L’ex-membre du duo Scarlett Jane présente son cinquième album solo avec Quarantine Dream. Tous ses disques précédents, incluant les deux avec Scarlett Jane, ont vu le jour des suites d’un chagrin d’amour. Cependant, ce n’est pas le cas avec ce nouvel enregistrement qui présente plutôt une rupture de nos vies d’avant la pandémie. Andrea Ramolo a presque entièrement conçu ce nouvel album en collaboration avec des femmes. C’est la chanson de protestation « Free » (avec Kinnie Starr) en conclusion qui a le plus d’impact alors que l’auteure-compositrice et interprète y dénonce vigoureusement le sexisme, la violence sexuelle, le racisme et le mensonge qu’est la « liberté ». Elle explore aussi des thèmes plus personnels comme le fait de ne pas avoir d’enfants dans « Morning Glory » et de vouloir disparaître dans « Carousel ». « Italian Summer » et la chanson-titre présentent des perspectives plus optimistes sur l’avenir du monde. Réalisé et mixé par Sarah MacDougall, Quarantine Dream propose de très bons moments de douceur et d’apaisement.

Bach n’a jamais écrit pour le pardessus de viole, même qu’il ne connaissait probablement pas l’instrument. Mais sur cet album, Mélisande Corriveau (pardessus de viole) et Eric Milnes (clavecin) proposent des transcriptions de diverses sonates avec clavecin de Bach, en incluant les couleurs du pardessus de viole, un instrument inventé par les Français à la fin du 17e siècle pour concurrencer le violon. À l’aise sur plusieurs instruments, Mélisande est une des rares spécialistes au monde de cet instrument peu commun. Le duo nous offre cinq sonates complètes, ainsi que « Sicilienne, en sol mineur » tirée de la « Sonate pour flûte traversière et clavecin en mi bémol majeur ». Voici une très belle façon de redécouvrir autrement une partie importante de l’œuvre de Bach.

Trois ans après ses débuts sur disque, le quintette québécois est de retour avec un deuxième album. Choses Sauvages continuent à fusionner habilement le R&B et le funk avec une musique new wave d’une autre époque. L’album débute avec la disco-funk « Homme-Machine », qui donne parfaitement le ton à ce qui va suivre. Leur musique est à la fois douce et énergique, avec des rythmes grandement efficaces. Plusieurs moments rappellent la musique new wave des années 1980, notamment Devo et Duran Duran sur « Chambre d’écho ». David Bowie peut aussi nous venir en tête sur « Vague », alors que « Dimensions » évoque Tears For Fears. L’album contient en plus des pièces instrumentales à la fois planantes et dansantes : « Science du bruit », « La musique » et « Face D ». Il s’agit donc d’un ensemble très complet de près d’une heure que nous proposent Choses Sauvages avec ce nouveau disque. Très agréable!

Sur Préludes et solitudes, la violoniste Marie Nadeau-Tremblay propose 10 œuvres pour violon seul de compositeurs baroques, incluant deux « Fantaisies » de Georg Philipp Telemann (1681-1767). Elle offre aussi des « Préludes » de Nogueira, Walsh & Torelli, Baltzar, ainsi que Purcell, en plus d’une courte composition personnelle, « Prélude improvisé ». Elle présente également « Assaggi en fa majeur » de Johan Helmich Roman (1694-1758), « Fantaisie pour violon en do mineur » de Nicola Matteis Jr (167x-1737), et en conclusion, « Passacaille en sol mineur » (extrait des Sonates du Rosaire) de Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704). Le livret inclut des poèmes inspirés par chacune des pièces, alors que la couverture est un autoportrait réalisé par la violoniste, qui est également une artiste visuelle accomplie. Voici un très bel album par cette artiste en pleine ascension!

Après un premier mini-album de cinq titres en 2020, le duo country québécois Mack & Ro présentait récemment Playlist, vol.2, un nouveau mini-album. Les cousins Kaven Brassard et André Richard proposent aussi en exclusivité sur leur site web une édition de luxe de Playlist comprenant les deux mini-albums, ainsi que deux chansons en boni : « Elle et moi » et « Reviens-moi ». On peut y entendre un trio avec Laurence Jalbert pour la pièce « Céleste mélodie », ainsi qu’une collaboration avec Hert Leblanc, Laurie Leblanc et Rheal Leblanc pour la pièce « Les Leblanc ». Leur musique country se marie agréablement à la pop et au rock, toujours avec beaucoup d’énergie.

Fondateur et leader du groupe cri de la Baie-James Midnight Shine, Adrian Sutherland se lance en solo avec When the Magic Hits. Il propose une musique folk rock, ancrée dans ses racines autochtones. « Politician Man » et « Respect the Gift » se sont déjà hissées au numéro 1 du palmarès Indigenous Music Countdown et elles sont incluses sur l’album en tant que chansons en boni. « Right Here » est le premier extrait officiel de ce premier disque et il a attiré l’attention grâce à son vidéoclip constitué de 1 600 autoportraits. L’ensemble est solide et plaira aux amateurs du genre.

Vidéoclips : « Politician Man » - « Respect the Gift » - « Right Here »

L’auteur-compositeur, interprète et leader du groupe Kaïn, Steve Veilleux, nous arrive avec son troisième album solo, Les beaux jours. Il y prend du recul par rapport aux événements tristes qu’il a vécus ces dernières années pour se tourner vers l’espoir des « beaux jours » à venir. Veilleux fait à nouveau confiance à Davy Gallant pour la réalisation, lui qui était derrière la mise en musique des poèmes de Gérald Godin sur T’en souviens-tu encore, Godin?. L’album débute avec un pop rock énergique (« Écrire des chansons »), mais il revient rapidement à son style folk contemporain caractéristique, incluant des rythmes country, et même des traces de blues à l’occasion. Le nouvel extrait, « Laisse-moi pas boire tout seul », présente à peu près tout ces aspects avec son banjo festif. C’est encore un très bon album pour Steve Veilleux, qui est fidèle à lui-même sur Les beaux jours.

Vidéoclip : « Laisse-moi pas boire tout seul »

Avec cet album-concept, le groupe de New York propose un disque émotif avec des mélodies pop accrocheuses et des pensées au sujet de la guerre et du pouvoir politique et économique. La production d’envergure structurée comme un livre audio intègre des lectures, comme dans « Conversations With My Friends », une sorte de poème anti-guerre. Quant à « Theater of War », elle semble être une fusion entre une chanson de protestation et une pièce de Broadway des années 1930 dans laquelle le chanteur Sam Harris tente d’imiter de son mieux Jimmy Durante. Les meilleures chansons de The Beautiful Liar s’avèrent être toutefois « My Own Monster », « Love is Death » et « Reincarnation », des pièces qui mélangent le R&B, l’électro et le hip hop à leur son rock plus grand que nature. L’aspect conceptuel de l’album brise quelque peu l’enchaînement de chansons pop que l’on retrouvait auparavant. Cependant, la richesse du disque comblera leur vaste auditoire, même si un effort d’écoute minimal sera nécessaire. Un très bon disque!

