession de morceaux un peu mal branlés, maladroits, enchaînant couplet-refrain avec une discipline militaire qui peine à fonctionner. Même le chant de Tom Gabel y perd de sa verve et de sa violence. Comme un lion en cage. L'exemple le plus édifiant reste le single « I Was a Teenage Anarchist » dont le thème pourrait évoquer un nouvel hymne fédérateur de la jeunesse rebelle. L'intro est compacte, vivifiante mais le refrain s'écroule lamentablement. Et une grande partie de White Crosses est dans la même lignée. Sans véritable orientation et trop peu de personnalité. Comme si les États-Unis avaient besoin d'une nouvelle machine à tube post punk. Green Day existe déjà Monsieur Gabel ! Et quand on emprunte aux Stooges et aux Sex Pistols (« Rapid Decompression »), on marche sur des oeufs qui souvent se brisent. En un mot comme en cent, ce White Crosses déçoit profondément et donne sans cesse raison à Jack White et consorts qui, pour survivre artistiquement, fuient les majors et créent leurs propres labels, juste pour rester dignes et garder leur liberté. (juillet 2010)

Tu veux du gras, tu veux du lourd, tu veux de la sueur et de la bière gamin ? Tiens prends une goul’ d’Airbourne! Raccourci un peu rapide mais loin d’être trop caricatural. Car Airbourne en soit est une caricature. Un cliché du hard, pire encore, Airbourne ressemble à un tribute d’AC/DC. Les fans pardonneront (ou pas) la force de ces mots mais malgré le respect que l’on doit à tout un chacun, Airbourne n’a rien de sensationnel, strictement rien. L’engouement qu’avait suscité Runnin’ Wild le premier album était déjà exagéré mais ce No Guts, No Glory ne redore pas la blason des Australiens. Australiens? Eux aussi, comme AC/DC, quelle coïncidence (ou pas)? Clairement, Airbourne a été sevré à AC/DC ce qui, en soit, n’est pas un défaut bien au contraire. Alors quel est le problème? Dans la rythmique, dans les mimiques, dans les gimmicks voire dans les tics (vocaux), tout Airbourne pompe AC/DC. Impossible d’être objectif et de se détacher de la bande aux frères Young. On n’est plus dans l’influence, on frôle le plagiat ! Des formations comme Wolfmother, clairement influencées par AC/DC ou autres groupes 70’s (Led Zeppelin en tête) avaient eu le bon goût de s’appuyer sur le patrimoine rock pour se forger un style, un vrai. Airbourne n’a pas nuancé son approche, les frère O’Keeffe rendant un hommage, plutôt bien foutu, aux frangins Young. Mais pas de quoi fouetter un moustachu. Bien que, pour modérer un peu tous propos qui, trop extrêmes, n’auraient que peu de valeur, il faut bien reconnaître quelques qualités à ce disque. D’abord, Airbourne sait jouer. Ça va vite, ça envoie sévère, riffs et solos pleuvent par centaines. Joel O’Keeffe chante et s’égosille comme un cochon égorgé m’enfin, Brian Johnson ne fera pas mieux aujourd’hui. Quant à la production, elle ne fait pas dans la dentelle, genre « vlan dans ta gueule ». En 13 titres, Airbourne offre aux radios de quoi piocher quelques titres parfaits pour les ondes, de quoi cogner dur (« Born To Kill », le single « No Way But the Hard Way » ou « Steel Town ») avec refrains à l’appui. Bien, au final, que pourrait-on lui reprocher à part sa redoutable efficacité ? A peu près tout. No Guts, No Glory a tout pour diviser et tant mieux. Ceux qui ont aimé le premier, aimeront sans doute le second… Quant à ceux qui n’ont pas trouvé leur compte avec Runnin’ Wild, ils risquent d’aller faire tourner Let There Be Rock fissa. (avril 2010)

Vidéoclip : « No Way But the Hard Way »

Après plus de 50 ans de carrière, le chanteur et pianiste Mose Allison est de retour sur disque, lui qui semblait pourtant à la retraite depuis 12 ans. Il revient sur l’étiquette Anti-, reconnue pour la créativité des albums qu’elle met en marché. En plus, Allison peut compter sur le troubadour de grand talent Joe Henry à la réalisation. C’est d’ailleurs Henry qui l’a convaincu de s’enfermer à nouveau dans un studio. Mose Allison nous propose donc 12 titres incluant 5 reprises et totalisant 35 minutes. Fidèle à lui-même, il navigue encore une fois allégrement entre jazz et blues. C’est d’ailleurs ce qui lui a valu le plus de critiques tout au long de sa carrière puisqu’il se retrouvait boudé par chacun des deux clans. Sur The Way of the World, Allison n’a rien perdu de sa fougue derrière le piano, malgré ses 82 ans. L’album débute en force avec « My Brain », une réécriture de « My Babe » de Willie Dixon. On découvrira des pièces solides tout au long du disque jusqu’à la finale, « This New Situation » de Buddy Johnson, sur laquelle Allison nous offre un superbe duo avec sa fille Amy. Voici un disque d’une impressionnante solidité par une véritable légende vivante… (juin 2010)

Ancienne bassiste de Hole et des Smashing Pumpkins, la Montréalaise Melissa Auf der Maur nous revient avec un 2e album, 6 ans après son premier essai en solo. À l’époque, elle nous présentait une musique passablement lourde qui allait régulièrement piger dans le métal classique. Pour celui-ci, elle explore différentes textures musicales qui peuvent également s’avérer assez lourdes, mais généralement plus inspirées. Out of Our Minds est un album-concept, mais il va encore plus loin faisant partie d’un projet multi-plateformes, OOOM, intégrant un court métrage, une bande dessinée, un jeu vidéo, un site web, etc. Melissa laisse donc aller totalement son esprit créatif dans ce projet d’une grande originalité. Musicalement, l’album présente des pièces très solides comme la chanson-titre (le premier extrait), « Follow the Map », « 22 Below » et « Meet Me On the Dark Side ». La sombre « Father’s Grave » est également à souligner, surtout à cause du duo que nous offre Melissa avec Glenn Danzig, le légendaire chanteur des Misfits et de Danzig. La créativité de Out of Our Minds dépasse certainement celle de son premier disque. Les fans de la grande rousse risquent fort de crier au génie… (mai 2010)

Vidéoclip : « Out of Our Minds »

Depuis l’excellent Baduizm paru en 1997, aucun album d’Erykah Badu n’avait véritablement réussi à attirer mon attention jusqu’à New Amerykah Part 1: 4th World War en 2008. Deux ans plus tard, la chanteuse soul / R&B du Texas nous revient avec la suite. L’essentiel de Return of the Ankh a été enregistré lors des sessions pour le précédent disque. Erykah utilise habilement l’échantillonnage en différentes occasions, ce qui ajoute une belle richesse musicale à l’album. C’est le cas entre autres dans l’excellente « Turn Me Away (Get Munny) », qui utilise « You Can’t Turn Me Away » de Sylvia Striplin et « Get Money » de Junior M.A.F.I.A. Dans « Gone Baby, Don’t Be Long », elle utilise « Arrow Through Me » de Paul McCartney. Pour les nostalgiques de Baduizm, « Window Seat » est probablement celle qui se rapproche le plus du son de votre album préféré. Le CD se termine de façon plutôt spectaculaire avec « Out My Mind, Just In Time », une pièce de plus de 10 minutes en 3 mouvements qui commence en douceur, au piano, avant de se transformer en un soul / jazz psychédélique. Lorsque le tout se termine, on se dit qu’Erykah Badu réussit encore une fois à se renouveler et à nous présenter un album empreint de créativité. Sans égaler la partie 1, Return of the Ankh est un album de grande qualité, pas toujours facile d’accès, mais grandement intéressant quand même. (juillet 2010)

