Pour son premier album, le duo canadien formé de Cody Bowles (voix et batterie) et Kevin Comeau (guitare et claviers) s’est rendu à Nashville pour travailler avec Dave Cobb (Rival Sons, Chris Stapleton). Crown Lands nous proposent un court album de sept titres au son rock plutôt corrosif. Dès le départ, on peut entendre un rock garage qui rappelle les Black Keys ou les White Stripes. Mais leur rock agressif ressemble rapidement à Wolfmother avec des influences plus qu’évidentes de Led Zeppelin. La voix de Cody Bowles rappelle d’ailleurs celle de Robert Plant par sa puissance. L’album éponyme présente de très bons moments et une belle énergie. Il semble malheureusement incomplet.

Vidéoclip : « Leadfoot »

La chanteuse, arrangeure et réalisatrice Sophie Day présente aujourd’hui un vibrant hommage à Clémence DesRochers. Elle y propose 10 chansons marquantes de la longue carrière de l’humoriste et chanteuse, incluant « La vie d’factrie » (récemment intronisée au Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens), « On a eu un bien bel été », « Deux vieilles » et « Je ferai un jardin ». Sophie signe les arrangements pour orchestre de chambre contemporain et jazz, ainsi que la coréalisation avec Jon Day et Padraig Buttner-Schnirer (Elizabeth Shepherd). Elle s’entoure de plusieurs interprètes de talent pour des duos : Étienne Dupuis (« Ça sent l’printemps »), Catherine Major (« Deux vieilles »), Ranee Lee (« On a eu un bien bel été »), Bruno Pelletier (« La ville depuis ») et Kathleen Fortin (« L’homme de ma vie »). L’album présente une belle uniformité et une cohérence parfaite entre les chansons modernisées, pour une ambiance jazz feutrée très agréable.

Comment Debord est un septuor montréalais qui présente une musique au groove qui rappelle les années 1970. Ils ont aussi une passion pour la langue québécoise qu’ils font sonner de façon particulière. Les claviers, les guitares et la section rythmique offrent une belle richesse musicale, même dans les ballades plus intimistes. Rémi Gauvin signe les textes imagés alors que tout le groupe participe à la musique. Les influences sont assurément variées, mais on décèle certainement Harmonium et autres artistes psychédéliques ou funks des années 1970. Réalisé par Warren C. Spicer (Plants and Animals, Chocolat, Ludovic Alarie), l’album éponyme a été enregistré majoritairement sur ruban analogique, question de procurer ce feeling d’il y a 45 ans. Voici donc un disque unique par un groupe québécois probablement un peu nostalgique, tout en étant ancré dans son époque.

Au cours des deux dernières années, le batteur des Strumbellas, Jeremy Drury, a profité des quelques pauses de tournée du groupe pour se payer des sessions en studio pour enregistrer ses nouvelles compositions. Il en résulte cet album aux ambiances variées de 10 pièces (dont deux versions de « Last Breath »). Drury passe en effet d’un rock alternatif assez lourd au folk rock, en explorant même le country (« Tadoussac », « A Hundred Times », « Open Road »). L’ensemble demeure énergique et très agréable jusqu’à la fin. On en aurait pris plus…

Le groupe de Las Vegas nous arrive avec un sixième album, Imploding the Mirage, 16 ans après le classique Hot Fuss qui les a rendus célèbres. Après quelques passages plus difficiles et des albums un peu trop sombres, les Killers font un virage sur ce nouveau disque qui rappelle le côté rafraîchissant de leurs débuts. Ils reviennent à des synthétiseurs qui rappellent les années 1980 (« Running Towards a Place »), tout en solidifiant la cohérence de l’ensemble qui s’écoute comme un tout très agréable et sans grandes faiblesses. L’excellent succès « Caution » nous permet d’entendre Lindsey Buckingham (Fleetwood Mac) jouer un solo de guitare qui conclut la pièce, l’un des meilleurs extraits du groupe depuis longtemps. On peut aussi entendre K.D. Lang en duo avec Brandon Flowers dans « Lightning Fields », ainsi que Weyes Blood dans « My God ». Natalie Mering de Weyes Blood fait d’ailleurs des chœurs tout au long du disque. Avec Imploding the Mirage, The Killers reprennent confiance en leurs moyens et reviennent à l’avant-scène. Voici donc certainement leur meilleur album depuis Hot Fuss.

Vidéoclips : « Caution » - « My Own Soul’s Warning »

L’auteure-compositrice et interprète a d’abord prêté sa plume à des succès comme « Pure Fire » de Polina Grace et « There With You » de Margau, en plus d’écrire pour Jérôme Couture (qui fait ici un duo avec elle sur « Obsession »). Koraly présente maintenant son premier album, pour lequel elle s’est entourée de nombreux collaborateurs de renom. Le premier extrait paru il y a un an, « Aveugle », a été réalisé par Realmind (Loud), alors que « Te revoir » avec Dan D-Noy a atteint un vaste auditoire en 2020 en demeurant 27 semaines consécutives dans le Top 100 BDS. Elle a aussi travaillé avec les réalisateurs Jay Lefebvre (Simple Plan, Roch Voisine), Guy Tourville (France D’Amour) et Lucas Liberatore. Koraly propose une musique pop dansante aux arrangements modernes et aux mélodies inoubliables, une musique parfaite pour les radios. En plus des 10 chansons majoritairement en français, elle nous offre des versions anglaises de « Lost » et de « Aussi haut, aussi loin » (qui devient « Just as Far, Just as High »). Voici un album très efficace de pop québécoise aux allures internationales.

Vidéoclips : « Aveugle » - « Aussi haut, aussi loin » - « Te revoir »

Le groupe religieux de la Caroline du Sud prend un virage sur Out of Body, s’éloignant de la musique pop que l’on retrouvait sur Hard Love il y a quatre ans. Needtobreathe reviennent plutôt aux sources sur ce septième enregistrement avec un disque positif, un baume pour l’âme. Musicalement, ils se situent quelque part entre Mumford & Sons, Kings of Leon et The Revivalists. Suite au départ du membre fondateur Bo Rinehart, le trio restant a dû s’adapter pour produire un album de qualité à effectif réduit. Le résultat s’avère plutôt réussi avec plusieurs hymnes à entonner en chœur lors de leurs futurs concerts. Il s’agit en fait de leur album le plus cohérent à ce jour avec 11 très bonnes chansons qui s’enchaînent à merveille. En plus, le groupe n’abuse pas de son étiquette chrétienne, même s’il conserve un certain niveau de spiritualité. Voici donc une bien belle réussite pour Needtobreathe, peut-être leur meilleur album à ce jour. Bravo!