Vidéoclips : « My Own Monster » - « Adrenaline » - « Beautiful Liar »

Le pianiste et improvisateur Mathieu Bourret présente une compilation qui se veut la conclusion d’un projet de quatre mini-albums. On y retrouve donc les œuvres qui ont traversé chaque saison depuis l’automne dernier pour un total de 23 titres et 78 minutes. Le Climatologue propose un survol instrumental des différents climats québécois, question de nous accompagner tout au long de l’année. Bourret possède un talent sans bornes pour mettre en musique ses états d’âme et nous les communiquer avec son piano, qu’il considère bien plus qu’un instrument de musique. (septembre 2021)

Grâce à Lisa Leblanc à la réalisation, la légendaire Edith Butler présente un nouvel album aux sonorités bien différentes. La chanteuse folk acadienne prend en effet une tendance un peu plus rock ‘n’ roll qui lui va bien. Elle propose neuf chansons ainsi que trois courts intermèdes. On peut y découvrir notamment « Dans l’bois », une collaboration entre Edith, Lisa et Lise Aubut, ainsi que trois duos : « Ti-gars », « Marie Mouri » et « Tit galop pour Mamou ». Presque 50 ans séparent Edith et Lisa, et Le tour du grand bois représente en quelque sorte une passation de flambeau entre deux générations d’Acadiennes. (septembre 2021)

Le trio trad québécois De Temps Antan présente son cinquième album, Pesant. Ils y actualisent des chansons traditionnelles avec violon, accordéon, harmonica, guitare et bouzouki. Coréalisé par le groupe et Éloi Painchaud (Okoumé, Salebarbes), Pesant est un album à la fois engagé et émouvant. Il démarre en force avec une mise à jour du succès folk « Réjean Pesant » de Paul Piché. Ils y reprennent aussi plus tard « Sur l’perron » de Dominique Michel avec une excellente performance vocale de Pierre-Luc Dupuis. Encore une fois, De Temps Antan réussira à rejoindre les amateurs de musique traditionnelle, folk, festive et francophone. Cependant, le disque semble incomplet avec ses neuf titres totalisant tout juste 32 minutes. (septembre 2021)

Avec ce nouvel album, le pianiste Jean Fernand Girard réinterprète dans son style jazz bien à lui des thèmes musicaux qui ont marqué l’enfance de toute une génération. Il s’agit de 10 thèmes d’émissions célèbres composés par Herbert Ruff, des thèmes qui ont influencé le choix de Girard de devenir musicien. Que ce soit « Sol et Gobelet », « Major Plum Pouding », « Fanfreluche », « Le Pirate Maboule », « Picolo », « La Ribouldingue » ou « Nic et Pic », ce sont tous des thèmes entendus et réentendus des milliers de fois. Ces nouvelles versions jazzées vous feront retomber en amour avec ces airs bien connus. Le compositeur derrière tous ces thèmes empreints de nostalgie, Herbert Ruff, est plutôt méconnu du grand public. Pianiste et compositeur né en 1918 en Pologne, il s’est installé à Montréal en 1952 pour devenir pianiste et compositeur pour la Société Radio-Canada. Il a composé plus de 2 000 chansons populaires et une trentaine d’œuvres contemporaines. Voici donc un bel hommage à une partie importante de son œuvre. (septembre 2021)

Un an et demi après Manic, Halsey est déjà de retour avec un nouvel album. Pour ce nouvel enregistrement, elle fait équipe avec Trent Reznor et Atticus Ross de Nine Inch Nails. Il en résulte un affrontement entre la pop et l’industriel, un mélange qui peut sembler incongru voire bizarre, mais qui donne une atmosphère bien intéressante. Les deux facettes se nourrissent entre elles pour un ensemble des plus créatifs. L’album débute en douceur avec une musique plutôt atmosphérique au piano (« The Tradition »), mais la musique techno plus agressive et les riffs distorsionnés arrivent rapidement ensuite, toujours en alternance avec des pièces plus lentes. Halsey plonge tête première dans l’industriel avec « Easier Than Lying », avant de s’essayer au pop punk avec « Honey » et même d’embrasser le gothique avec « The Lighthouse ». D’autres titres à souligner : « Girl is a Gun », une pièce électro-pop avec des rythmes de Jack Dangers (Meat Beat Manifesto) et « Bells in Santa Fe », une pièce poétique d’une grande beauté. Mais la pièce maîtresse nous arrive au 11e titre avec « I Am Not a Woman, I’m a God » qui représente l’union parfaite du trio. Parmi les thèmes qu’elle explore, il y a l’enfantement, la vie et la mort, pendant que la production respire la tension, la frustration et la rage. Halsey s’entoure de musiciens collaborateurs pour plusieurs chansons : Lindsey Buckingham (« Darling »), Dave Grohl (« Honey »), Pino Palladino et Kerriem Riggins (« Lilith ») et Dave Sitek (« You Asked For This »). En conclusion, If I Can’t Have Love, I Want Power est un album-concept cinématographique particulièrement intéressant, une grande œuvre qui s’ajoute au répertoire de Halsey. (septembre 2021)

Vidéoclip : « I Am Not a Woman, I’m a God »

Pour son 11e album, Jorane propose un projet ambitieux de 80 minutes sur lequel elle a travaillé depuis six ans. Il s’agit d’une grande fresque musicale autour du concept de l’instinct. Jorane y exploite à nouveau sa voix sans mots, accompagnée de violoncelle et de harpe, ce qui lui permet de s’exprimer sans se plier aux lois du langage. Coréalisé avec Marc Bell (Troublemakers, Moment Factory), Hemenetset est en quelque sorte une symphonie moderne. Jorane s’entoure d’une dizaine de musiciens incluant des violons, alto, violoncelle, contrebasse, piano et percussions, mais aussi des synthétiseurs et de la programmation, sans oublier les voix de Geneviève Toupin et Chloé Lacasse. Le tout est dirigé de main de maître par Jorane, véritable chef d’orchestre pour imbriquer chaque instrument dans l’ensemble. Le premier extrait de près de 10 minutes, « Les tectoniques », a été grandement apprécié des mélomanes et ajouté à plusieurs listes d’écoute internationales. Six des huit titres s’étendent sur plus de neuf minutes, incluant la pièce d’ouverture, la très belle « Nébuleuse I », qui totalise plus de 15 minutes. Voici un album grandiose par une artiste qui atteint aujourd’hui sa pleine maturité. (septembre 2021)

L’auteur-compositeur et interprète originaire de Moose Jaw en Saskatchewan, maintenant établi à Vancouver, présente un premier album complet après quelques mini-albums. Zach Kleisinger propose une musique folk introspective axée avant tout sur les textes. Son style doux et personnel à la Leonard Cohen se met en place dès les premières pièces, que ce soit à la guitare (« Nothing Special », « Dance For a White ») ou au piano (« Miss You When You’re Leaving »). C’est cette atmosphère intimiste qui domine tout au long des 10 titres totalisant 42 minutes. Pour les amateurs du genre, voici un artiste canadien à découvrir. (septembre 2021)

Le compositeur et bassiste montréalais présente un nouvel album, trois ans après YUL qui était en quelque sorte un hommage à la métropole québécoise. Sur Naufragés, Alex Lefaivre propose de nouvelles compositions, mais aussi trois reprises à souligner : « Passe-Partout » en hommage à la célèbre émission pour enfants et à son créateur Pierre F. Brault, « Immigrant Song » de Led Zeppelin, ainsi qu’une pièce obscure de Miles Davis et Gil Evans, « Time of the Barracudas ». Son style jazz éclectique inclut des clins d’œil au disco, au punk, au reggae, et même au cinéma noir. La pochette créée par Les Microcosmes (alias Daphnée Côté-Hallé) illustre de belle façon l’atmosphère de l’album. Enregistré en quatuor, le disque s’avère à la fois léger et raffiné. Un très bon album de jazz qui rejoindra un vaste auditoire! (septembre 2021)

Après Le grand départ (en français) et Leave Tonight (en anglais), David Myles revient avec un album totalement instrumental. Les arrangements d’une grande richesse enveloppent une musique intégrant le soul, le jazz, le funk et le blues. Le titre de l’album, That Tall Distance, est tiré d’un poème de Mary Oliver. Le disque a été coréalisé par Myles et Joshua Van Tassel (aussi batteur et percussionniste sur l’album). Myles et ses talentueux musiciens proposent un album grandement créatif, peut-être le plus inventif du Néo-Brunswickois à ce jour. (septembre 2021)

Après avoir présenté les extraits « Terre noire », « Il pleut toujours » et « Ballot de lingots », Dany Nicolas nous arrive avec son premier album, Rockstar municipale. L’auteur-compositeur, chanteur et guitariste de Tadoussac propose une musique folk minimaliste sur des textes poétiques livrés avec un franc-parler indéniable. En plus de ses propres textes, Nicolas porte les mots du poète français Rémo Gary, ainsi que ceux du romancier Charles-Philippe Laperrière. Il réalise l’album avec Tonio Morin-Vargas (Canailles, Mon Doux Saigneur) dans un contexte d’enregistrement en une seule prise sans modifications au mixage. Comme collaborateurs, on peut entendre Fred Fortin à la basse sur « La vie des autres », ainsi que Martin Lizotte au piano sur « Terre noire ». Musicalement, le style brut de Dany Nicolas peut nous rappeler un mélange entre Jean Leloup, Bernard Adamus et Émile Bilodeau. Il ose en plusieurs occasions avec des lectures de textes sans musique ou de courts passages instrumentaux. Il ajoute également quelques sonorités électriques à sa musique dépouillée. C’est donc un premier essai intéressant pour Dany Nicolas. (septembre 2021)