Vidéoclip : « Window Seat »

Le jeune Ontarien a été découvert par Usher et a enregistré son premier album l’an passé alors qu’il n’était âgé que de 15 ans. Devenu rapidement la nouvelle sensation pop canadienne, Bieber revient déjà avec son 2e disque, seulement quelques mois plus tard. En fait, comme son premier disque ne durait que 25 minutes, My World 2.0 sert en quelque sorte de 2e partie au premier disque pour former un ensemble d’un peu plus de 60 minutes. Il nous offre une pop adolescente légère, mais grandement efficace avec d’excellents rythmes aux influences R&B et des mélodies inoubliables. Certaines ballades plus adultes semblent beaucoup moins pertinentes lorsqu’on se souvient que c’est un garçon de 16 ans qui les interprète. Par contre, les moments de pop dansante sont de grande qualité, comme dans l’excellente « Eenie Meenie » qui met en vedette Sean Kingston. (juin 2010)

Vidéoclips : « Baby » - « Never Let You Go » - « Eenie Meenie »

Il aura fallu quelques années à ce membre d’Outkast pour produire son véritable premier album. Un changement d’étiquette et de nombreuses fuites ont en effet retardé tout le processus. Mais le voici enfin ce disque tant attendu des amateurs de rap. Sir Lucious Left Foot… nous présente un rap extrêmement créatif avec des pièces courtes d’une grande efficacité. Il est très varié et particulièrement riche musicalement avec un bon mélange de hip hop et de R&B. « Turns Me On » nous séduit rapidement avant les excellents succès « Follow Us » et « Shutterbugg ». Le rythme unique de « Tangerine » en fait également l’une de nos favorites, et elle possède tout ce qu’il faut pour devenir un grand succès. Big Boi nous présente un album intelligent et divertissant à la fois, probablement le meilleur disque rap de l’année jusqu’à maintenant. N’hésitez pas une seconde! (découverte du mois de septembre 2010)

Vidéoclips : « Follow Us » - « Shutterbugg » - « Shine Blockas »

Un binôme garage punk, ça c’est original. Fallait y penser, car de mémoire de poisson rouge, on n’a pas dû en voir depuis… le mois dernier ? Trêve de cynisme, c’est vrai que depuis les White Stripes, les Kills, les Black Keys ou plus récemment les Blood Red Shoes, on aura bouffé du binôme pour un bon paquet d’années. Plus original, les Black Box Revelation, eux, sont belges. Un bon moyen encore pour nos amis du plat pays de montrer encore et toujours leur culture rock et leur attachement au gros son. Passés ces poncifs, le duo, pour son deuxième album, s’offre une nouvelle fois une incursion dans le monde de la pop anglaise et du garage américain.

Inutile de préciser, car tout le monde s’en fout, que Silver Threats est un casse tête pour le (modeste) rock critic. Que dire d’un album qui empile les riffs, les hurlements primaires et chants désinvoltes et les coups de matraque sur fûts de bière ? Un peu l’impression d’avoir écrit ça cent fois car comme une impression d’avoir écouté ça cent fois. Mais pas tout à fait. Certes, Jan et Dries servent un rock un peu tiède, crade et légèrement saccadé, mais ils le servent avec une vraie personnalité et un sens aigu du garage et du psychédélique. Rien de transcendant, mais est-ce le but recherché… Tu voulais du rock n’ roll en ouvrant la galette mon ami ? Tiens ben prends-en et ne gaspille pas. Tu voulais de l’amuse-gueule pour te mettre en appétit ? Enfile-toi « High On A Wire » et « Where All This Mess Begun ». Tu voulais du lourd et du bourratif en plat de résistance ? Ne rate pas « You Better Get In Touch With The Devil » et « Run Wild ». Pour finir et t’exploser le bide, n’oublie pas « 5 O’Clock Turn Back The Time ». Un menu complet avec un « Here Come The Kicks » au café pour faire passer le tout. En gros, Silver Threats est un album pour chérubin ou soixantuitard en mal des années 60. (mars 2010)

Brothers est déjà le 6e album du duo minimaliste The Black Keys, qui existe pourtant depuis moins de 10 ans. Après leur album le plus faible avec Attack & Release en 2008 (possiblement leur seul moment de faiblesse à ce jour), voilà que le duo revient au sommet de son art. Les Black Keys laissent quelque peu de côté leurs tendances psychédéliques pour se concentrer sur les influences blues qui ont fait leur marque de commerce dès le début de leur carrière. On ne peut quand même pas parler de retour aux sources puisqu’ils font un autre pas en avant. Cette fois-ci, ils vont dans une direction un peu plus accessible et nous présentent enfin un véritable succès en « Tighten Up », grandement aidé par une publicité. En plus de plusieurs titres influencés des années 1960 comme « Unknown Brother », le duo reprend la pièce de Jerry Butler « Never Gonna Give You Up ». Sur Brothers, les Black Keys réussissent un véritable tour de force en fusionnant parfaitement des influences du passé à une musique moderne d’une grande originalité. Il ne reste qu’à applaudir… (septembre 2010)

Vidéoclip : « Tighten Up »

Une des chanteuses R&B les plus populaires des années 1990, Toni Braxton est de retour avec un album de qualité, 5 ans après Libra. Il faut dire que la sortie de Pulse a dû être reportée de plus d’un an à cause de fuites sur Internet qui l’ont obligée à retourner en studio pour enregistrer plusieurs nouveaux morceaux. Des collaborations avec des artistes connus ont été également rejetées pour la version finale de l’album. Il restait donc bien peu d’espoir d’entendre un album solide avec des enregistrements disséqués de la sorte. Pourtant, Toni nous présente possiblement son disque le plus efficace depuis 10 ans. Pulse commence en force avec la ballade « Yesterday », un texte de rupture criant de vérité enrobé d’une mélodie carrément inoubliable. Par la suite, changement de cap total avec une pièce dansante toute aussi efficace, « Make My Heart », qui nous permet d’apprécier toutes les possibilités de sa voix puissante et chaude. L’album présente bien quelques ballades aux textes qui manquent d’originalité et tombent rapidement dans l’ennui, par contre l’ensemble demeure cohérent, mature et professionnel et nous offre des titres de grande qualité. À notre plus grand plaisir, on a su éviter le désastre tant anticipé… (juillet 2010)

Vidéoclip : « Yesterday »

Broken Bells est un duo formé des célèbres James Mercer, chanteur et guitariste de The Shins, et Brian Burton, réalisateur et homme-orchestre mieux connu sous le nom de Danger Mouse (Beck, Gorillaz, Gnarls Barkley, etc.). Le duo a commencé à collaborer ensemble dès 2004, mais c’est en 2008 qu’ils ont vraiment débuté l’écriture et l’enregistrement de leur musique. Contrairement à ses projets passés, Burton laisse quelque peu de côté les échantillonnages pour se concentrer sur de vrais instruments. De son côté, Mercer exploite certaines possibilités de sa voix qu’il ignorait probablement lui-même jusque là. Le duo nous propose un son généralement indie rock, mais il explore aussi sans gêne la pop, comme par exemple sur l’excellente « The Ghost Inside » qui nous rappelle ce que Burton avait fait avec Gnarls Barkley. Le lien entre les deux hommes n’est pas complètement naturel et ça s’entend un peu trop sur ce 1er album qui va dans différentes directions. Certaines pistes semblent nous entraîner vers quelque chose de génial, mais on se perd souvent en route. Avec encore un peu plus de travail conjoint, le duo risque fort de nous offrir ce disque génial tant espéré lors de son prochain album. À surveiller… (juin 2010)