Vidéoclips : « Hang On » - « Who Am I » - « Mercy’s Shore »

Considéré comme l’une des plus grandes voix de sa génération, Gregory Porter présente son sixième album avec All Rise, trois ans après son hommage à Nat King Cole. Il propose à nouveau son mélange unique de jazz, soul, R&B, blues, gospel et pop avec plusieurs chansons incontournables qui ont le potentiel de devenir des classiques dans plus d’un de ces styles. On peut découvrir notamment la vivifiante « Revival », la chanson de contestation « Mister Holland » et l’ode à l’aviation « Concorde ». Ce sont 15 pièces qu’on peut entendre en tout, en plus d’une reprise de « Revival ». Réalisé par Troy Miller (Calvin Harris, Rag’n’Bone Man, Amy Winehouse), All Rise réussit à transporter Porter à un autre niveau, entouré d’un chœur de 10 voix et des cordes du London Symphony Orchestra. Il peut à la fois présenter une facette émotive et intimiste tout en demeurant universel et en regroupant tout le monde autour de son œuvre, peu importe leurs goûts musicaux. Voici donc l’album d’un artiste au sommet de son art…

Vidéoclip : « Revival »

Sur ce nouvel album, les influences multiples de Shred Kelly explosent avec beaucoup de bonheur. D’abord il y a Arcade Fire, mais on peut aussi entendre du folk rock et du rock plus agressif à la Smashing Pumpkins. Réalisé par Nygel Asselin et mixé par Ben Kaplan, Like a Rising Sun présente un rythme plutôt rapide, tout en conservant une bonne dose d’émotion. Le groupe canadien semble avoir atteint un bel équilibre dans sa carrière avec ce nouvel enregistrement plus qu’intéressant.

Amon Tobin nous présente son tout nouveau projet, Figueroa. Ce premier album, coréalisé avec la légendaire Sylvia Massy (Tool, Prince, Johnny Cash, Red Hot Chili Peppers), propose un mélange tout à fait original de folk alternatif et de musique électronique. Il s’agit essentiellement d’un album guitare-voix, mais nouveau genre. L’enregistrement de The World as We Know It s’est étendu sur plusieurs années, le tout ayant débuté il y a presque une décennie dans une forêt isolée du nord de la Californie, dans un contexte purement exploratoire. Le tout a plus tard été retravaillé dans les studios de Capitol Records à Hollywood pour en arriver à ce disque de huit chansons hors du commun. Avec à peine plus de 30 minutes, l’album s’avère plutôt court, mais il réussit tout de même à nous charmer dès l’ouverture avec « Weather Girl ». Pour ceux qui cherchent un son nouveau à se mettre sous la dent, plus besoin de chercher… (découverte du mois d'août 2020)

Pour son quatrième album, la chanteuse anglaise propose un album en deux parties. D’abord il y a Brightest Blue qui contient 13 titres d’une musique pop plus introspective avec des éléments de R&B. Ensuite, on peut découvrir EG.0 avec cinq titres pop grandement énergiques en compagnie de collaborateurs comme Blackbear, Diplo, Lauv, Swae Lee et le regretté Juice Wrld. Si la partie principale contient un peu plus de substance, les dernières pièces créeront plutôt l’atmosphère pop dansante qui l’a rendue populaire au cours des dernières années, des pièces sur mesure pour les radios. Pour créer ce produit fini, Ellie s’est entourée d’auteurs-compositeurs et réalisateurs de renom, notamment Tobias Jesso Jr., Starsmith, Ilya, Serpentwithfeet, Patrick Wimberly (de Chairlift) et Jim Eliot. L’ensemble s’avère solide malgré ses deux facettes diamétralement opposées. (août 2020)

Vidéoclips : « Close To Me » - « Worry About Me » - « Power » - « Slow Grenade »

James Bay est en fait une réédition du premier album éponyme de Midnight Shine paru en 2013, une version repiquée numériquement qui inclut deux titres en boni : une nouvelle version radio de leur premier succès, « Since You Been Gone », et « Misguided Woman ». Jamais parue auparavant, « Misguided Woman » est l’une des premières chansons écrites par le chanteur et guitariste Adrian Sutherland. Originaire du nord de l’Ontario dans la Baie-James, Adrian Sutherland & Midnight Shine proposent un mélange de rock classique et contemporain avec des traces de folk et des influences Cries. James Bay est un excellent disque à redécouvrir. (août 2020)

Matt Weidinger impressionne malgré son jeune âge grâce à une voix puissante et une grande maturité musicale. Sur son plus récent album, il nous présente à nouveau un très beau mélange de rock, de soul et de blues, rendant hommage au passé tout en étant fier de son époque. Breakage a été enregistré en seulement trois jours au studio Union Sound de Toronto. En plus de huit chansons originales, Weidinger nous offre une version plutôt inventive du classique de Led Zeppelin « Going to California ». Bien installé à l’orgue Hammond sur plusieurs pièces, Weidinger joue aussi du piano électrique et de la guitare, accompagné par sa fidèle section rythmique composée de Mark McIntyre (basse) et Ben Rollo (batterie). C’est un disque énergique et grandement agréable qui nous est présenté ici, un disque qui met parfaitement en valeur l’immense talent de Matt Weidinger. (août 2020)

Vidéoclip : « Breakage »

Jesse Maxwell est un artiste de Toronto aux talents multiples qui nous arrive avec son tout premier album. Radio Silence regroupe neuf pièces originales composées à diverses époques de sa vie, ce qui résulte en quelque sorte en une compilation de ses premières œuvres. On y trouve un habile mélange de pop, de R&B et de néo-soul, avec même des influences de jazz et de blues. Parmi les moments sombres de l’album, notons « Room in Hell » qui relate son passage en désintoxication. Cependant, l’ensemble du disque demeure assez doux et crée même une ambiance feutrée très agréable. Radio Silence peut s’avérer quelque peu inégal et certainement trop court (32 minutes), mais il laisse présager un avenir prometteur pour Jesse Maxwell. (découverte du mois de juillet 2020)