Le groupe montréalais présente un cinquième album audacieux. En effet, SUUNS sort de sa zone de confort et propose un virage inusité et ingénieux. Ils adoptent une mentalité jazz tout en conservant des chapitres distincts. Leur musique est à la fois brute et intimiste, un son épuré avec une certaine tension dramatique. Les chansons se développent lentement, à l’image de la pièce d’ouverture (« Third Stream ») qui s’étend sur plus de sept minutes. Pendant que certaines pièces peuvent s’avérer plus difficiles d’accès, « Go to My Head » est d’une beauté pastorale et « The Trilogy », une pièce de six minutes complexe et lumineuse, complète magnifiquement l’album. The Witness est assurément le meilleur album du groupe à ce jour. (septembre 2021)

Connue sous le pseudonyme Oh Susanna, Suzie Ungerleider présente enfin un album sous son véritable nom, et ce après plus de 25 ans de carrière. Réalisé par Jim Bryson, l’album propose une musique folk très douce avec d’excellentes mélodies pop difficilement oubliables. Majoritairement guitare-voix, le disque inclut aussi des arrangements de cordes de Kinley Dowling sur « Baby Blues », lui qui joue aussi le violon et le violon alto, accompagné de Kevin Fox au violoncelle. Il s’agit d’un album totalement intimiste qui permet à Suzie de se dévoiler plus que jamais à son auditoire. (septembre 2021)

En cette année du 25e anniversaire du groupe danois de psychobilly, HorrorPops présente un enregistrement en concert de 19 titres sur format DVD, Blu-ray et CD. La chanteuse et contrebassiste Patricia Day, le guitariste Kim Nekroman (Nekromantix) et le batteur Henrik Niedermeier proposent un spectacle hors du commun après neuf ans d’absence sur scène, un spectacle enregistré au Wiltern Theater à Los Angeles, Californie. Leur style est unique et il fusionne le rockabilly, le punk rock, le new wave et le ska. Le groupe nous offre 68 minutes de musique énergique et contagieuse, incluant les succès « Walk Like a Zombie », « Miss Take » et « Psychobitches Outta Hell ». Voici donc un excellent concert, non seulement pour les fans de HorrorPops, mais aussi de Nekromantix et de psychobilly en général. (septembre 2021)

Bande-annonce

La chanteuse alternative Lucy Dacus nous revient avec son troisième album, Home Video. Suite à un album et une tournée avec son trio Boygenius (avec Julien Baker et Phoebe Bridgers), elle s’est rendue à Nashville en août 2019 pour enregistrer ce nouveau disque en solo. Plus personnel que ses précédents, l’album revient sur son passé à Richmond, Virginie. Remplis de vulnérabilité, de tendresse et même de regrets, les textes sont tous écrits à la première personne. L’album débute avec une introduction mid-tempo à la guitare bien présente, « Hot & Heavy », mais c’est avec « First Time » qu’elle libère totalement son côté rock, ce qui lui va plutôt bien. L’ensemble propose tout de même une majorité de pièces acoustiques, dont « Going Going Gone » pour laquelle Lucy s’est entourée de ses comparses, Baker et Bridgers, ainsi que des choristes Mitski et Liza Anne. Mais la pièce centrale de ce très bon album est assurément la ballade au clavier « Thumbs ». Finalement, c’est une pièce de plus de sept minutes qui complète Home Video, « Triple Dog Dare ». Avec ce nouveau disque, Lucy Dacus présente assurément son œuvre la plus accomplie à ce jour. (juillet 2021)

Le légendaire groupe rock présente son 17e album, Crash of the Crown, qui semble en fait la suite de The Mission, leur album-concept de 2017. Tommy Shaw travaille à nouveau avec le multi-instrumentiste Will Evankovich pour la réalisation. Dans la chanson-titre, Styx innove avec trois chanteurs qui performent à tour de rôle : d’abord James « JY » Young, puis Tommy Shaw dans l’héroïque section centrale à voix multiples, et finalement Lawrence Gowan pour le dernier couplet. On retrouve sur Crash of the Crown plusieurs éléments du passé rock progressif du groupe, enregistrés toutefois avec les technologies d’aujourd’hui. Les nostalgiques de leur passé glorieux y entendront donc à nouveau des moments intéressants, même si aucun classique ne ressortira de Crash of the Crown. (juillet 2021)

Deux ans après Let’s Rock, le duo de l’Ohio fait un retour aux sources avec Delta Kream. Dan Auerbach (voix, guitare) et Patrick Carney (batterie) reviennent en effet à leur fascination pour le blues du Mississippi, dans leur style blues rock garage minimaliste, même si des musiciens additionnels sont présents, notamment le pianiste de JD McPherson, Ray Jacildo. Delta Kream inclut 11 reprises de légendes blues du Mississippi comme Junior Kimbrough, R.L. Burnside et Fred McDowell. Enregistré en une séance de 10 heures, l’album se veut en fait une suite à leur mini-album de 2006, Chulahoma: The Songs of Junior Kimbrough. Dans ce style, les Black Keys nous rappellent le rock du sud des années 1970 (Allman Brothers Band, Peter Green). L’album débute en force avec le classique de John Lee Hooker et Big Joe Williams, « Crawling Kingsnake », ce qui donne le ton pour les pièces suivantes. Delta Kream s’avère être un excellent mélange entre leur style minimaliste guitare-batterie et la tradition blues du Mississippi. (juin 2021)

Shirley Manson et sa bande sont de retour avec un premier album en cinq ans, leur septième en carrière. No Gods No Masters prend une tendance plus sociopolitique que par le passé, dans la foulée de plusieurs événements mondiaux soulevant des problèmes de racisme systémique, d’inégalités de genres, de cupidité corporative et des luttes des personnes marginalisées. Le quatuor vise l’élimination de la patriarchie dès le premier titre, « The Men Who Rule the World », une pièce électro-funk. L’électro occupe une place prépondérante tout au long du disque, laissant très souvent de côté les guitares grinçantes qui ont fait leur renommée. Avec un rythme effleurant l’industriel, « Godhead » fait penser à une fusion entre Depeche Mode et Peaches, alors que Garbage dénonce l’égo masculin démesuré par une image phallique forte. Musicalement, le groupe explore plusieurs directions, pour un album d’une grande créativité. L’ensemble s’enchaîne à merveille pour un résultat plus que réussi, peut-être le meilleur album de Garbage en plus de 20 ans. À noter qu’une version de luxe inclut un deuxième CD de huit pièces (dont la reprise de David Bowie, « Starman »), pour un grand total de plus de 80 minutes. (juin 2021)

Le guitariste classique David Jacques revient avec un deuxième album d’histoires de guitares, après 14 histoires de guitares paru en janvier 2020 et nommé pour un prix Opus 2021. Il présente cette fois-ci 15 guitares historiques de sa collection privée, construites pour la plupart par les meilleurs luthiers du 19e siècle. Il faut dire qu’à cette époque la guitare est devenue un instrument à la mode et que la collaboration compositeur-luthier a offert à l’instrument une riche gamme de modèles, de matériaux et de techniques. Pour chaque guitare, Jacques propose un répertoire adapté au caractère de l’instrument. On peut découvrir des œuvres de Mauro Giuliani, Niccolò Paganini, Vasily Sarenko, Ernest Shand et plusieurs autres. Chacune des 15 guitares a une histoire à raconter. (juin 2021)

Née en Corée du Sud et ayant grandi en Oregon, Michelle Zauner (alias Japanese Breakfast) nous revient avec son troisième album d’indie pop exploratoire. Sur Jubilee, elle semble avoir trouvé son chemin et être maintenant plus ancrée dans ses origines. Japanese Breakfast propose un très beau mélange entre indie rock et indie pop avec des sons des années 1980 et une très belle richesse musicale grâce notamment aux éléments électro et aux cuivres. Sa musique s’avère donc beaucoup moins minimaliste qu’à ses débuts, alors qu’elle enregistrait chez elle pendant qu’elle prenait soin de sa mère. Cependant, même si ses mélodies sont plus accrocheuses, les sujets demeurent introspectifs. Voici un album particulièrement créatif et d’une grande beauté, assurément son plus accompli à ce jour! (juin 2021)