Vidéoclip : « The High Road »

Stéphane Carreau était le Stef dans Bet.e and Stef, le fameux duo jazz / bossa nova montréalais qui s’est séparé beaucoup trop prématurément en 2003. Le duo venait alors de nous présenter son meilleur album en carrière, Day by Day. Carreau se lance maintenant dans une carrière solo en tant qu’auteur, compositeur, guitariste, chanteur et même réalisateur et ingénieur de son. Guitariste jazz de formation, sa musique laisse encore transparaître ses influences bossa nova, mais il nous présente ici plusieurs autres influences : soul, électro, rock acoustique, etc. Il crée un univers à la fois intime et riche musicalement qui nous permet de découvrir plus que jamais sa voix. Carreau signe 9 des 12 titres offerts, les 3 autres présentant des interprétations toutes personnelles de pièces provenant de différents répertoires : « Protection » de Massive Attack, « Berimbau-Consolaçao » de Sergio Mendes et « Est-ce ainsi que les hommes vivent » de Léo Ferré. En bout de ligne, In From the Cold est un album qu’on apprécie grandement puisqu’il s’écoute bien en différentes circonstances. Très belle réussite! (découverte du mois de juillet 2010)

À l’été 2009, le Cirque du Soleil nous présentait sa nouvelle création, OVO, sous le grand chapiteau du Vieux-Port de Montréal, puis à Québec. La troupe est présentement en tournée dans l’est américain et on nous offre maintenant l’album contenant la musique du spectacle. Le disque de 16 titres totalisant 74 minutes a entièrement été composé par Berna Ceppas, un compositeur et réalisateur brésilien qui a composé la musique de plusieurs films. Il réalise également l’album en compagnie d’Alain Vinet. Pour la première fois, le Cirque du Soleil explore les sonorités brésiliennes avec différents rythmes de samba et des sons électroniques. L’ensemble présente un bon mélange de pièces énergiques et ambiantes. Il est toujours bien difficile de créer la musique originale d’un spectacle et qu’elle demeure cohérente par elle-même sans le spectacle. Avec OVO, malgré quelques moments un peu plus faibles, on retrouve une certaine ligne directrice qui réussit à rendre l’ensemble passablement cohérent. Par contre, le disque est certainement plus efficace pour les gens qui ont déjà vu le spectacle et qui auront les images en tête en écoutant la musique. (juin 2010)

Vidéoclip : bande-annonce du spectacle

Le groupe emo / progressif Coheed and Cambria nous présente son 5e album avec Year of the Black Rainbow. Leur thème demeurant toujours le même autour des Amory Wars, relatées dans les écrits de science-fiction du chanteur-guitariste Claudio Sanchez, on peut considérer qu’il s’agit du 5e volume d’un seul album-concept. Par contre, comme les 4 précédents disques de la série, l’album s’écoute très bien par lui-même, ce qui rassurera ceux qui n’ont pas tendu l’oreille vers les enregistrements précédents du groupe. Coheed and Cambria atteint possiblement le sommet de son art ici dans sa capacité à nous présenter un métal progressif extrêmement mélodique, un son qui n’est pas sans nous rappeler Queensrÿche. Le groupe est à son meilleur lorsque Sanchez joue la guitare en harmonie avec Travis Stever, à la façon des classiques du métal britannique Iron Maiden et Judas Priest. L’album débute avec une douce introduction qui nous conduit directement à l’excellente « The Broken ». « Here We Are Juggernaut » est un véritable hymne avec des mélodies inoubliables autant dans le refrain que les couplets. Le disque de 53 minutes se conclut avec la chanson-titre, une pièce de plus de 7 minutes qui atteint son climax avant la fin. Quelle belle façon de clôturer une aventure qui aura duré 8 ans à travers 5 albums. La question qu’il faut maintenant se poser, c’est comment le groupe pourra rebondir avec un autre projet original par la suite. (juillet 2010)

Vidéoclips : « The Broken » - « Here We Are Juggernaut »

Sea of Cowards est arrivé comme Horehound, son prédécesseur, sans crier gard! En attendant un nouveau Kills, la remise sur pied des White Stripes ou des Raconteurs, Jack White et Alisson Mosshart enfoncent le clou, toujours accompagnés des indéboulonnables Dean Fertita et Jack Lawrence. Car en réalité, selon Jack White, The Dead Weather est un groupe, un vrai, une somme de personnalités qui forment un tout. Sans ego, sans calcul, où chacun écrit et compose. L’alchimie et le plaisir semblent être tels que le groupe sort déjà son deuxième disque en dix mois. 10 titres composés quasi immédiatement après la sortie du premier, durant la tournée et mûri durant ces mois. Toujours aussi apocalyptique, Sea of Cowards confirme que l’on n’avait pas entendu pareille musique vicieuse depuis Black Sabbath. Le chant emmêlé de Jack et Alisson donne un gros impact à cette musique déjà singulièrement puissante. Plus varié qu’Horehound, amenant un peu plus de groove, Sea of Cowards conserve des attributs à la fois modernes tout en valorisant les racines blues et les influences 70's. En définitive, Sea of Cowards est dans la lignée de son prédécesseur mais en plus bestial. Si Horehound n’était pas parfait, son successeur ne l’est guère plus. Les morceaux s’enchaînent même avec moins de surprise et moins de pertinence. Peut-on reprocher à Sea of Cowards son manque de hits? Pas sûr. Mais il lui manque tout de même quelques points d’ancrages, deux ou trois titres emblèmes… Car on peine parfois à se retrouver dans ce bordel organisé. (août 2010)

Vidéoclip : « Die by the Drop »

Après des années de travail ardu, le groupe de pop / rock alternatif de Philadelphie Dr. Dog peut enfin compter sur une production de qualité pour son premier album chez Anti. Musicalement, le groupe poursuit malgré tout dans la direction déjà bien établie, raffinant encore un peu plus son style basé sur le rock du début des années 1970. L’ajout d’un réalisateur extérieur pour la première fois en Rob Schnapf (Beck, Elliott Smith) aide grandement à peaufiner la musique très créative du groupe. Les harmonies vocales demeurent une force pour Dr. Dog qui nous offre de véritables petits bijoux de mélodies sur des musiques toujours originales. Pour les nostalgiques de la musique pop rock des années 1970 qui ont l’impression qu’il ne se fait plus rien de bon aujourd’hui, voici un album qui vous fera changer d’opinion. Je ne pourrais affirmer pour l’instant qu’il s’agit du meilleur album du groupe en carrière, mais avec la maturation, il se pourrait fort bien qu’on en arrive à cette conclusion. Un excellent disque! (juillet 2010)