Après l’excellent Palermo Hollywood en 2016, couronné d’une Victoire de la musique, et Volver en 2017, le neuvième album de Benjamin Biolay était grandement attendu. Et Biolay ne déçoit pas avec Grand Prix, un disque qui peut même faire écho à son homonyme par Teenage Fanclub, un des meilleurs albums du groupe écossais lancé en 1995. Il s’agit pour lui d’un virage naturel alors qu’il revient à sa mélomanie en prolongeant la métaphore automobile tout au long des 13 pièces. Les mélodies pop inoubliables sont sur mesure pour les radios, tout en bénéficiant d’une musique recherchée et d’arrangements audacieux. New Order et The Smiths peuvent nous venir en tête en plusieurs occasions, sans oublier The Strokes. Avec Grand Prix, Benjamin Biolay s’élève encore un peu plus au firmament des artistes pop français. Voici donc possiblement son album le plus accompli à ce jour, l’un des meilleurs disques français depuis longtemps… (juillet 2020)

Avec Rough and Rowdy Ways, le légendaire Bob Dylan présente peut-être son meilleur album depuis le sombre Time Out of Mind en 1997. Il s’agit de son premier disque de chansons originales depuis Tempest en 2012 et il explore sur cet album double les différents styles musicaux qui le caractérisent depuis les années 1960 : blues, country, folk, rockabilly, gospel, etc. La sortie de l’album a été devancée par trois extraits pour bien mettre la table : la méditative « I Contain Multitudes », la bluesy « False Prophet » et le titre touffu de près de 17 minutes « Murder Most Foul », la 10e et unique pièce sur le deuxième disque. Dylan propose plusieurs longues pièces de six, sept ou même neuf minutes pour l’excellente « Key West (Philosopher Pirate) », mais il réussit à nous captiver par ses textes et sa musique ce qui rend toujours l’écoute agréable. L’ensemble de 70 minutes s’écoule donc plus rapidement qu’on l’aurait imaginé. Sur Rough and Rowdy Ways, Bob Dylan prouve qu’à la veille de ses 80 ans il peut encore avoir des éclairs de génie créatif, avec un album de très grande qualité qui occupera une place importante dans sa discographie des 40 dernières années. (juillet 2020)

Pour leur troisième album, les sœurs de San Francisco proposent une musique un peu plus profonde, malgré l’apparence légère et ensoleillée de leur musique pop. C’est que plusieurs épreuves récentes dans leurs vies les ont inspirées pour Women in Music Pt. III. Musicalement, le trio présente à nouveau une musique pop aux influences des années 1970 et 1980, avec aussi un parallèle à faire avec Roxette et les années 1990 sur « Another Try ». L’album de 51 minutes contient 13 pièces et trois en boni. Bizarrement, c’est l’un de ces titres en boni, « Now I’m In It », qui est l’un des plus lumineux et intéressants du disque, sans oublier la légèreté de la conclusion avec « Summer Girl ». L’ensemble de Women in Music Pt. III a tout pour plaire aux fans du trio. (juillet 2020)

Vidéoclips : « Summer Girl » - « The Steps » - « I Know Alone » - « Don’t Wanna »

Inspirée par le village sur l’île Verte où elle est souvent passée, Klô Pelgag nous présente Notre-Dame-des-Sept-Douleurs, un nouvel album de 12 pièces. Encore une fois, le disque à l’imaginaire déjanté et angoissé est riche en créativité et en sonorités diverses. Klô nous propose une pop baroque pas nécessairement facile d’accès, mais qui nous habite après quelques écoutes attentives. Pour la première fois, l’artiste signe les arrangements de plusieurs chansons (« Rémora », « La maison jaune », « Où vas-tu quand tu dors »). Owen Pallett vient aussi prendre en charge les arrangements de trois pièces : « À l’ombre des cyprès », « J’aurai les cheveux longs » et « Soleil ». Le disque gagne en énergie dans la deuxième moitié avec les excellentes « Mélamine » et « Où vas-tu quand tu dors? ». Voici donc un autre album très complet et sans faiblesses de la part de cette talentueuse artiste. (juillet 2020)

Vidéoclips : « Rémora » - « La maison jaune »

Rufus Wainwright présente son neuvième album en carrière avec Unfollow the Rules, son premier disque pop depuis 2012. Il s’agit en quelque sorte de la conclusion de son album éponyme paru en 1998, le premier qu’il a produit à Los Angeles. Celui qui est passé maître dans la musique pop de chambre semble cependant se perdre quelque peu sur ce nouvel enregistrement. Les références au passé sont nombreuses, à tel point qu’on a une impression de réchauffé en certaines occasions. Sa musique demeure majestueuse et sa voix, enivrante, mais on sent une perte de créativité qui peut s’avérer parfois agaçante. L’album est construit en trois actes de quatre chansons. Il comporte plusieurs points d’intérêt et plaira à de nombreux fans de Wainwright, mais il reste qu’il répond difficilement aux attentes plutôt élevées. (juillet 2020)

La chanteuse anglaise Jessie Ware nous arrive avec son quatrième album en carrière, What’s Your Pleasure. Elle se spécialise désormais dans une musique à la fois dansante et intimiste, avec des influences disco évidentes (« Mirage (Don’t Stop) », « Save a Kiss », la chanson-titre). Toutefois, c’est « Safe From Harm » de Massive Attack qui nous vient en tête pendant « In Your Eyes ». Sur ce nouveau disque, Jessie se situe quelque part entre la nostalgie de Bananarama et la modernité de Goldfrapp, avec des arrangements d’une grande richesse. Avec What’s Your Pleasure, elle semble avoir enfin réussi à assembler toutes ses forces en 12 morceaux cohérents d’un tout totalisant 53 minutes. Voici donc un excellent enregistrement contenant une musique pop de très grande qualité. (juillet 2020)

Vidéoclips : « Spotlight » - « Save a Kiss » - « Soul Control » - « Step Into My Life »

Ken Yates est un auteur-compositeur et interprète de London en Ontario. Il nous offre son troisième album avec Quiet Talkers. Réalisé par Jim Bryson, le disque propose un son folk rock avec des influences de country. C’est un album plutôt sombre et introspectif, avec tout de même quelques moments un peu plus lumineux (« Two Wrongs », « Evangeline »). Yates affirme qu’il s’agit de son enregistrement le plus personnel à ce jour alors qu’il ose parler de lui-même pour la première fois. Quiet Talkers est un disque agréable qu’apprécieront les amateurs de musique folk. (juillet 2020)