L’organiste canadien Matthew Larkin présente un album double enregistré sur l’un des plus célèbres orgues d’Amérique du Nord, le Casavant Opus 550 de l’église anglicane St. Paul de Toronto. Le récital de plus d’une heure et demie met en valeur l'étendue et la beauté remarquables de cet orgue incomparable construit en 1914 par Casavant Frères. Larkin y explore différentes époques ainsi que des styles variés avec la musique de compositeurs allant de Bach à Keith Jarrett, incluant des œuvres contemporaines des Canadiens Healey Willan, Ernest MacMillan et Andrew Ager. En plus de Bach, parmi les grands noms du classique notons Mendelssohn, Couperin et Franck. À l’autre extrémité du spectre, on peut découvrir une œuvre du jeune compositeur Benjamin David Mallory né en 2002 (« La joie spontanée »). Les amateurs d’orgue en auront plein les oreilles avec ce double album rempli de surprises. (juin 2021)

L’auteur-compositeur et interprète à l’âme solitaire et contemplative Elliot Maginot est de retour sur disque avec son troisième album. Réalisé par Maginot et son frère de son, Connor Seidel, Easy Morning navigue entre une pop alternative planante inspirée de musique classique et de sonorités ouest-africaines, et un folk rock dépouillé. Essentiellement acoustique, l’album crée une atmosphère bien particulière grâce à une instrumentation variée et des orchestrations hautes en textures. Les arrangements pour quatuor à cordes signés Antoine Gratton viennent enrichir « Holy Father » et la chanson-titre. L’album est issu d’une retraite de création dans les bois, en période de pandémie alors que Maginot ne savait pas quand il pourrait jouer ses chansons devant un public. Plus acoustique que par le passé, la musique contemplative d’Elliot Maginot prend peut-être une nouvelle direction, mais elle demeure toujours aussi efficace avec une atmosphère bien à elle. (juin 2021)

Le Nigérian Mdou Moctar est de retour avec un nouvel album de musique Touareg, Afrique Victime. Un des innovateurs du genre, Moctar demeure à l’avant-scène de ce style musical du désert saharien aux influences de l’ouest. Le guitariste hors-pair influencé tant par Hendrix que Prince présente un nouvel album de grande qualité, fusionnant parfaitement le rock et le blues au Touareg (« Chismiten », « Taliat »). Il explore aussi une musique acoustique plus douce qui vient créer un bel équilibre sur l’album (« Tala Tannam », « Layla »). Même si l’ensemble du disque traite surtout de joie et d’amour, la chanson-titre dénonce la brutalité du colonialisme, le tout pendant sept minutes et demie. Avec Afrique Victime, Moctar propose un album cohérent du début à la fin, pour l’un de ses meilleurs en carrière. (juin 2021)

Née à Montréal, la chanteuse, auteure-compositrice et multi-instrumentiste Allison Russell présente son premier album, après avoir fait partie de plusieurs groupes (Birds of Chicago, Our Native Daughters, Po’ Girl). Sur ce premier disque, réalisé par Dan Knobler (Lake Street Dive), elle propose une musique folk rock avec des influences blues. Elle y décrit sa jeunesse avec des détails plutôt personnels, en plus de mettre en lumière les couleurs de sa ville, son paysage et sa langue. Sur le premier extrait « Nightflyer », elle réfléchit au pouvoir de guérison de la maternité. Outside Child résonne comme une grande libération pour Allison, mais il possède surtout de très bonnes chansons aux mélodies inoubliables. (juin 2021)

Québécois d’adoption, mais né à Retford en Angleterre, Sam Tucker s’est d’abord fait connaître à La Voix, grâce surtout à sa voix légèrement éraillée. Après un mini-album en 2018, il lance enfin son premier album complet, un disque un peu plus musclé que ce qu’il nous a offert précédemment, réalisé par Jesse Mac Cormack. On y retrouve un mélange de rock ‘n’ roll et de blues, avec tout de même des pièces plus introspectives dans la deuxième moitié. Tucker propose un voyage à travers l’Amérique mélangeant les diverses époques, le tout propulsé par l’excellente pièce d’ouverture, « Holy », et qui se conclut en beauté avec « I Love My Baby but She Drinks Too Much ». Il réussit en plusieurs occasions à offrir une balance parfaite entre puissance et émotion, pour un album d’une grande cohérence tout au long des 13 titres (qui totalisent quand même près d’une heure). Après une longue attente, ses fans de la première heure devraient y trouver leur compte sans problèmes, puisqu’il s’agit d’un excellent disque! (juin 2021)

Marie Bégin (violon) et Samuel Blanchette-Gagnon (piano) présentent une compilation des « Sonates pour violon et piano » de Claude Debussy (1862-1918) et de César Franck (1822-1890), ainsi que les « Mythes, op. 30 » de Karol Szymanowski (1882-1937), une rareté du répertoire moderne pour violon et piano. On peut entendre en boni « Après un rêve » de Gabriel Fauré (1845-1924) et « Beau soir » de Debussy (avec des arrangements de Jascha Heifetz). Pour les amateurs d’œuvres pour violon et piano, voici un excellent album de près de 75 minutes. (juin 2021)

Bumarang est un trio montréalais qui rend hommage à la tradition celtique. Formé de Kate Bevan-Baker (violons, voix), David Gossage (flûte, sifflet, guitare) et Sarah Pagé (harpe, harmonium, bouzouki, voix), le super trio présente son tout premier album avec Echo Land. Ces membres d’Orealis, Tree Talk et The Barr Brothers se sont d’abord croisés sur scène en 2015. Leurs influences vont du classique au jazz en passant par les musiques africaines et indiennes, mais c’est leur amour des chansons folks celtiques qui les a véritablement unis. Après plusieurs problèmes qui ont retardé l’enregistrement d’Echo Land, les membres Bumarang ont demandé les services de Vid Cousins pour coréaliser et mixer l’album. Ils ont également invité le percussionniste Ivan Bamford (Land of Kush), le batteur Kevin Laing (The Besnard Lakes) et le guitariste Leif Vollebekk. Le résultat semble nous provenir tout droit d’Irlande ou d’Écosse à une époque lointaine, mais avec un son de 2021. Bumarang réussit habilement à faire revivre la tradition celtique, sans en faire une caricature. Un très beau disque! (mai 2021)

Dirigé par le contrebassiste, compositeur, arrangeur et directeur musical Jean Félix Mailloux, Cordâme se situe quelque part entre le jazz et la musique de chambre. L’ensemble compte aussi dans ses rangs Coral Egan (voix), Marie Neige Lavigne (violon), Sheila Hannigan (violoncelle), Éveline Grégoire-Rousseau (harpe) et Isaiah Ceccarelli (percussions). Sur ce nouvel album, Mailloux et sa bande rendent en quelque sorte hommage à la renaissance italienne et au leg de Leonardo Da Vinci, dans un projet ambitieux et niché. Mailloux a créé des musiques qui reflètent la riche poésie italienne et l’imagination foisonnante de Da Vinci. Il présente pour la première fois des musiques accompagnées de paroles et certaines intègrent d’ailleurs la poésie de Gaspara Stampa et de Pétrarque. Voici un album unique et très agréable à écouter, un véritable baume pour l’âme! (mai 2021)

Pour son troisième album, le groupe montréalais The Damn Truth a eu la chance de pouvoir travailler avec le légendaire réalisateur Bob Rock (Metallica, The Cult, Mötley Crüe, Aerosmith, Bon Jovi) pour six des neuf pièces, enregistrées à Vancouver. Rock permet au quatuor de présenter son disque le plus puissant et le plus solide de sa carrière. Il a fallu compléter l’album à Montréal en raison des restrictions liées à la pandémie et le groupe a réalisé lui-même les trois pièces restantes. L’ensemble présente un rock pur aux influences des années 1970, avec notamment Led Zeppelin qui nous vient en tête en plusieurs occasions. Il faut noter l’impressionnante performance vocale de la chanteuse et guitariste Lee-La Baum. Avec Now or Nowhere, parions que The Damn Truth seront finalement reconnus même dans leur propre pays, après de nombreuses performances à travers le monde, notamment à guichet fermé au mythique Whiskey a Go Go de Los Angeles. (mai 2021)