En 2010, Mark Oliver Everett continue son parcours artistique comme un autiste, oubliant les règles obscures d'une industrie musicale en pleine déroute. Désinvolte et surtout refermé sur sa vie et ses travers, E sort en à peine plus d'un an une trilogie composée de Hombre Lobo, End Times avant de se conclure sur Tomorrow Morning. Certains auraient pu souligner la déroute marketing d'une telle entreprise en 2010. Mais Everett en aurait déjà eu quelque chose à foutre? Rien n'est moins sûr. Everett avait composé les deux premiers en pleine période noire, disséminant quelques titres garages déchirants et ballades poignantes sur Hombre Lobo. End Times était moins reluisant, plus convenu, son inspiration semblait perdre son souffle. Plus ouvert, plus radieux et certainement mieux dans son esprit, E tente un virage optimiste sur cet acte ultime de la trilogie. L'ambiance est différente sur Tomorrow Morning, l'air y est plus respirable. Côté musique, le disque amène une nouvelle dimension. Loin de la brutalité de certains morceaux de Hombre Lobo, ici le souffle légèrement électro plane en quasi permanence pour soutenir les habituelles mélodies légèrement déchirantes de Eels. Mais Everett ne se limite pas sur ce disque. Touchant de près ou de loin au funk, au gospel, au hip hop, au folk et à la pop, il conclut cette trilogie avec un melting pot de styles donnant accès à une nouvelle palanquée de belles mélodies. Et même si Tomorrow Morning ne figure pas parmi les plus grandes réussites d'un Everett déjà respectable, il gagne en profondeur et en beauté au fil des écoutes et sans jamais s'épuiser malgré son tracklisting long comme le bras. (septembre 2010)

Tout juste 7 mois après l’excellent Hombre Lobo, Eels est déjà de retour avec un nouveau disque. Sur End Times, Mark « E » Everett s’ouvre totalement pour nous faire part de sa peur de vieillir, et seul par surcroît. Plusieurs titres sont interprétés en toute simplicité, guitare acoustique à la main (parfois au piano). Mais, certaines pièces viennent quand même ajouter un peu d’énergie à cet album qui pourrait sinon s’avérer passablement déprimant. Une pièce comme « Gone Man » par exemple n’est pas moins triste au niveau des textes, mais elle a au moins l’avantage de posséder un bon rythme rockabilly. Avec End Times, Everett nous présente possiblement son album le plus personnel à ce jour, un disque sur lequel il se donne totalement, malgré la douleur que ça peut lui procurer. Sans être aussi complet que Hombre Lobo, ce nouvel opus de Eels possède des qualités que plusieurs de leurs fans apprécieront. (mars 2010)

Vidéoclips : « In My Younger Days » - « End Times » - « Little Bird »

Le groupe de funk nouveau genre Galactic est de retour avec un nouvel album très attendu de ses fans, 3 ans après son précédent disque, From the Corner to the Block. Encore une fois, le groupe nous propose tout un mélange avec du rock, du hip hop, du jazz et de l’électronique dans une musique funk intégrant une section de cuivres. Plus que jamais sur Ya-Ka-May, le groupe intègre les différents genres populaires à la Nouvelle-Orléans dans l’ère post-ouragan Katrina. Le hip hop, déjà bien présent sur le précédent disque, gagne en importance et on retrouve plus de textes que sur leurs albums antérieurs. Les artistes invités sont nombreux et viennent ajouter une certaine richesse à cette musique pourtant déjà très riche. La musique de Galactic a comme particularité de superposer plusieurs éléments, mais de tout de même réussir à nous offrir des mélodies simples et remarquables. L’album est solide et crée une belle atmosphère jusqu’à la fin. En fait, son principal défaut et ce qu’il manque à Galactic pour passer à un autre niveau, c’est le manque de quelques succès potentiels qui ressortiraient à travers l’ensemble. (mai 2010)

Cinq longues années après Demon Days, le collectif hip hop Gorillaz est de retour sur disque pour notre plus grand plaisir. Le premier groupe de hip hop virtuel, dirigé par Damon Albarn de Blur, nous propose un album à grand déploiement. Il réussit en effet à amener sa musique à un autre niveau d’envergure, avec une richesse musicale et une réalisation jamais vues jusque là. Albarn s’efface quelque peu sur Plastic Beach pour laisser toute la place aux artistes invités de renom qui donnent le ton à l’album. C’est le cas pour Snoop Dogg, Mos Def, Bobby Womack et Lou Reed, sans oublier De La Soul qui font un retour après le succès de « Feel Good Inc. » sur le disque précédent. Les textures ambiantes accompagnent magnifiquement les solides mélodies pop. Il en résulte donc peut-être le meilleur album du groupe pour accompagner un concept de bande dessinée. Par contre, si on sort l’album du concept même du groupe, il possède assurément moins de forces que les disques précédents qui offraient un mélange parfait entre hip hop, pop et rock. En conclusion, Plastic Beach constitue un album difficile à cerner, qui possède de grandes forces en termes d’exécution et de réalisation, mais qui n’a rien pour véritablement attirer l’attention d’un large public, tout en ne possédant pas la même créativité d’ensemble que ce qu'ils nous ont présenté auparavant. (chronique principale de mai 2010)

Vidéoclip : « Stylo »

Ellie Goulding est une chanteuse pop britannique qui s’inspire autant de l’électro-pop que d’une musique plus alternative. Avec Lights, elle nous présente son tout premier album complet, un disque totalisant 41 minutes. Elle co-écrit chacune des 11 pièces réussissant à y intégrer toutes ses influences, Imogen Heap étant probablement sa plus importante. Ellie nous présente de bien bonnes chansons tout au long de l’album, dont l’incontournable « Starry Eyed ». Certains auditeurs pourront détecter un manque de cohérence dans l’ensemble du disque. Par contre, lorsqu’on la compare à d’autres chanteuses pop en vogue, surtout du côté américain, Ellie Goulding possède une place plus que pertinente dans le paysage musical. Ce talent unique nous présente un album rafraîchissant… (juin 2010)

Vidéoclips : « Starry Eyed » - « Under the Sheets » - « Guns and Horses »

Quarante ans après son décès, on trouve encore du matériel inédit à nous offrir de la part de Jimi Hendrix. Dans le cas de Valleys of Neptune, on nous le présente rien de moins que comme un nouvel album. Il faut dire que même les titres bien connus inclus ici le sont dans une version différente de celle rendue célèbre. Par contre, plusieurs de ces pièces sont parues à un moment ou à un autre dans un coffret ou sur un disque de raretés. On retrouve donc très peu de véritable nouveau matériel. L’élément le plus intéressant de ce disque est un mixage impeccable d’Eddie Kramer qui réussit à rendre cet album tout ce qu’il y a de plus contemporain. Certains enregistrements de guitares peuvent paraître imparfaits ou incomplets, mais ils demeurent extrêmement efficaces grâce au talent sans bornes d’Hendrix. Il aurait certainement préféré les retravailler avant de nous les présenter, mais il n’est plus là pour donner son opinion, malheureusement. Finalement, même si je n’attendais rien d’exceptionnel de cet album de raretés, il s’agit d’un très bon disque qui s’écoute bien jusqu’à la fin. Une grande surprise dans les circonstances et un beau cadeau pour ses fans! (mai 2010)

Vidéoclip : « Valleys of Neptune »