Le légendaire folk rockeur canadien ne ralentit pas le rythme à la veille de ses 75 ans et nous revient encore avec une nouvelle parution. Il faut cependant mentionner que Homegrown a été enregistré en 1975 et aurait pu paraître à la place de l’excellent Tonight’s the Night. Après avoir fait écouter les deux enregistrements à un cercle fermé d’amis, Neil Young avait décidé de lancer le deuxième qu’il considérait plus abouti. Homegrown pendant ce temps allait être tabletté pendant plus de 45 ans. Quelques pièces sont parues à gauche et à droite, dont une version plus brute de « White Line » par Crazy Horse sur Ragged Glory. Mais l’ensemble est demeuré hors-circuit, même pour les fans les plus extrêmes, et il voit enfin le jour. En écoutant attentivement le disque, on réalise pourquoi Young a préféré le rejeter. C’est qu’il aborde d’un peu trop près des sujets sensibles à l’époque, dont la fin de sa romance avec Carrie Snodgress. Le temps ayant fait son œuvre, Young a redécouvert récemment les qualités de cet album sans fioritures qui contient une certaine légèreté qu’on ne lui connaissait pas à ce moment-là. L’album prend doublement son sens lorsqu’on l’oppose au plus cohésif Tonight’s the Night. Homegrown n’est peut-être pas essentiel dans la vaste discographie de Neil Young, mais il a tout de même son importance pour aider à positionner le personnage du milieu des années 1970. Un très bon disque sans faiblesses apparentes! (juillet 2020)

Originaire d’Edmonton, Mallory Chipman s’est fait un nom en solo sur la scène jazz avec deux albums mettant en vedette sa voix dynamique. En 2018, elle s’est entourée de cinq musiciens pour former The Mystics dans le but d’explorer plus en profondeur ses racines rock. Elle propose donc sur Aquarian un rock expérimental énergique, avec bien sûr quelques influences jazz à différents moments du disque. Elle explore ses influences de Frank Zappa, Joni Mitchell et Esperanza Spalding avec huit pièces hors du commun, dont une pièce parlée et un instrumental improvisé utilisant un synthétiseur modulaire et des effets électroniques. L’essentiel de l’album a été composé par Mallory, seule dans un studio d’une ville isolée au nord d’Edmonton. Si Mallory Chipman nous montre une nouvelle facette de sa personnalité créative sur Aquarian, il faut avouer que le résultat s’avère particulièrement réussi. On aimerait seulement en entendre plus. À suivre! (découverte du mois de juin 2020)

Pour l’album Begin Again en 2019, Norah Jones avait cumulé des pièces sorties tout au long de 2018 qu’elle a assemblées pour le disque. Cependant, un certain nombre de chansons ont été laissées de côté. Après les avoir réécoutées, Norah se disait qu’elles feraient un bon album en soi. Voici donc Pick Me Up Off the Floor, un album solide qui vient prouver que son instinct était bon. En fait, on découvre une plus grande uniformité et une meilleure ligne directrice sur ce nouvel enregistrement que sur Begin Again. On y retrouve un hybride jazz/folk/pop parfait pour une fin de soirée relaxante. C’est un album chaud qui vous réconfortera assurément et vous redonnera le désir d’en écouter plus de la part de Norah Jones. Un disque surprenant et combien efficace! (juin 2020)

Le duo de Vancouver formé de Logan Thackray et Nathan Turner présente son deuxième album avec The Happening. Ils proposent une musique folk alternative dans une ambiance ensoleillée et très décontractée. Des rythmes soul viennent joliment s’ajouter à l’ensemble qui s’avèrera parfait pour accompagner votre été tout en douceur. Les textes traitent tout de même de sujets sérieux comme l’apathie politique, la société de consommation, l’urgence climatique, le colonialisme, les droits des premières nations, etc. On peut d’ailleurs entendre Rex Smallboy, de la nation crie Neyaskweyahk (Ermineskin), qui vient rapper sur la pièce « Where Do We Go », qu’il a aussi co-écrite. C’est un album très agréable que nous propose le duo Logan and Nathan. (juin 2020)

Sur son nouvel album, le Canadien Joe Nolan propose un folk rock essentiellement acoustique. Ce sont ses influences folks des années 1970 qui l’ont poussé à produire cet album extrêmement dépouillé et il faut dire que le résultat est impressionnant. On a carrément l’impression qu’il chante et joue à nos côtés. Le guitariste Kevin Breit (Norah Jones) ajoute aussi une touche unique au disque. Si vous appréciez la musique guitare-voix, voici un très bel album qui s’écoute à merveille dans une ambiance intimiste. (juin 2020)

Le Canadien Owen Pallett nous arrive avec un nouvel album très attendu, six ans s’étant écoulés depuis l’excellent In Conflict, l’un des meilleurs disques de 2014. Island est entièrement acoustique et majoritairement orchestral, alors que Pallett se retrouve accompagné pour l’occasion par l’Orchestre contemporain de Londres. L’auteur-compositeur et interprète possède une formation classique et pour la première fois, il ne s’est pas préoccupé de la façon de jouer sur scène ces chansons souvent complexes. C’est un album introspectif tout en douceur qui réfléchit sur la vie tout en nous donnant suffisamment d’espace pour bien respirer. Voici donc un très bel enregistrement d’une durée d’une heure par Owen Pallett. Très agréable jusqu’à la fin! (juin 2020)

Vidéoclip : « A Bloody Morning »

Sur ce mini-album de six titres, la Torontoise Vivienne Wilder propose un son rock énergique aux inspirations de Siouxsie and the Banshees, Bloc Party et The Cure. À travers les textes, Vivienne fait la guerre au cynisme ambiant, avec une énergie punk extrêmement forte. Du moins, c’est le cas dès l’ouverture avec « Jimmy » et « Never Lovers », alors qu’elle s’adoucit ensuite avec la ballade « Gem ». La pièce-titre résume bien le propos de l’ensemble, avant de continuer en force à nouveau avec « Ricky » et de terminer en douceur avec « Forever for Tonight ». Avec moins de 22 minutes, l’enregistrement vous semblera assurément trop court. Vivienne Wilder réussit à nous offrir un disque solide qui nous rendra tous impatients d’entendre la suite. (juin 2020)