Pour son nouvel album, le multi-instrumentiste, compositeur et réalisateur Cédric Dind-Lavoie propose une fusion entre le folklore québécois et ses habituelles musiques ambiantes et introspectives. Il présente une série de compositions originales modernes et intimistes en y ajoutant dans leur forme originale des enregistrements d’archives, de vieux trésors retrouvés. Il s’agit de chansons et de morceaux instrumentaux des années 1940 et 1950, tirés notamment des collections des folkloristes Simonne Voyer, Roger Matton et Luc Lacourcière. Les arrangements permettent un mariage réussi entre les deux époques, mettant en évidence les voix de Benoit Benoit, Joseph Larade, Jeanne Savoie, etc. Notons aussi la participation de Marie-Pierre Lecault en certaines occasions au violon et à la mandoline. Le mélange entre les musiques néoclassiques et traditionnelles peut parfois sembler quelque peu bizarre, mais il s’agit d’un montage original qui plaira aux amateurs de musiques qui sortent des sentiers battus. (mai 2021)

L’ensemble de jazz Eyevin Nonet, sous la direction du batteur Ivan Bamford, puise dans les nombreuses influences et inspirations de ses membres pour nous présenter un hommage au défunt saxophoniste Thomas Chapin. Parmi les quatre titres offerts ici, on retrouve trois morceaux de Chapin jamais enregistrés auparavant, confiés généreusement à Bamford et son groupe par son épouse, Terri Castillo-Chapin. Eyevin Nonet donne vie à ces œuvres uniques de Thomas Chapin sur cet album de près de 37 minutes. (mai 2021)

Sur son cinquième album, Ô Psychologue, Sally Folk se livre complètement : sa vulnérabilité, sa sensibilité, ses peurs, ses maladresses et ses déceptions. Elle revient sur de vieilles histoires qui l’ont marquée. Heureusement, les arrangements de Michel Dagenais viennent à nouveau ajouter cette légèreté à l’album, qui en avait bien besoin pour éviter la déprime. Dès « Le regard des hommes », les riffs de guitare nous rassurent sur la direction musicale de l’album, alors que Sally commence son introspection. Inspirée par la quête amoureuse, elle explore les relations éphémères (« Les amourettes »), le déni (« Attendu pour souper ») et l’infidélité (« Pot de miel »). L’amour toxique se présente sous différents aspects tels l’ignorance de la part de l’autre (« Que diable m’emporte »), l’abus de pouvoir (« Le règne ») et la manipulation (« Mea Culpa »), cette dernière pièce étant en quelque sorte la suite de « Les heures de visites » parue sur Deuxième Acte. À noter que dans son vidéoclip de « Que diable m’emporte » on peut découvrir une Sally Folk au naturel, mais elle nous assure que ça n’arrivera plus, son personnage reprenant rapidement le dessus (à découvrir d’ailleurs en spectacle avec son humour corrosif). Musicalement, Sally poursuit dans le style pop rock qui nous l’a fait connaître avec de bonnes pièces énergiques, bien appuyées par la guitare. Ô Psychologue est un album très agréable à écouter et qui vous fera en plus réfléchir sur différents aspects des relations amoureuses souvent tumultueuses. (mai 2021)

Vidéoclip : « Que diable m’emporte »

Le prolifique auteur-compositeur et interprète nous propose un nouvel album qui porte simplement son nom. Éric Goulet y poursuit son aventure country débutée en 2011 avec Country Vol. 1. Sur ce troisième enregistrement country, ses racines rock ne sont jamais bien loin alors qu’on peut entendre des pièces énergiques comme l’excellente « Ma tête est mise à prix », « L’homme de Maniwaki » et « J’attends l’orage ». Mais il présente aussi des pièces émouvantes et intimistes comme « Au temps des adieux » (en duo avec Cindy Bédard), « La ville aux mille clochers » et « Six heure ». À noter aussi un excellent duo avec Sara Dufour pour « En dessous du pont ». Finalement, Goulet conclut ce très bon disque en beauté avec une relecture bien personnelle de « Aux accords de guitares » du grand Willie Lamothe. (mai 2021)

Considérée comme une étoile montante du Fado, l’auteure-compositrice et chanteuse portugaise Teresinha Landeiro présente aujourd’hui son nouvel album, Agora. Elle chante depuis l’âge de 12 ans dans les maisons de Fado de Lisbonne. Accompagnée de ses parents à ses débuts, elle y chante encore aujourd’hui. Même si le Fado l’habite, Teresinha fait aussi de la place au jazz, à la samba et à la chanson. Réalisé de belle façon par Pedro de Castro, Agora compte aussi les musiciens de grand talent suivants : Gaspar Varela (guitare), André Ramos (viola de Fado) et Francisco Gaspar (basse). Teresinha Landeiro propose un album émouvant et ensoleillé, un album digne de sa réputation de représentante de la nouvelle génération du Fado. (mai 2021)

Le compositeur montréalais Simon Leoza (auparavant connu sous le pseudonyme Tambour) présente son premier album avec Albatross. Le disque contient des compositions accumulées au cours des six dernières années, dont les premiers extraits « La nuée », « Bloom » et « L’archange ». L’album a été produit des deux côtés de l’Atlantique, suite à deux résidences de création au Banff Centre for Arts & Creativity. Il s’est d’abord envolé pour l’Islande pour entamer la préproduction avec Snorri Hallgrímsson. Il a ensuite passé quelques temps aux Iles Féroé, archipel de l’océan Atlantique. De retour au Québec, il s’est associé avec Blaise Borboën-Léonard (Queen KA, Lydia Képinski) qui coréalise l’album avec lui, album enregistré au Studio Makina de Montréal et au Studio Le Nid à Saint-Adrien. Leoza a en plus exploité l’acoustique de l’église du village et enregistré avec un quatuor à cordes. Les 10 pièces cinématographiques de l’album mélangent le grandiose et l’intimiste, avec une instrumentation riche et des sonorités électroniques. (mai 2021)

Directement de la Saskatchewan, Jeffery Straker nous arrive avec un nouvel album, Just Before Sunrise. Il nous propose une musique folk à forte tendance country. L’album a été réalisé par Russell Broom (Jann Arden), sauf les pièces « Light a Fire » et « Heavy is the Burden » réalisées par Royal Wood. Avec son plus récent extrait, « Ready To Be Brave », Straker présente une ballade au piano accompagnée d’orchestrations, des arrangements passablement différents de ce qu’il offre habituellement. Cependant, l’ensemble demeure axé sur les racines de la musique folk, pour un disque très agréable. (mai 2021)

Seulement trois mois après OK Human, Weezer revient déjà avec un nouveau disque. Suite au décès d’Eddie Van Halen le 6 octobre 2020, Rivers Cuomo a décidé de rendre hommage au célèbre guitariste, même s’il avait déjà en tête depuis longtemps l’idée d’un album hard rock. Voici donc Van Weezer, un disque axé d’abord sur les guitares et qui rappelle le rock des années 1980. Le groupe a souvent intégré des murs de guitares à ses albums, mais il atteint ici de nouveaux sommets. Les influences de Van Halen sont évidentes, mais Ozzy Osbourne peut aussi être entendu, notamment dans « Blue Dream » qui utilise carrément « Crazy Train ». Cependant, les comparaisons aux années 1980 s’arrêtent là. Cuomo conserve son style unique au micro et le son de Weezer demeure au cœur de l’album qui s’inspire finalement habilement du Van Halen du début des années 1980, mais sans en faire un pastiche. L’album débute en force avec « Hero » et « All the Good Ones », mais c’est avec l’excellente « The End of the Game » qu’il prend véritablement son envol. Dix chansons dépassant à peine les 30 minutes, c’est bien peu! Mais voici un enregistrement énergique et créatif, qui mélange habilement le rock du passé au style bien actuel de Weezer. Un album très agréable! (mai 2021)