H.I.M. (His Infernal Majesty) est un groupe finlandais aux influences gothiques qui existe depuis déjà 15 ans. Même si le groupe tire ses influences premières de Sisters Of Mercy, il va dans un son pop très accessible avec ce 7e enregistrement. H.I.M. se retrouve quelque part entre Evanescence et Fall Out Boy. L’ensemble du disque tourne autour du thème des peines d’amour, un thème qui nous ennuie déjà après quelques pièces, jusqu’à nous achever avec la ballade « Disarm Me (With Your Loneliness) » à la 5e piste. Les fans du groupe ne seront pas trop dépaysés et le potentiel commercial est définitivement au rendez-vous. Par contre, Screamworks n’est assurément pas leur album le plus créatif et il risque de faire grincer des dents les puristes de rock gothique. (juin 2010)

Vidéoclip : « Scared To Death »

Il aura fallu attendre 12 ans avant de voir paraître un nouvel album de Hole. Pendant ce temps, Courtney Love s’est essayée en solo, mais sans grand succès. Voilà donc probablement la raison pour laquelle elle a décidé de réutiliser le nom du groupe qui l’a rendue célèbre. D’autant plus que ce nouvel album de Hole ne peut pas être considéré comme des retrouvailles puisqu’on y constate l’absence d’Eric Erlandson et de Melissa Auf der Maur, deux piliers aux côtés de la leader incontestée lors des meilleures années du groupe dans les années 1990. Nobody’s Daughter est donc un nouveau projet solo de Courtney sans qu’elle y appose son nom. Elle a tout de même demandé l’aide de fidèles collaborateurs pour l’écriture en Linda Perry et Billy Corgan. Courtney semble vouloir plus que jamais mettre l’accent sur ses textes (pas si intéressants par ailleurs) avec des pièces mid-tempo souvent plutôt ennuyantes. Par contre, lorsqu’elle nous arrive avec un rock grinçant plus près de ses racines punks, c’est sa voix criarde insupportable qui vient tout saboter. En bout de ligne, que reste-t-il? Un album plat, sans substance, sans excitation et surtout, sans inspiration. Après tout, ce n’est pas si surprenant puisque l’on réalise que tous les compositeurs impliqués n’ont pu transporter leur créativité dans le nouveau millénaire. (chronique principale de juin 2010)

Hollerado est un nouveau groupe ontarien, maintenant établi à Montréal. Mais, avant tout, il s’agit d’un véritable phénomène. Gagnant d’un concours dans une radio d’Ottawa, le groupe a offert son album gratuitement en ligne pendant des mois, en plus d’en vendre des copies dans des sacs Ziplocs à ses concerts. Le groupe a été retenu par Jack White pour jouer en première partie de The Dead Weather l’été dernier, puis ils ont inventé la « tournée résidence » dans laquelle ils visitaient les 7 mêmes villes pour les 7 jours de la semaine pendant 4 semaines. On a d’ailleurs pu les voir au Divan Orange à Montréal tous les samedis de février. Finalement, ils ont même fait une tournée « demi-mondiale » visitant la Chine, le Brésil et l’Argentine. Maintenant que le sujet est placé, parlons un peu de leur musique puisque leur fameux album est maintenant officiellement en magasin. Réalisé par l’ex-Me Mom and Morgentaler, Gus Van Go, aussi réalisateur des Trois Accords, The Stills et des Vulgaires Machins, Record in a Bag nous présente une musique pop rock aux mélodies dangereusement accrocheuses. On peut percevoir certaines influences de Franz Ferdinand et de Weezer, mais l’originalité de la musique de Hollerado les rend plus souvent qu’autrement inclassables. Disons que plusieurs des 12 titres de l’album vous reviendront en tête pour des semaines à venir, les plus intéressants étant les premiers extraits « Americanarama » et « Juliette », ainsi que « Fake Drugs », « Got To Lose » et ma préférée, « Walking on the Sea ». Hollerado nous offre un premier album d’un peu plus de 40 minutes qui attirera définitivement l’attention. Voici donc un groupe qu’il faudra surveiller de très près, un groupe qui pourrait aisément devenir la nouvelle sensation rock montréalaise. (découverte du mois d'avril 2010)

Vidéoclips : « Americanarama » - « Juliette »

Le rock est un univers sans pitié. Sanctifié logiquement après un premier album brillant, Interpol a connu son lot de critiques acerbes par la suite. Une sorte d'effet levier qu'ont connu des dizaines de groupes après avoir sorti un premier chef-d'oeuvre. Antics et surtout Our Love To Admire ont traduit la descente dans l'estime collective d'un groupe qui avait pourtant conquis dès son premier essai... Au lieu d'être un fer de lance, Turn On the Bright Lights est devenu, au fil du temps, un obstacle sérieux pour la suite de la carrière des new yorkais. Eux-mêmes ne se sont pas remis de la puissance de leur album. Après quelques évolutions passées, leur quatrième album éponyme revient aux fondamentaux du groupe. Le son et le style se rapprochent de nouveau de Turn On the Bright Lights dont il faudra savoir s'éloigner pour apprécier ce nouvel album. Retombé dans une sorte de beauté froide, puisant dans la new wave et les atmosphères gothiques, Interpol livre une oeuvre qui se nourrit et se développe au fil des écoutes. Impossible de renier la première moitié des titres de l'album. « Success » et sa lente montée en puissance, l’hypnotique « Memory Service », la dance / new wave de « Summer Well », l’enivrante « Lights » et la chevauchée épique de « Barricade ». La suite se révèle plus aléatoire, perdue dans des directions un peu plus opaques comme si le groupe se cherchait à nouveau. Le disque pose au final une question assez édifiante de la situation instable d’Interpol : que devra faire le groupe pour retrouver un style qui saura s’affranchir de leur premier opus pour savoir séduire à nouveau? La réponse risque d’être difficile à trouver… D'autant que le départ de Carlos Dengler, bassiste et quasi-leader du groupe, ne devrait pas faciliter les choses. (octobre 2010)

Jaheim Hoagland est un artiste aux multiples talents. En plus de chanter du R&B, il a aussi été rappeur, mannequin et acteur. Issu d’une famille de musiciens (son grand-père, Victor Hoagland, a même fait partie des Drifters), on peut dire que Jaheim avait la musique dans le sang dès son plus jeune âge. Another Round est déjà son 4^e album, un disque qui a obtenu beaucoup de succès dès sa sortie atteignant les premières positions du palmarès Billboard. On retrouve peu de changements majeurs par rapport à ses enregistrements précédents, ce qui plaira de toute façon à ses fans de la première heure. Sa voix puissante met parfaitement en valeur les mélodies sensuelles qui accompagnent cette musique chaude directement inspirée du soul des années 1970. À l’écoute de « Impossible », on a carrément l’impression d’entendre une version plus moderne du classique de Percy Sledge, « When a Man Loves a Woman ». Par contre, c’est dans la plus rythmée « Ain’t Leavin’ Without You » en ouverture d’album que l’on retrouve le meilleur de Jaheim. On retrouve d’ailleurs un remix de cette pièce à la toute fin, une version mettant en vedette le rappeur Jadakiss qui devient tout de suite une favorite de ses fans. (mai 2010)

Vidéoclip : « Ain’t Leavin’ Without You (feat. Jadakiss) »