La Torontoise d’origine colombienne présente enfin son très attendu premier album, Before Love Came to Kill Us, après deux mini-albums. Il faut dire que son premier extrait, « Figures », remonte à 2016 et a été certifié platine. Jessie Reyez propose une musique R&B d’une grande créativité et interprétée de façon unique, avec une voix parfois douce, parfois puissante et même un peu rauque à l’occasion. Les textes demeurent toujours bien en évidence, très directs, même si les arrangements musicaux bénéficient d’une grande richesse. L’auteure-compositrice et interprète semble vouloir passer ses messages à tout prix, avec souvent une certaine rage. Mais musicalement, elle réussit à se différencier de la masse et à conserver notre intérêt d’une chanson à l’autre. On y trouve deux collaborations notables : Eminem dans « Coffin » et 6Lack dans « Imported ». Sinon, elle assume seule tout ce qu’elle nous offre ici. Les 14 pièces de l’album ne présentent que bien peu de faiblesses et si vous appréciez, la version de luxe vous donnera trois titres additionnels. Voici un premier album à la fois inspiré et inspirant pour Jessie Reyez. (découverte du mois de mai 2020)

Vidéoclips : « Figures » - « Imported » - « Love in the Dark » - « I Do » - « Coffin » - « Same Side »

Le groupe alternatif montréalais nous revient avec un nouvel album, son huitième en carrière. Dix-sept ans après No Cities Left qui les a propulsés, Murray Lightburn, Natalia Yanchak et compagnie semblent vouloir boucler la boucle. Il faut dire qu’à l’époque l’album était né des cendres du 11 septembre 2001 et que celui-ci nous arrive à l’aube d’une autre période de grande incertitude et de questionnements. C’est ce climat qui teinte de très belle façon l’ensemble des 10 pièces de Dangers Rock. Encore une fois, The Dears réussissent à créer une musique superbe à partir d’émotions particulièrement sombres. Sans pouvoir le comparer aux plus grands albums du groupe, voici à nouveau un disque de musique indie de premier plan. (mai 2020)

Dirty Cheetah est un quatuor québécois qui nous présente son tout premier album. Ils proposent un punk rock brut inspiré des Ramones, avec des traces parfois plus hardcore et parfois plus pop. Les textes souvent politisés s’inscrivent parfaitement dans les principes de base du genre. C’est à un rythme effréné que Dirty Cheetah passe à travers 10 chansons coup de poing pour un total de 28 minutes seulement. Mais il est grandement rafraîchissant d’entendre un vrai groupe punk sans fioritures, et qui vient du Québec en plus. Très plaisant à écouter! (mai 2020)

Vidéoclip : « Addicted »

Harrow Fair est un duo country rock canadien formé de la chanteuse/multi-instrumentiste Miranda Mulholland et du chanteur/multi-instrumentiste Andrew Penner. Sins We Made est leur deuxième album et présente un mélange de country traditionnel avec des pièces à tendance rock ou pop. Ils proposent tant des pièces entraînantes comme « Rules of Engagement » que des titres plus introspectifs comme « Seat at the Table » ou « Loved You Enough ». La richesse musicale est toujours de mise, ce qui est notable pour un duo. Voici donc un album très intéressant dans le genre. (mai 2020)

Après une carrière de 15 ans, Lynn Jackson nous revient avec son 11e album de folk rock. L’artiste ontarienne prend ici le contrôle de la production pour offrir un album qui lui ressemble un peu plus. Elle ajoute aussi de la richesse aux arrangements avec des cordes, des cuivres et des choristes. Lynn n’a pas peur de plonger plus en détails dans le rock avec des titres comme « Running It Down » et « Sometimes It’s Ok ». Elle explore aussi le blues sur « Outcast ». Parmi les 14 chansons, elle présente plusieurs pièces au-delà des cinq minutes, pour un total de plus d'une heure de musique. (mai 2020)

Voici un album-surprise de la part du tandem formé du vétéran rappeur Koriass et de la nouvelle sensation du rap québécois FouKi. Il faut dire que les deux avaient collaboré en plusieurs occasions au cours des dernières années et que leur chimie s’est toujours avérée évidente. Ils s’allient aujourd’hui à l’équipe de génies du son de Ruffsound, QuietMike et leurs invités pour ce nouveau projet de 14 titres. Un des premiers albums à avoir été produit pendant la crise sanitaire de la Covid-19, il en est question notamment dans la chanson-titre, « Génies en herbe ». Mais bien d’autres sujets y sont abordés comme les médias sociaux, la société de consommation, etc. Le duo nous propose un très bel album de 48 minutes qui se défile à la vitesse de l’éclair. (mai 2020)

Voici déjà le 12e album pour l’auteur-compositeur et interprète de Fredericton au Nouveau-Brunswick. Reconnu pour son habileté à fusionner les genres, David Myles propose cette fois un assemblage de 10 chansons d’amour dans un enrobage de pop légère et acoustique qui flirte avec le jazz. Les harmonies vocales demeurent de première qualité et bénéficient d’arrangements léchés. La réalisation de James Bunton amène une certaine classe autour d’une musique empreinte de douceur. Leave Tonight est probablement l’album le plus personnel de Myles à ce jour, un album qui en plus s’avère très agréable à l’oreille. (mai 2020)

Perfume Genius est le projet musical de l’Américain Mike Hadreas. Il propose un habile mélange de musique indie pop et de ballades au piano avec des influences de David Bowie. Set My Heart on Fire, Immediately est son cinquième album et probablement son plus accompli à ce jour. Un peu moins personnel que les précédents, ce nouveau disque explore le corps humain, influencé par l’art de la danse contemporaine. Il s’agit d’une œuvre grandiose et théâtrale, même dans ses moments plus intimistes. Ce touche-à-tout réussit véritablement à en offrir pour tous les goûts sur cet album. Même si l’ensemble demeure alternatif, des mélodies plus accrocheuses pourront séduire un plus vaste auditoire, et les changements de rythmes sont nombreux. Voici un album surprenant qui présente des moments de grâce. (mai 2020)

L’artiste néo-soul californien avait impressionné en 2017 avec Aromanticism, son tout premier album. Moses Sumney revient à la charge aujourd’hui avec un album double de 20 titres (pour un total de 65 minutes). Il repousse à nouveau les frontières avec une musique pop soul indescriptible, comprenant des moments d'une intensité presque rock et des envolées orchestrales très cinématographiques. Sumney ne nous laisse aucun moment de répit, nous tenant en haleine tout au long des 20 pièces. C’est un album intense certes, mais aussi tellement enrichissant par la liberté créative qu’on y retrouve et qui nous nourrit. Grae n’est assurément pas un album facilement accessible, mais l’effort sera grandement récompensé. Voici certainement l’un des disques les plus originaux de l’année. (mai 2020)