Vidéoclip : « All the Good Ones »

Ngoma Zethu est d’abord un projet de conférence sur la révolution culturelle panafricaine. L’expression vient de différents langages Bantu et signifie soit « notre danse », « notre chanson », « notre culture », « notre tambour » ou « notre histoire ». Mais d’une façon plus philosophique, elle signifie simplement « notre façon de vivre ». Le projet est né de la tradition orale, l’humanité, la conscience, la philosophie, la mythologie, la spiritualité et l’histoire africaine. Les sept pièces sont interprétées par Kamel Zennia, Mongezi & DJ Njuchi, Lorraine Klaasen, Masauko, Kuku & GPS Lerato, Mighty Joshua et Vusi Mahlasela. En conclusion du disque, on retrouve une deuxième version de « You Snooze You Lose » avec Mighty Joshua. 7 Chapters of Mystery est un très bon album de musique africaine touchante. (mai 2021)

2021 a vu le retour de Star Académie après huit ans d’absence, ce qui aura permis de découvrir une nouvelle génération de chanteurs et chanteuses de grand talent. L’album de Star Académie 2021 contient des chansons par chacun des 15 académiciens, avec en conclusion la chanson-thème, « Maintenant et partout » (coécrite par Hubert Lenoir, Jérôme 50, etc.). Le disque commence en force avec la dynamique « Je veux » par Shayan Heidari, la touchante « Corridor » (de Laurence Jalbert) par Meghan Oak, ainsi que « J’m’en veux » par Maëva Grelet. D’autres titres attirent aussi l’attention grâce à une solide interprétation : « Aline » par Guillaume Lafond, le classique de Raymond Lévesque « Quand les hommes vivront d’amour » par Jacob Roberge, « I Miss You So » par Queenie Clément et « S’il suffisait d’aimer » par Annabel Oreste. On doit aussi noter les performances de la finaliste Lunou Zucchini (« Mommy ») et du gagnant William Cloutier (« J’allais être papa »). Malheureusement, ce type de compilation s’avère souvent inégal dans les interprétations, en plus d’aller dans toutes les directions musicalement. Quelques performances exceptionnelles ressortent tout de même du lot et l’ensemble plaira assurément aux fans de l’émission télé. (mai 2021)

Le Chœur de l’Église St. Andrew et St. Paul de Montréal, dirigé par le chef d’orchestre canado-américain Jean-Sébastien Vallée, propose une compilation d’œuvres chorales de toutes les époques. On y retrouve un motet de Johann Sebastian Bach, « Agnus Dei » de Samuel Barber et « Lux Aeterna » de Edward Elgar, en plus d’œuvres plus contemporaines de Trevor Weston (« Magnificat »), Reena Esmail, James MacMillan et Caroline Shaw. On peut également découvrir « Ni de l’est ni de l’ouest », une œuvre commandée au compositeur montréalais (et membre du Chœur) William Kraushaar et dédiée à la mémoire des victimes de la fusillade de la mosquée de Québec en 2017. Voici un très bon album pour les amateurs de chant choral. (avril 2021)

CODE Quartet est un super quatuor jazz montréalais composé de Christine Jensen (saxophone alto et soprano), Lex French (trompette), Adrian Vedady (basse) et Jim Doxas (batterie). Ils présentent aujourd’hui leur tout premier album ensemble contenant huit titres (51 minutes), incluant la traditionnelle « O Sacred Head, Now Wounded ». La fusion entre les cuivres et la section rythmique acoustique est impressionnante, ce qui fait qu’il ne reste aucun instrument dominant. À écouter avec de bonnes enceintes acoustiques pour un résultat optimal! (avril 2021)

À peine un an après l’excellent Quand la nuit tombe, Louis-Jean Cormier remet ça avec Le ciel est au plancher. C’est que peu de temps après avoir complété son disque précédent, il a perdu son père Marcel sans avoir pu lui faire les adieux qu’il aurait souhaités. Pour encaisser le choc et vivre son deuil, Cormier s’est plongé dans ce qu’il sait faire de mieux : écrire des chansons. Certaines compositions avaient été entamées et mises de côté, mais l’émotion vive qui l’habitait a redonné naissance à ces musiques. L’auteur-compositeur et interprète avoue présenter son album à la direction artistique la plus aboutie, un véritable album-concept. La première et l’avant-dernière pièce portent comme titres les coordonnées géographiques de sa maison familiale à Sept-Îles et de sa maison actuelle à Montréal. Il fait l’aller-retour entre les deux villes pendant l’album, avant de regarder « L’au-delà » à la 12e et dernière piste. Il s’agit à la fois d’un album personnel et qui rejoindra tout le monde à un moment ou un autre. Encore une fois, Cormier laisse de côté la guitare pour se concentrer sur des instrumentations autour du piano, un curieux mélange entre pop aérienne, électro et jazz. Le ciel est au plancher est un album qui mérite quelques bonnes écoutes attentives pour en saisir toutes les subtilités musicales. Louis-Jean Cormier frappe un grand coup avec ce quatrième album tout à fait singulier. (avril 2021)

Le trio Grosse Isle est formé de Sophie Lavoie, de l’Irlandais Fiachra O’Regan et du légendaire André Marchand (La Bottine souriante, Les Charbonniers de l’Enfer). Lancé à la St-Patrick le 17 mars, Le Bonhomme sept heures fusionne la musique traditionnelle québécoise avec la musique irlandaise. Il s’agit du premier album du trio alors que Sophie et Fiachra ont travaillé ensemble auparavant pour deux albums en plus d’avoir réalisé plusieurs tournées internationales. L’instrumentation est très variée tout au long de ce disque bilingue, intégrant uilleann pipes et whistle d’Irlande, banjo, violon, piano et guitare. Le rythme varie aussi, de plus doux à plus festif. Le nom du trio fait référence à l’île sur le St-Laurent où les Irlandais étaient placés en quarantaine lors de leur arrivée massive au 19e siècle pour fuir la famine. On découvre donc un beau mélange de cultures entre le Québec et l’Irlande. (avril 2021)

L’auteur-compositeur et interprète montréalais Rob Lutes présente son huitième album avec Come Around. Il fait suite à Walk in the Dark paru en 2017 qui a été primé aux Canadian Folk Music Awards dans la catégorie « Chanteur contemporain de l’année ». Coréalisé avec son collaborateur de longue date Rob MacDonald, et enregistré dans six studios différents en raison de la pandémie, ce nouveau disque inclut 11 chansons originales, ainsi qu’une très belle version de « In My Time of Dyin’ », un classique de Bob Dylan. D’ailleurs les influences de Dylan se font sentir à différents moments de l’album, qui inclut aussi des passages plus blues ou pop. Après un début en force avec « Knives » et « Lightning », Lutes propose la pièce-phare du disque, « That Bird Has My Wings », inspirée du livre du même titre de l’écrivain bouddhiste et condamné à mort Jarvis Jay Masters. Il y raconte l’espoir de la liberté dans l’imagination et le monde naturel. Rob Lutes est en effet un excellent raconteur, et c’est ce qui nous transporte tout au long de Come Around. Il possède en plus un style guitaristique unique. Mixé par l’ingénieur Rob Heaney (Patrick Watson, Emilie-Claire Barlow), l’album met en vedette certains des meilleurs musiciens folks de la scène canadienne : Rob MacDonald (guitares, dobro, mandoline), Bob Stagg (piano, orgue, claviers), Solon McDade (basse) et Mario Telaro (batterie, percussions). À noter aussi la présence d’Annabelle Chvostek et de Kim Richardson pour les chœurs. Voici un très bon disque folk à l’ambiance bien particulière. (avril 2021)