Pour son 4e album, l’excellent groupe québécois Karkwa s’est enfermé dans un studio en banlieue de Paris. Il en résulte un album plus accessible que les précédents, un album à lequel on adhère dès la première écoute, contrairement aux trois autres qui nécessitaient un minimum d’effort. Le groupe met de l’avant sa capacité à pondre d’excellentes mélodies, sur une musique rock alternative un peu plus douce que par le passé. On peut encore les comparer à Malajube, mais ils se démarquent ici en ouvrant des possibilités avec un plus large public. Dès l’ouverture, « Le pyromane », « L’acouphène » et « Moi-Léger » vous séduiront et vous resteront en tête pour longtemps. Quant à « Dors mon sang », elle est une douce ballade, extrêmement légère et mélancolique, avec une superbe mélodie et des voix aériennes. Ce qui est particulier sur Les chemins de verre, c’est que le groupe ne s’empêche aucunement d’explorer de nouvelles avenues musicales, mais sans perdre l’auditeur moyen. Certains pourront reprocher au groupe son manque d’intensité sur ce nouvel album, mais considérant l’exploit que Karkwa réussit en demeurant créatif tout en s’ouvrant à un large public, on devrait se contenter d’apprécier. (juin 2010)

Vidéoclip : « Le pyromane » (à l’émission Studio 12)

Stacey Kent est rapidement devenue une sensation du jazz vocal américain dans les années 1990. Elle aura finalement été consacrée avec son 6e album, Breakfast on the Morning Tram en 2007, album sur lequel elle flirtait avec le répertoire francophone dont 2 reprises de Serge Gainsbourg. Tout était donc en place pour qu’elle se lance dans l’aventure de nous proposer un disque entièrement en français. Voici donc Raconte-moi… Stacey nous y présente 12 titres dont des classiques de la chanson française d’artistes comme Barbara, Paul Misraki, Georges Moustaki, Henri Salvador, Michel Jonasz, Keren Ann et Benjamin Biolay. Mais, le disque met aussi en valeur des chansons inédites par de jeunes auteurs et compositeurs français qui méritent d’être connus comme Claire Denamur, Pierre-Dominique Burgaud et Émilie Satt, dont « La Vénus du mélo » est le premier extrait. Stacey réussit des interprétations magnifiques grâce à sa voix douce et ses accompagnements musicaux souvent inspirés de la pop brésilienne. Elle nous offre un album joyeux et ensoleillé qui possède aussi des vertus totalement relaxantes. C’est donc un album de jazz vocal particulièrement réussi, qui met en plus en valeur la chanson française. Une belle réussite par cette Américaine qui réussira à élargir son public. (mai 2010)

Vidéoclip : « La Vénus du mélo »

Kesha Rose Sebert est née à Los Angeles, Californie, mais a passé la majeure partie de son enfance à Nashville, Tennessee, puisque sa mère y travaillait comme auteure de chansons. Encore adolescente, elle est retournée à Los Angeles pour démarrer sa carrière de chanteuse. Après le succès numéro 1 que fut « TiK ToK », voici son premier album qui contient rien de moins que 14 titres. Elle nous propose une musique pop dansante idéale pour faire la fête, avec des rythmes électro et un peu de rap. Peu de pièces possèdent autant de potentiel commercial que « TiK ToK », à part peut-être l’énergique « Ki$$ N Tell », qui nous rappelle grandement The Veronicas, et le deuxième extrait, « Blah Blah Blah ». Le principal point négatif du disque est l’inclusion de ballades franchement ennuyantes qui viennent gâcher un très bon album pour le défoulement. Party, alcool, drogue et lendemain de veille meublent ce disque totalement politiquement incorrect. (juin 2010)

Vidéoclips : « TiK ToK » - « Blah Blah Blah » - « Your Love is My Drug »

James Murphy fait face à tout un défi avec ce nouvel album : réussir à attirer autant l’attention qu’avec son disque précédent, Sound of Silver, qui a pratiquement fait l’unanimité chez les amateurs et les chroniqueurs. Sa réponse aux attentes est toute simple puisqu’il se contente de présenter un son comparable au précédent album, sans trop modifier la recette gagnante. Encore une fois, Murphy nous présente une musique fondamentalement électronique incluant des éléments de post-punk et de disco. Dans les moments les plus rock, comme sur « Drunk Girls », LCD Soundsystem se compare avantageusement à Franz Ferdinand. Par contre, certaines compositions purement électroniques font définitivement partie de l’underground et vous permettront de monter le volume et de danser dans votre salon (« One Touch »). On peut également entendre des ballades mid-tempo introspectives comme la poignante « I Can Change ». Pour ceux qui désiraient entendre un succès sur l’album, Murphy leur en a écrit un intitulé « You Wanted a Hit » (qui signifie « Vous vouliez un succès »). L’écriture de Murphy continue d’évoluer sur ce nouvel album et il fait maintenant partie des meilleurs compositeurs dans son genre. Sans égaler Sound of Silver, This is Happening est un autre excellent album de LCD Soundsystem. (août 2010)

Vidéoclip : « Drunk Girls »

Le britannique Jamie Lidell nous propose un amalgame de sons dont le cœur repose sur le funk, le soul et les rythmes africains. Quelques guitares distorsionnées discrètes viennent parfois ajouter un élément de rock non négligeable. Alors que par le passé on pouvait le considérer comme un bon chanteur soul, sans vraiment pouvoir aller plus loin, on le sent beaucoup plus en mode création sur Compass. Lidell peut compter sur des collaborateurs de renom en Feist, Gonzales, Chris Taylor (Grizzly Bear) et Pat Sansone (Wilco). On se doit également de mentionner Beck, surtout qu’on peut occasionnellement comparer le son de Lidell à celui de l’Américain. Au cours de la deuxième moitié de l’album, Lidell nous prouve qu’il peut composer et interpréter une musique introspective de grande qualité. La voix soul de Jamie Lidell est incomparable et il réussit à y ajouter une musique hautement créative qui lui permet enfin de passer au niveau supérieur. Voici donc son meilleur album à ce jour, un disque qui risque fort de figurer parmi les meilleurs de l’année. (juillet 2010)

Vidéoclip : « The Ring »

MGMT est un duo new yorkais qui existe déjà depuis plusieurs années. Leur premier album paru en 2008, Oracular Spectacular, présentait des succès incontournables comme « Kids », « Time to Pretend » et « Electric Feel ». Par contre, le mélange de ces pièces accessibles avec des morceaux franchement expérimentaux créait une certaine incohérence d’ensemble. Pour leur 2e album, ils se concentrent principalement sur le côté exploratoire de leur direction artistique. On retrouve donc une musique plus difficile d’accès qui se situe quelque part entre The Strokes et The Flaming Lips, avec certains éléments énergiques, mais aussi des moments plus atmosphériques. En resserrant ainsi la direction de l’album, il devient du même coup plus cohérent que le premier. D’un autre côté, on y perd les superbes succès qu’on pouvait entendre sur le précédent et qui donnaient le ton à l’album. En bout de ligne, le groupe progresse tout de même de belle façon avec son 2e disque. (juin 2010)

Vidéoclip : « Flash Delirium »

Moran a obtenu plusieurs prix et distinctions avec son premier album, Tabac. Il est maintenant de retour avec un nouveau disque, encore meilleur que le premier. Cet incessant créateur nous offre 13 chansons d’une grande profondeur, enrobées dans un son folk contemporain. Il s’entoure de fidèles acolytes, dont Catherine Major qui vient prêter sa voix à « Los Angeles » et « Aspirine ». Les deux voix se marient à la perfection permettant des duos incomparables. Très introspectif, Mammifères ne s’adresse définitivement pas à un large public. Par contre, il ravira les amateurs de textes habilement fignolés. (juillet 2010)