En ce printemps mouvementé, Mara Tremblay nous apporte un vent de fraîcheur avec son huitième album solo. Elle propose 10 chansons douces et réconfortantes grâce à sa voix aérienne et des sonorités planantes. Dans la bouleversante « Paris », elle raconte un amour impossible, alors que « On verra demain » est une valse poignante créée à Nashville qui traite du lâcher-prise. Nashville a aussi inspiré « Je reste ici » et « Si belle » (pour son aîné, Victor). Quant à « Comme un cadeau », elle est plutôt dédiée à son benjamin, Édouard. Finalement, la chanson-titre a été développée dans le cadre d’une classe de maître animée par les monuments Gilles Vigneault et Mouffe à Saint-Placide. Pour la première fois, Mara enregistre les chansons de quelqu’un d’autre (à part certaines reprises) alors que « Le jour va où tu le mènes » et la ballade « Il me faut l’amour » ont été écrites par Stéphane Lafleur (Avec pas d’casque). Pour la réalisation du disque, elle renoue avec un complice de longue date, Olivier Langevin, qui joue en plus les guitares, la basse, des synthétiseurs et du piano. « Dessiner ton visage » et « Le plus beau des désastres » sont le fruit d’une première collaboration entre les deux amis. Les atmosphères que l’on retrouve tout au long d’Uniquement pour toi vous feront assurément voyager dans un univers parallèle. Voici donc une autre grande réussite pour cette artiste immensément talentueuse. (mai 2020)

Dogleg est un groupe de Detroit qui nous présente son tout premier album. Il propose un rock post-hardcore énergique et direct avec un mur de guitares et aucune fioriture. Malgré son style plutôt agressif, Melee contient des mélodies efficaces qui le rendent particulièrement accrocheur. Et avec seulement 35 minutes, on évite les détours inutiles pour nous rendre droit au but. En ce sens, le groupe peut nous rappeler ...And You Will Know Us By the Trail of Dead et At the Drive-In, avec un petit côté garage à la Strokes. C’est un premier enregistrement réussi pour ce groupe qu’il faudra surveiller de près. (découverte du mois d'avril 2020)

100 Mile House est un duo folk d’Edmonton en Alberta formé de Peter Stone et Denise MacKay. Sur Love and Leave You, ils proposent des chansons d’amour ancrées dans la mélancolie. Le couple enveloppe sa douce musique acoustique d’une magnifique section de cordes qui ajoute une certaine richesse musicale à l’ensemble. Mais le tout demeure axé sur les textes, plus que jamais auparavant en fait. Après la reconnaissance de Hiraeth en 2016, c’est un album plus dépouillé mais toujours très solide que proposent 100 Mile House. (avril 2020)

Pour son deuxième album, le Montréalais d’origine parisienne a décidé d’y aller dans la sensualité avec un disque plutôt épuré aux guitares dépouillées. Trois ans après Eleven Songs, Aliocha se présente donc dans sa plus simple expression, même sur la couverture. Il met de l’avant sa poésie sensuelle sans fioritures sur une musique mélangeant habilement folk, soul et pop aérienne. Enregistré à Paris, Naked a été à nouveau réalisé par le Français Samy Osta (Feu! Chatterton). Voici un autre album solide de la part d’Aliocha, un disque agréable à écouter du début à la fin. (avril 2020)

Il aura fallu huit ans d’attente depuis l’excellent The Idler Wheel…, mais voici enfin un nouvel album pour Fiona Apple. Il s’agit seulement de son cinquième enregistrement en près de 25 ans de carrière. Avec Fetch the Bolt Cutters, elle expérimente plus que jamais, avec un piano qui devient un peu fou en certaines occasions et diverses percussions minimalistes. Vocalement, elle présente aussi d’agréables moments de folie, tout en livrant des textes souvent bien personnels. Si son disque précédent pouvait être considéré par plusieurs comme son plus solide en carrière, Fiona nous arrive avec un autre album de premier plan. 13 chansons à écouter avec attention et qui demeurent toutes intéressantes. Très solide! (avril 2020)

Louis-Jean Cormier nous arrive avec son troisième album solo, le premier en cinq ans. Avec Quand la nuit tombe, l’ex-leader de Karkwa semble avoir atteint son sommet artistique puisqu’il propose un disque grandement inspiré. Chacune des 10 chansons nous captive et nous entraîne dans son univers particulier. Cormier passe d’un rock sans guitares, à la pop atmosphérique et à l’électro avec une habileté désarmante. Il avoue avoir eu sa conjointe, Rebecca Makonnen, comme muse tout au long de l’écriture du disque et il propose plusieurs textes poignants. Notons aussi la présence du slameur David Goudreault sur la pièce « Les poings ouverts ». Dès l’ouverture avec « 100 mètres haies », la table est mise et on sait qu’il nous en faudra beaucoup pour décrocher. Ça n’arrivera pas pendant les 43 minutes de l’album, avec des pièces incontournables comme « Tout tombe à sa place », la magnifique « Croire en rien » et « Face au vent ». Louis-Jean Cormier réussit le tour de force de présenter son meilleur album à ce jour, tout un défi après l’excellent Les grandes artères sorti en 2015. (avril 2020)

Vidéoclip : « 100 mètres haies »

Le légendaire groupe de Seattle fête ses 30 ans cette année et nous présente pour l’occasion un tout nouvel album, Gigaton. Ce 10e enregistrement studio est leur premier depuis Lightning Bolt en 2013. Pearl Jam semble revigoré d’une énergie nouvelle dès les pièces d’ouverture, « Who Ever Said » et « Superblood Wolfmoon ». Peut-être que c’est parce qu’ils sentent plus que jamais l’urgence de la crise des changements climatiques, le titre de l’album référant à la quantité de glace fondue aux deux pôles. C’est d’ailleurs le thème récurrent tout au long du disque avec plusieurs images apocalyptiques en lien avec le climat, mais aussi avec d’autres sujets préoccupants. Notamment Donald Trump qui est la cible d’Eddie Vedder dans « Quick Escape » et « Never Destination ». Musicalement, l’énergie contagieuse de la première moitié, qui nous ramène aux meilleures années du groupe, fait place à des moments plus méditatifs et introspectifs par la suite. L’ensemble présente tout de même une belle cohérence et surtout, beaucoup de plaisir d’écoute. C’est donc un album surprenant d’efficacité que nous proposent ces vieux routiers du grunge. Une bien belle surprise! (avril 2020)