Près de 20 ans après son premier album, Aquanaute, Ariane Moffatt présente Incarnat, son septième enregistrement studio. Elle pensait pour l’occasion revisiter son répertoire en version dépouillée, mais elle s’est plutôt fait prendre par la créativité et un désir d’introspection. Il en résulte donc 12 nouvelles chansons généralement douces et d’une grande beauté, à l’image de la pièce d’ouverture du même titre (« Beauté »), la chanson-titre et la conclusion (« Nature »). Sa poésie est directe et sans artifices, puis elle nomme les choses sans détours : le désir, les questionnements autour de la filialité, l'envie d'un ailleurs extraordinaire et l'emprise des jours ordinaires. Pour la réalisation, Ariane a collaboré étroitement avec Marc-André Gilbert alias MAG (Charlotte Cardin, Aliocha). Quant à lui, Antoine Gratton a une fois de plus signé des arrangements de cordes somptueux interprétés par les Mommies on the Run (Mélanie Bélair, Mélanie Vaugeois, Ligia Paquin et Annie Gadbois). Il faut aussi noter une collaboration de renom, celle de Lou Doillon pour la pièce « Jamais trop tard » (adaptation libre de « Everybody’s Got To Learn Sometime », popularisée par Beck). Finalement, Fanny Britt a signé le texte de « Phèdre en Forêt » sur la musique d’Ariane. Voici donc un très bel album pour Ariane Moffatt qui s’ouvre totalement pour notre plus grand plaisir. (avril 2021)

Le duo folk / jazz de Winnipeg plonge dans le quotidien sur ce nouvel album. Il s’agit de leur premier disque en neuf ans, soit depuis Courage, My Love, lauréat de l’album de jazz de l'année aux Western Canadian Music Awards (2013) en plus d’avoir été nommé aux Juno dans la catégorie Album de jazz vocal (2014). Le duo propose ici des chansons à la fois puissantes et douces, des chansons offrant la vision d’un monde plus beau et plus doux. On peut y établir des parallèles avec Joni Mitchell, Rickie Lee Jones, James Taylor et Emilie-Claire Barlow, mais dans une fusion unique entre la chanteuse et le guitariste. Propp et Roy se sont entourés pour l’occasion du batteur Larnell Lewis (Snarky Puppy), des saxophonistes Jimmy Greene, Ken Gold et Steve Wilson, du percussionniste Rogerio Boccato (John Patitucci), des bassistes Mike Downes, Karl Kohut et Julian Bradford, du guitariste Joey Landreth et du pianiste Will Bonness. Voici un très bel album plein d’émotion par ce duo bien singulier. (avril 2021)

Sur Hidden Treasures, l’ensemble baroque canadien Sacabuche!, dirigé par Linda Pearse, présente des œuvres méconnues mais étonnantes de la musique à la cour des Habsbourg en Bohême au XVIIe siècle, retrouvées notamment dans les archives Kroměříž, en République Tchèque. Il s’agit de 18 œuvres pour violons, cornets, trombones, théorbes et orgues de compositeurs tels que Giovanni Valentini (1582-1649), Antonio Bertali (1605-1669) et Giovanni Battista Buonamente (1595-1642). Sacabuche! célèbre cette année 15 ans à offrir des pièces d’un répertoire peu connu pour trombones baroques, cordes, luth, orgue et voix. Ils nous font à nouveau découvrir des trésors cachés avec ce nouveau disque unique. (avril 2021)

Yannick Nézet-Séguin présente son premier album en tant que pianiste, accompagné de la cantatrice mezzo-soprano Joyce DiDonato. Le duo s’associe pour offrir une nouvelle version du fameux Winterreise de Franz Schubert (1797-1828) avec des textes de Wilhelm Müller (1794-1827), l’un des plus brillants cycles de chansons jamais écrits. DiDonato propose une lecture différente de ces 24 chansons, soit du point de vue de la femme, l’amour perdu. Le disque a été enregistré au Carnegie Hall de New York en décembre 2019, dans un élan de créativité de la part du duo. (avril 2021)

Sur son huitième album, Vallières plonge dans ses souvenirs d’enfance et d’adolescence. C’est entouré d’un mur de guitares qu’il présente ces souvenirs sur un fond de rock bien énergique. Seule l’excellente pièce acoustique « La somme » propose une version plus dépouillée de ses souvenirs de jeunesse. Sous la direction artistique de Martin Léon, Vallières a partagé la réalisation avec André Papanicolaou, son fidèle complice depuis de nombreuses années. L’album débute en force avec les incontournables « Heille Vallières », « Homme de rien » et « Elle n’entend plus battre son cœur ». « La somme » change ensuite l’énergie, mais il s’agit peut-être ici d’un futur classique du répertoire de l’auteur-compositeur et interprète. La deuxième moitié du disque est peut-être un peu moins exceptionnelle, mais présente tout de même de solides compositions. Notons la présence d’Ingrid St-Pierre pour chanter en duo avec Vincent sur « On dansera sous la pluie », une pièce positive et apaisante. L’album se termine dans un duo poignant et tout en douceur avec Marjo pour la pièce au piano intitulée « Tout n’est pas pour toujours ». (avril 2021)

Bande-annonce

Après presque 10 ans à la tête de Your Favorite Enemies, Alex Henry Foster a donné son premier concert sous son propre nom en juillet 2019 au Club Soda dans le cadre du Festival international de Jazz de Montréal, faisant suite à son premier album solo paru huit mois plus tôt (Windows in the Sky). C’est ce spectacle de plus de deux heures qui est offert sur ce CD double accompagné d’un DVD. Le concert se voulait un événement unique en hommage à son père décédé cinq ans auparavant. L’auteur-compositeur, chanteur et multi-instrumentiste y a joué l’intégral de Windows in the Sky, accompagné de 11 musiciens et de la projection d’un film réalisé par Foster, Immersion Sky, que l’on retrouve en boni sur le DVD. Le réputé éclairagiste Pascal Boily a créé à partir de la vision de Foster une installation scénique unique, offrant un univers immersif où la musique, les projections et la lumière coexistaient. Foster voulait que les spectateurs n’aient pas l’impression d’assister à un concert mais plutôt d’être plongés complètement dans le moment. Même sur DVD le résultat s’avère extrêmement concluant alors qu’on se retrouve immédiatement à l’intérieur de cette bulle musicale hors du commun. Voici un spectacle mémorable que l’on peut évidemment écouter sur CD, mais qui prend tout son sens avec les images. (avril 2021)

Extrait : « Winter is Coming In »

Barry Paquin Roberge est un supergroupe montréalais formé à la base d’Étienne Barry des Deuxluxes, ainsi que de Sébastien Paquin et Alexis Roberge de Buddy McNeil & the Magic Mirrors, auxquels se sont ajoutés Jonathan Lafrance (Muscadettes), Jocelyn Gagné (Les Breastfeeders) et Anna Frances Meyer (Les Deuxluxes). Sur Exordium to Extasy, BPR propose à nouveau sa musique glam dansante aux influences néo-disco dans le style des Scissor Sisters. C’est une musique pop contagieuse qui nous conquiert rapidement, dès « BPR Strut (Join Us & You’ll Be Fine) », leur premier extrait. La fusion entre les guitares vivifiantes, les synthétiseurs et la flûte est sans bavures et nous entraîne dans un univers ensoleillé qui nous accroche automatiquement un sourire aux lèvres. Coréalisé par BPR et Félix Petit (Hubert Lenoir, Les Louanges), Exordium to Extasy est un deuxième album savoureux pour le groupe, une véritable bouffée de fraîcheur! (mars 2021)

Vidéoclip : « BRP Strut (Join Us & You’ll Be Fine) »

Après plus de 15 ans de carrière, le chanteur et pianiste de la Louisiane nous arrive avec ce qui pourrait s’avérer son album le plus marquant en carrière. Jon Batiste propose un mélange plus réussi que jamais entre soul, R&B, pop, gospel et jazz, réparti sur 13 titres. Batiste a d’abord proposé la chanson-titre en soutien au mouvement Black Lives Matter, avant de nous offrir cet assemblage de pièces à la fois intelligentes, originales et divertissantes. Il semble maîtriser son art plus que jamais, même s’il peut compter sur plusieurs collaborateurs pour la réalisation, ainsi que sur les apparitions de Mavis Staples et Quincy Jones. À noter aussi la présence de son père, Michael Batiste, et de son grand-père, David Gauthier. We are a été grandement inspiré par sa jeunesse à la Nouvelle-Orléans et on peut même entendre le St. Augustine Marching Band sur la chanson-titre, l’ensemble gospel de son école secondaire. Dans « Boy Hood », c’est en compagnie de PJ Morton et Trombone Shorty que Batiste se remémore les familles, la nourriture et la culture de sa ville natale qui ont façonné leurs vies. Musicalement, le chanteur s’inspire du meilleur du passé pour imaginer le futur, pour un amalgame éclectique entre le jazz de la Nouvelle-Orléans et Outkast. Même si le mélange de styles peut sembler difficile d’approche au premier abord, il devient vite un petit bijou à polir jusqu’à la fin. (mars 2021)