Depuis 2 albums, je prêche la patience dans le cas de Motion City Soundtrack, et je crois qu’elle est enfin récompensée avec ce 4e disque. Le groupe du Minnesota est à son meilleur lorsqu’il penche un peu plus vers le punk que la pop, et contrairement aux 2 derniers disques qui étaient beaucoup plus pop, voilà que le quintet nous offre le mélange parfait entre pop et punk. Mark Hoppus (Blink 182), qui avait travaillé sur Commit This to Memory, revient à la réalisation pour My Dinosaur Life. Son travail est phénoménal et il réussit à rendre l’énergie du groupe totalement contagieuse, et ce, du début à la fin. Peu de compositions sont faibles et surtout, pratiquement aucune d’entre elles n’est ennuyante. Avec My Dinosaur Life, Motion City Soundtrack nous présente peut-être le meilleur album pop punk de 2010, même si l’année est encore bien jeune… (mars 2010)

Vidéoclips : « Her Words Destroyed My Planet » - « Disappear »

Nouvelle Vague est dirigé par les réalisateurs et arrangeurs français Marc Collin et Olivier Libaux. Accompagné de diverses chanteuses féminines, le duo nous présente des reprises complètement reconstruites de succès connus, dans une version pop jazzée et bossa nova d’une grande efficacité. Leurs reprises de pièces punks ont d’ailleurs fait grincer bien des dents de puristes à leurs débuts. Nouvelle Vague nous présente ici son 3e album sur lequel il laisse quelque peu de côté la bossa nova pour plutôt s’aventurer en territoire teinté de country et de bluegrass, particulièrement sur la reprise de Talking Heads, « Road to Nowhere ». Sur ce 3e album, le duo pousse un peu plus loin le concept en invitant certains compositeurs à venir participer à la reprise de leur pièce. On retrouve donc Martin Gore de Depeche Mode sur « Master and Servant », Ian McCullough de Echo And The Bunnymen sur « All My Colors », Barry Adamson de Magazine sur « Parade » et Terry Hall de The Specials sur « Our Lips Are Sealed » (popularisée par The Go Go’s, mais écrite par Hall). Cette dernière pièce ainsi que la reprise de « God Save the Queen » des Sex Pistols et « So Lonely » de The Police (qui vient conclure l’album) sont assurément les plus surprenantes du disque, s’éloignant grandement des versions originales énergiques et décapantes. On retrouve également les excellentes « Blister in the Sun » de Violent Femmes et « Ça plane pour moi » de Plastic Bertrand. Les reconstructions musicales de Nouvelle Vague sont généralement très réussies et elles réussissent sur ce nouveau disque à nous faire quelque peu oublier la version originale. C’est donc un album de reprises grandement efficace, peut-être leur meilleur disque à ce jour. (mai 2010)

Bien sûr, Justin Nozuka a la gueule, la voix, le style et même le prénom idéal du chanteur à groupies. Et quelque part, ça n'a pas raté... Mais Nozuka est tout sauf un cliché. En plus d’une personnalité humble et sympathique, la presse avait déjà unanimement salué son premier disque Holly bien avant que la folie ne s'empare des midinettes écervelées en manque de mâle. Et pour le coup, la critique internationale ne s'est pas trompée. Holly était un disque pur de folkeux, fascinant, d'une maturité incroyable pour un gamin de 19 ans à l'époque. Nozuka l'avait composé, seul avec sa gratte et sa voix mi soul, mi r&b. Un album épuré et introspectif. Trois ans se sont écoulés depuis la sortie de Holly. Justin et son band ont bien baroudé. Une tournée mondiale, un succès grandissant et un background non négligeable en fin de course. Alors, pas étonnant que You I Win Land and Sea sonne réellement différemment de son prédécesseur. Naturellement la patte Nozuka revient au galop, principalement dans sa manière de chanter, mais le disque est indéniablement plus travaillé. Moins spontané ? Peut-être oui. Tant dans le concept que dans la production, l'album marque par une approche plus « professionnelle » et un son plus électrique. Justin Nozuka n'avait d’ailleurs pas caché son ambition de jouer plus de guitare électrique. C’est chose faite. La présence et l’influence de son groupe dans les compos n’est certainement pas étrangère non plus à l’évolution. You I Wind Land and Sea ne laisse pas de place à l’approximation, tout est réglé comme du papier à musique. Pas un reproche, seulement un constat. Difficile d’ailleurs de critiquer cette série de bons titres, harmonieux et immédiats, chantés du fond du cœur par un chanteur au talent indiscutable. Il n’y a pas de honte à se laisser porter sur les mélodies remarquablement arrangées de « Heartless » et « My Heart Is Yours » (déclaration à son public ?), sur les poussées vocales de « Souless Man », sur les hymnes poignants de « Woman Put Your Weapon Down », sur le groove de « You I Wind Land and Sea ». À 21 ans et des brouettes, le canadien flirte une nouvelle fois avec la réussite. Marqué par le lyrisme et l’éclat inespéré de Holly, You I Win Land and Sea ne pourra paraître qu’un léger ton en dessous mais sans déshonorer son auteur. (juin 2010)

Plants and Animals est un trio montréalais formé en 2004 qui en est maintenant à son 2e album. Il nous propose un son indie rock influencé du folk, du country et du rock progressif. Le groupe se permet même l’ajout de cuivres en certaines occasions, comme dans « American Idol ». Ils avouent eux-mêmes avoir redécouvert les guitares électriques, l’amplification et les pédales fuzz, et ça s’entend très bien, surtout dans la première moitié de l’album. Malgré les nombreuses explorations musicales que l’on retrouve à nouveau sur La La Land, les structures des chansons sont beaucoup plus simples que sur leur premier disque. On peut donc dire que le groupe devient du même coup un peu plus accessible. Par contre, la créativité débordante du groupe nécessite quelques bonnes écoutes pour véritablement apprécier l’ensemble. Le premier extrait, « The Mama Papa », possède une mélodie suffisamment accrocheuse pour gagner un nouveau public. Mais, il manque malgré tout la petite étincelle à l’album qui permettrait vraiment d’attirer l’attention. La La Land demeure tout de même un excellent album par l’un des groupes montréalais les plus créatifs de la nouvelle génération. (juin 2010)

Vidéoclip : « The Mama Papa »

Le Français d’Avignon Benjamin Popp roule sa bosse depuis 1991. Il ne compte plus le nombre de disques qu’il a autoproduits tellement il en a fait. Par contre, il nous offre son premier véritable album avec Empreintes digitales. Produit par Christian Morfin, le disque de 14 titres nous présente toute une brochette de musiciens talentueux incluant Richard Vecchi aux claviers, Sidonie Richard à la basse, Le 7ième rêveur à la batterie, ainsi que Christian Pruneau et Pierre Walther aux guitares. On peut également compter sur des musiciens invités : Éric et Jacques Parmantier, deux transfuges de Malin Plaisir, ainsi que The Hippie. Toute cette équipe ajoute de l’envergure à cet album contenant d’excellentes chansons pop françaises, parfois teintées de rock et toujours chargées d’une poésie efficace. Ces compositions de qualité réalisées avec un budget respectable permettent enfin à Ben Popp de vraiment éclore, presque 20 ans après ses débuts dans le métier. (avril 2010)