Vidéoclip : « Dance of the Clairvoyants »

La chanteuse afro-colombienne établie au Canada présente son troisième album, Miss Colombia, après avoir fait écarquiller les yeux en 2017 avec La Papessa. Lido Pimienta va encore un peu plus loin dans son mélange de musiques électro, pop et cumbia, avec des arrangements inspirés de l’héritage indigène et afro-colombien. Enregistré entre son studio-maison à Toronto et un village reculé de la Colombie, avec l’aide du coréalisateur Prince Nifty, Miss Colombia permet à l’artiste de s’épanouir encore un peu plus. À noter que le titre de l’album provient de l’erreur de Steve Harvey en 2015 qui avait proclamé la gagnante de Miss Universe comme étant Miss Colombia plutôt que Miss Philippines. Sur ce nouveau disque, Lido Pimienta réussit un véritable tour de force en fusionnant parfaitement les musiques actuelles et traditionnelles, tout en mettant en valeur la culture afro-colombienne. Voici donc un album surprenant, qu’il faut écouter attentivement pour en découvrir toutes les subtilités. (avril 2020)

Emily Rockarts est une auteure-compositrice et interprète montréalaise qui nous arrive avec son tout premier album, Little Flower. À voir la maturité qui se dégage de l’ensemble du disque, on a pourtant l’impression qu’elle possède une bien plus longue feuille de route. À l’ouverture avec « Get it All Back », on découvre une pièce pop atmosphérique introspective. Mais n’allez pas croire que ce morceau représente l’ensemble des neuf pièces, puisque dès la suivante, « Stay », c’est plutôt un rock énergique qui nous est proposé. Emily passera entre ces diverses ambiances tout au long du disque nous laissant toujours un peu hors d’équilibre. Par contre, si vous n’aimez qu’une seule de ses personnalités, vous trouverez bien peu de titres pour vous combler. C’est quand même un premier disque réussi pour Emily Rockarts, un disque d’une grande sensibilité. (avril 2020)

Après sept ans d’absence, le groupe new yorkais est finalement de retour avec son sixième album. Le virage pop rock est particulièrement évident pour The Strokes sur The New Abnormal, avec des rythmes empruntés aux années 1980. À tel point qu’on a l’impression d’entendre « Dancing With Myself » de Billy Idol dans « Bad Decisions », ainsi que « The Ghost in You » de Psychedelic Furs dans « Eternal Summer ». On peut entendre plusieurs moments rafraîchissants sur ce nouveau disque de 45 minutes, mais le groupe semble manquer de souffle et surtout d’inspiration au bout de ces neuf titres. The New Abnormal ne passera pas à l’histoire, mais on a entendu pire de la part des Strokes. (avril 2020)

Vidéoclips : « At the Door » - « Bad Decisions »

Katie Crutchfield (alias Waxahatchee) est de retour avec son cinquième album, Saint Cloud. Elle propose un disque plus chaud et accessible, laissant de côté la distorsion pour un son country rock plus mélodique. L’atmosphère est plutôt décontractée et on apprécie rapidement la voix douce de la chanteuse qui nous enveloppe agréablement. C’est peut-être sa sobriété nouvellement acquise qui la rend si détendue. On peut percevoir des influences certaines de Bob Dylan à plusieurs moments de l’album, plus particulièrement dans « Hell » et « War ». Mais l’ensemble demeure agréable du début à la fin avec 11 titres solides qui nous rendent automatiquement bien. Un très bel album! (avril 2020)

Katie Pruitt nous arrive tout droit d’Atlanta, Georgie avec un style unique de musique Americana mélangeant habilement country, folk et pop, incluant même des passages rock, comme dans la chanson-titre qui peut rappeler Fleetwood Mac. Elle propose plusieurs chansons mettant en évidence la douceur de sa voix, mais elle présente aussi des envolées en puissance souvent impressionnantes. Elle possède donc un registre très large et peut plaire à un auditoire beaucoup plus vaste que seulement les amateurs de country. Malgré 10 pièces totalisant 46 minutes de musique, on en redemande et on a déjà hâte à la suite. Voici donc une artiste très talentueuse qui fera assurément parler d’elle dans le futur. (découverte du mois de mars 2020)

Le jeune portoricain Bad Bunny présente déjà son troisième album. Il laisse quelque peu de côté le style trap du disque précédent pour se concentrer sur le reggaeton et l’amener à un autre niveau. Il réussit à intégrer les origines du genre et en créer une nouvelle version plus futuriste. Pas évident pour un style surexploité depuis 20 ans… Ses prouesses vocales et sa livraison ajoutent aux rythmes chauds propices aux déhanchements, ce qui permet de rehausser un genre souvent associé à une musique pop facile, sans profondeur. Bad Bunny prouve ici qu’avec un peu de créativité c’est possible d’aller un peu plus loin. Voici donc un album surprenant, à la fois intelligent et divertissant. (mars 2020)

Vidéoclips : « VETE » - « Ignorantes » - « Si Veo a Tu Mama » - « La Dificil » - « Pero Ya No »

Sur son nouvel album, la chanteuse originaire de Saint-Tite teinte son style country d’un peu de folk, de pop et de rock. Elle y raconte en chansons le chemin parcouru au cours des dernières années alors qu’elle a passé par toute une gamme d’émotions. Elle a en effet subi une rupture et le décès de son ami Marc Gendron, coréalisateur de son album précédent, mais elle a aussi eu le bonheur de devenir mère. Plusieurs pièces sont empreintes de mélancolie ou d’optimisme. Deux de ces titres ont été écrits lors d’une résidence de création à Nashville, la Mecque de la musique country. Cindy signe six chansons de l’album alors qu’elle s’en est faite offrir par des artistes de renom comme Daniel Bélanger, Paul Daraîche, ainsi que Luc De Larochellière et Andrea Lindsay. Elle a écrit « T’as jamais rien compris à la musique country » avec son complice Éloi Painchaud. Elle reprend aussi de façon personnelle « Essence » de Lucinda Williams en duo avec Sam Tucker. Finalement, c’est Rob Heaney qui signe la réalisation, puis le multi-instrumentiste légendaire Rick Haworth a collaboré au disque et se joindra à la tournée à venir. Avec Après l’orage, Cindy Bédard propose un album riche et lumineux. (mars 2020)