L’auteure-compositrice et interprète torontoise lance son sixième album. Sur String of Pearls, elle oscille à nouveau entre le folk, le jazz et la pop indie, avec une forte tendance jazz manouche et swing. Elle se permet même quelques titres en français (« Je t’ai vue hier soir » et « D’être humain »), en plus de reprendre « Belleville Rendez-vous » du film Les Triplettes de Belleville. Elle propose également sa version de « Just the Right Bullets » de Tom Waits. Annabelle ajoute une touche sud-américaine à l’ensemble alors que les chansons ont été arrangées et co-réalisées à Montevideo par Fernando Rosa, qui a rassemblé certains des meilleurs musiciens de tango et de musique classique d’Uruguay. Voici donc un album dynamique aux influences multiples. (mars 2021)

À la surprise de tous, les Cowboys Fringants nous arrivent avec un nouvel album. Les nuits de Repentigny assemble 23 pièces inédites écrites au cours des 25 dernières années. Il n’y a donc que bien peu de liens entre toutes ces chansons, à part peut-être la vie de party dépeinte dans « Épique Éric » (qui peut rappeler le film Hangover), « Party d’pouel » et la chanson-titre très fortement inspirée de « Viva Las Vegas » d’Elvis Presley. Plusieurs chansons d’une minute ou moins semblent incomplètes, comme des idées qui n’auraient pas été menées jusqu’au bout. Même si un peu décousu, l’ensemble présente tout de même de bons moments festifs, qui plairont aux fans de longue date du groupe. (mars 2021)

Avec ce nouvel album, le corniste Louis-Philippe Marsolais se consacre à la musique de chambre pour cor du compositeur, violoniste, altiste et chef d’orchestre allemand Paul Hindemith (1895-1963). Marsolais s’entoure pour l’occasion du pianiste David Jalbert (Pentaèdre), des cornistes Simon Bourget, Louis-Pierre Bergeron et Xavier Fortin de l’Orchestre du Centre national des arts d’Ottawa, ainsi que du quintette à vent Pentaèdre. On peut y redécouvrir cinq superbes œuvres de Hindemith très peu jouées aujourd’hui : « Sonate pour cor et piano », « Sonate pour cor alto et piano », « Concerto pour cor et orchestre », « Sonate pour quatre cors » et « Petite musique de chambre pour cinq instruments à vent ». Voici donc un excellent album qui permet de mettre en valeur une musique presque oubliée de l’entre-deux-guerres, une musique de très grande qualité interprétée de main de maître. (mars 2021)

Après avoir attiré l’attention sur ses deux premiers albums avec sa voix unique et un style bien à elle, Valerie June est de retour avec son troisième disque, The Moon and Stars: Prescriptions for Dreamers. Elle plonge à nouveau dans les racines de la musique folk américaine en la fusionnant avec un R&B contemporain, des rythmes africains, des orchestrations de cordes et une pop psychédélique aérienne quasi-expérimentale. C’est donc un heureux mélange qu’elle réussit à cimenter de belle façon autour de sa personnalité plus grande que nature, appuyée par la réalisation de Jack Splash (Kendrick Lamar, Alicia Keys, John Legend). Sur ce nouvel album, Valerie semble avoir trouvé officiellement sa voie, et ce qu’elle nous propose figurera assurément parmi les meilleurs enregistrements de l’année. (mars 2021)

Le groupe de Boston est de retour avec son septième album. Lake Street Dive accueillent pour l’occasion un cinquième membre à temps plein, Akie Bermiss, qui a collaboré au groupe en tant que claviériste lors de leur tournée de 2017, ainsi que sur l’album suivant, Free Yourself Up. Bermiss participe à l’écriture sur Obviously, en plus de chanter en duo avec Rachael Price sur l’excellente « Same Old News », qui nous ramène dans les années 1970. Réalisé par Mike Elizondo, Obviously poursuit dans le style du dernier album avec un très bon mélange de pop rock et de soul. Le groupe s’inspire du R&B sur « Hypotheticals » et du blues sur « Hush Money », alors qu’il propose une ballade à la Phil Collins avec « Anymore ». Tout au long de l’album, le groupe affronte les problèmes de sa génération avec une certaine conscience sociale et féministe. Mais il reste surtout un groupe de compositeurs hors-pair qui réussit à faire évoluer un style d’une autre époque, nous rappelant par moments Fleetwood Mac, pour en faire une musique contemporaine tellement agréable à écouter. Avec Obviously, Lake Street Dive présentent peut-être leur album le plus solide à ce jour. (mars 2021)

Nommé Révélation Radio-Canada Jazz 2020-2021, le bassiste et compositeur de Québec Carl Mayotte lance son deuxième album avec Pop de ville, Volume 1, après Fantosme, co-réalisé par Michel Cusson, qui a reçu une nomination à l’ADISQ pour l’album jazz de l’année. Pop de ville est en fait un mini-album de cinq titres totalisant 26 minutes. On y retrouve une musique jazz fusion totalement instrumentale avec des influences pop des années 1980. Le groove est hyperprésent tout au long du disque, avec en plus des compositions particulièrement originales. En ajout à son quintette habituel, Mayotte a fait appel à des collaborateurs de renom : le percussionniste Luc Boivin, le claviériste suédois Lalle Larsson et l’harmoniciste Lévy Bourbonnais. Avec Pop de ville, Volume 1, Carl Mayotte prouve à nouveau toute sa virtuosité et sa versatilité. On en aurait pris plus! (mars 2021)

Après avoir présenté l’extrait « One Love », Laurence Nerbonne nous offre son troisième album. Elle y propose une musique pop ensoleillée avec des éléments de hip hop, de R&B, d’électro et même de musique latine, sur « Kawasaki » notamment. Entièrement autoréalisé, écrit et composé, OMG révèle plusieurs facettes de la personnalité de l’artiste. Sa force de caractère et son attitude revendicatrice ressortent assurément, aussi bien que son côté festif et un peu plus léger. Avec OMG, Laurence Nerbonne est plus assumée que jamais et propose un album qui lui ressemble vraiment. Une solide performance! (mars 2021)

Vidéoclip : « Première ministre »

Sur cet album, le pianiste Jean-Philippe Sylvestre rend hommage à des œuvres pour piano de Maurice Ravel. Il interprète le tout sur un piano historique, un piano Érard de 1854. Sylvestre nous permet de redécouvrir les œuvres suivantes : « Miroirs », « Menuet sur le nom de Haydn », « Pavane pour une infante défunte », « À la manière de Borodine », « Prélude (1913) », ainsi que « Le tombeau de Couperin ». Dans le cas de « Menuet sur le nom de Haydn » et « Le tombeau de Couperin », Sylvestre a voulu faire ressortir le côté baroque de ces pièces grâce à une articulation et une conception sonore qui se rapprochent de celle du clavecin. Le piano Érard contribue également à l’ambiance historique de l’album, une excellente façon de réentendre l’œuvre de Ravel. (mars 2021)

Le groupe de Toronto nous revient avec un nouvel album fusionnant le folk rock, le country et le blues. Réalisé par Michael Timmins (Cowboy Junkies), Strange Flight reproduit l’ambiance en concert avec une chimie évidente entre le trio principal (Natalie Rogers, Jeff Rogers et Richard Henderson) et les musiciens invités (le bassiste Dan Mock et le batteur Kyle Sullivan). Le groupe rend hommage à la tradition, incluant même un titre de Tom Waits (« Way Down in the Hole ») et une pièce du répertoire traditionnel (« Wayfaring Stranger »). Dix-huit ans après ses débuts, The Wanted semble toujours aussi confortable dans l’industrie folk canadienne. (mars 2021)