Vidéoclip : « Les chanteurs à textes »

Né en 2006 au Massachusetts, A Rocket To The Moon est le groupe d’un seul homme, Nick Santino. Après quelques mini-albums, il a signé un contrat avec Fueled By Ramen et nous offre maintenant son tout premier album complet. A Rocket To The Moon présente un rock alternatif contemporain avec certains moments emo et des mélodies pop résolument accrocheuses. Les guitares acoustiques ne manquent pas, peut-être parce qu’elles se fusionnent plus facilement aux textes troublés d’amours déçus. Ces textes peuvent sembler clichés en plusieurs occasions, mais si on n’y porte pas trop attention, la justesse du jeu des musiciens nous les fera oublier. Malgré plusieurs pièces mid-tempo, le groupe présente une belle énergie qui ravira assurément les jeunes fans de pop/emo. L’album commence en force avec les excellentes « Annabelle » et « Mr. Right ». Un peu plus loin, l’énergique « Life of the Party » deviendra assurément l’une des préférées des fans, tout comme l’excellente « Give a Damn » avec son refrain inoubliable. Quant à « Where Did You Go? », elle nous ramène à un son pop rock des années 1970. En bout de ligne, même si A Rocket To The Moon n’apporte pas grand-chose de neuf au genre, il réussit à nous présenter un jeu efficace et quelques compositions de première qualité. C’est un premier essai réussi pour ce groupe qui n’aura qu’à prendre un peu plus de risques dans le futur pour s’établir une base importante d’admirateurs. (découverte du mois de mai 2010)

Vidéoclip : « Mr. Right »

« Nous avons abordé ce disque avec une certaine fraîcheur. Nous avons décidé que ce que nous avons fait dans les années 90 devait rester dans les années 90… ». Ce sont les mots de Skin après Rock en Seine à propos de leur nouvel album. Petit retour en arrière, après trois albums sortis dans les années 90 dont Stoosh armé de quelques classiques (« Hedonism », « Brazen », …), le groupe se sépare en 2001 pour laisser libre cours aux projets solos de ses membres. En 2008, Skunk Anansie se remet autour de la table à la demande de son label pour préparer la sortie de son greatest hits. De là naît l’envie de sortir du nouveau matériel… deux ans plus tard, Wonderlustre est dans les bacs. Skin résume les choses en disant que Wonderlustre conserve forcément le style Skunk Anansie mais avec un mix nouveau et un son différent. L’analyse tient la route. Indéniablement, Wonderlustre est un disque de Skunk Anansie. Des titres efficaces, rock et pop à souhait avec un certain sens de la mélodie qu’il faut leur reconnaître. Les acrobaties vocales de l’excellente Skin sont toujours d’une rare intensité. La production est plus léchée, les arrangements plus modernes et les musiques plus maîtrisées, laissant apparaître clairement les traits d’une certaine maturité. Mais c’est un peu l’arbre qui cache la forêt. Objectivement et malgré quelques morceaux bien sentis, Wonderlustre ne devrait pas crever l’écran. Un peu paresseux dans sa conception, l’album est une succession de morceaux oscillant entre le bon, le moyen et l’insipide. Au mieux, Wonderlustre fera passer un bon moment avec le plaisir de piocher ici ou là de quoi se boucher une dent creuse (« Over The World », « Talk Too Much »,  …) mais pas de quoi fouetter un canasson. (novembre 2010)

À 45 ans, Slash s’offre enfin son album solo. Guitar hero devenu légende avec Guns N’ Roses, Slash a dédié sa vie au rock dont il est l’un des plus fidèles serviteurs. Depuis des décennies, il multiplie les projets avec plus ou moins de succès dont le Slash’s Snakepit, le Slash Bluesball et plus récemment le convalescent Velvet Revolver. Ce coup-ci, l’ex-Gunner a décidé de se lancer dans sa propre aventure, sans pression et sans compte à rendre. Slash ne se cache pas, il a cherché à se faire plaisir en composant ses morceaux et en recrutant une pléiade de chanteurs et musiciens chevronnés pour assurer à ses côtés. Et la brochette est alléchante : Chris Cornell (Soundgarden, Audioslave), Ian Astbury (The Cult), Ozzy Osbourne, Iggy Pop, Lemmy « Motörhead » Kilmister ou encore Andrew Stockdale (Wolfmother). Le plus incroyable, c’est que chaque titre semble être composé pour son chanteur, chacun évoluant dans un registre parfaitement adapté. Bien sûr, en 14 titres et quasiment autant de chanteurs, difficile de trouver une ligne directrice et une cohérence d’ensemble. Slash a pondu 14 morceaux qui ne font pas forcément un disque. On est dans le one shot, le plaisir non calculé, l’envie de faire ce qu’il veut en tendant le majeur aux habituels pré-requis de l’industrie musicale. Ça n’en fera certes pas un grand disque mais une compilation de titres dont certains valent plus que le détour. À commencer par le premier single « By The Sword » avec Andrew Stockdale, l’un des plus talentueux chanteurs actuels. Début acoustique, poussées vocales, riffs et solos d’une redoutable efficacité. Une vraie réussite. Au tableau des réussites, on compte aussi « Ghost » avec Astbury au chant et Izzy Stradlin à la gratte, « Promise » tirant partie des facultés de Chris Cornell, l’hyperprotéinée « Dr Alibi » avec Lemmy en maestro, la très Stoogienne « We’re All Gonna Die », les incursions de Myles Kennedy (chanteur de la tournée) et l’instrumentale « Watch This Feat » avec Dave Grohl et Duff McKagan. À l’écoute de ce disque, on comprend vite pourquoi le tandem Rose – Slash ne fonctionnait plus. Ce dernier n’effectuant aucune concession quand on parle de rock. Slash le garde à l’état brut, guitare, basse, batterie et chant avec une alternance de riffs et solo. Point barre. On prend ou pas, mais on aurait tort de s’en priver. Après, on pourra pinailler sur les venues de Fergie (Black Eyed Peas) ou Adam Levine (Maroon 5) dans un univers musclé, mais tout est affaire de goût. Pour mettre tout le monde d’accord, la Les Paul envoie sévère et ça c’est bon. It’s only rock n’ roll. (mai 2010)

J’avais bien aimé le disque précédent de Story Of The Year paru en 2008, The Black Swan. Le groupe revient avec le même réalisateur pour The Constant, Elvis Baskette. À l’écoute de ce nouvel album, on sent que le groupe s’est amusé, qu’il a travaillé sans pression. Le résultat est un album de pop punk / emo grandement rafraîchissant, variant entre des riffs passablement agressifs et des ballades plus introspectives. La force du groupe demeure de nous offrir des mélodies grandement accrocheuses sur des rythmes efficaces. Par contre, il se permet de sortir occasionnellement de sa zone de confort. Entre autres, la ballade romantique au piano « Holding On To You » vient casser le rythme à la 7e piste, malgré son refrain puissant. Mais, ce qui surprend le plus, c’est la pièce que l’on retrouve en conclusion, « Eye For an Eye ». Il s’agit d’une pièce punk rapide et agressive qui a débuté comme une blague en répétition, avant d’être peaufinée et ajoutée au disque. Elle vient créer une énergie hors du commun pour boucler l’album. Encore une fois, Story Of The Year réussit à nous présenter un album de grande qualité et plaisant à écouter. Un incontournable pour les fans de musique emo et pop punk. (juin 2010)