Après divers projets, collaborations et tournées, Olivier Bélisle revient à la base avec un album dépouillé. Avec Broderie, il présente en effet un album épuré de folk teinté de blues. Le chanteur, compositeur et multi-instrumentiste propose un délire musical original, livré avec sa voix unique. Bélisle signe toutes les chansons, sauf « Quitte ou double » qui a été écrite avec Olivier Gourde et « Crabe ou pas » avec Maxime Bouchard. Quant à « L’inflation à Saint-Fidèle », il s’agit d’une adaptation d’un poème de Patrice Desbiens. (mars 2020)

Binette est auteur-compositeur, musicien et chanteur depuis 2000, mais seulement à temps partiel puisqu’il poursuit une carrière chez Postes Canada. Sur Cours, Binette! Cours!, il propose un son rock rageur et intense, accompagné d’un mur de guitares. En compagnie de Samuel Matte, il traite des décisions parfois trop rapides que l’on prend et qui nous éloignent de nos passions. Binette s’entoure pour l’occasion de musiciens chevronnés : le batteur Stéphane Gaudreau (Bob Bissonnette, Anik Jean, Jean Leloup), les guitaristes Samuel Matte et Martin Bachand (Véronique Dicaire, Ludovick Bourgeois, Isabelle Boulay) et le bassiste Patrick Boissé (Véronique Dicaire, Nancy Dumais, Amélie Veille). C’est un album sans compromis que nous présente ce facteur rockeur. (mars 2020)

L’auteur-compositeur et interprète canadien Ayla Brook a formé les Sound Men à Edmonton, Alberta et ils présentent ensemble un très bon album de rock souvent énergique. Réalisé par Terra Lightfoot, Desolations Sounds peut rappeler Blue Rodeo et Tom Petty en plusieurs occasions (« Lift You Up », « All That I Wanted To Do »), mais avec aussi des moments plus folks (« She Smiles Like a River », « Love & Laughter », « Little Birdie »). Les thèmes récurrents sont les amis et la famille, sur un album franchement rafraîchissant, même s’il ne réinvente pas le genre. (mars 2020)

Le membre des collectifs Valaire et Qualité Motel présente un premier album solo. Il y explore de nouvelles facettes de la création musicale avec la complicité des réalisateurs To et Kilojules, alias Toki, aussi membres des collectifs. Ils ont créé ensemble des pièces groovy aux sonorités riches et aux arrangements de qualité. Le bassiste France Basilic (Valaire, Qualité Motel), le chanteur Alan Prater (The Brooks) et la chanteuse Fanny Bloom complètent cette équipe toute étoile autour de l’auteur-compositeur et multi-instrumentiste. Avec un humour mordant, Clavis jette un regard ironique sur les dérives de notre société de consommation sur des musiques qui mélangent de vieux échantillonnages, de vrais instruments et des programmations électroniques. Les rythmes entraînants rappellent quelque peu ce que fait Les Louanges, mais ils sont souvent en décalage avec les textes. (mars 2020)

Luce Dufault présente son neuvième album de chansons originales avec Dire combien je t’aime. Il s’agit d’un disque aux textes soignés et aux mélodies mémorables, accompagnés de très beaux arrangements et d’orchestrations riches. Le tout enveloppe de belle façon la voix incomparable de Luce qui semble plus en contrôle que jamais de son instrument. Elle interprète des pièces de Nelson Minville, Antoine Gratton, Daniel Bélanger, Richard Séguin, Daniel Lavoie, Zachary Richard, Andrea Lindsay et Luc De Larochellière. Elle signe même « La chanson de Cohen » en compagnie de Marc Chabot. Luce fait preuve de générosité alors qu’il y en a 14 en tout pour un total de 53 minutes. (mars 2020)

Sur son nouvel album, Florence K a voulu changer de style. Elle laisse donc de côté les rythmes latins qui nous l’ont fait connaître pour plutôt offrir neuf chansons en français, toutes en douceur. Elle propose ainsi probablement son album le plus personnel à ce jour, réalisé par Jean Massicotte (Lhasa, Pierre Lapointe). Florence présente une musique pop élégante avec une touche d’électro. Elle flirte aussi avec la soul, notamment avec le refrain de « Ce n’est que ma tête ». Pour les textes, elle est appuyée par Moran et David Goudreault (qui chante aussi avec elle sur « Pas grand-chose pour être heureux »). La voix de Florence semble plus touchante que jamais dans la langue de Molière. En conclusion, même si l’album s’avère bien différent de ce qu’elle a fait par le passé, il s’agit encore une fois d’un très beau disque, un enregistrement de grande qualité. (mars 2020)

Fuso présente un deuxième album de musique ensoleillée aux rythmes reggae. C’est une musique multicolore qui nous fait aisément voyager, le vent dans les cheveux. L’album s’ouvre avec une pièce écrite par sa grand-mère en 1951, « Quand j’aurai mon voilier », une chanson dépouillée qui s’avère peu représentative du reste du disque par contre. Si la thématique de l’amour revient tout au long de l’album, celui-ci traite aussi d’espoir sur des titres comme « Chance », « Perds pas le moral » et « Chasseurs d’étoiles ». Cependant, c’est l’extrait « Tornade » qui demeure le moment fort de cet enregistrement, avec un rythme contagieux et une mélodie à fredonner sans cesse. Voici l’album parfait pour rêver de vacances ou de l’été à venir. (mars 2020)

Le groupe punk arrive avec son 13e album studio en 32 ans de carrière. Green Day propose un son plus glam avec plus de pièces dansantes que sur tout autre album lancé auparavant. Le trio explore aussi des sons jamais entendus jusque-là. Notamment, la voix de falsetto dans la chanson-titre est quelque peu déstabilisante, alors que le riff rappelle « Fire » de Jimi Hendrix. Sur « Meet Me on the Roof », le groupe plonge plus que jamais dans le dance pop. « Oh Yeah! » semble reprise en partie de « Do You Wanna Touch Me (Oh Yeah) » de Joan Jett, alors que « Graffitia » s’inspire assurément de The Clash et que « Stab You in the Heart » semble copiée de « Hippy Hippy Shake ». Si le groupe voulait peut-être rendre hommage au passé sur ce nouveau disque, il semble plutôt avoir manqué d’inspiration. Par contre, il s’agit d’un album extrêmement énergique et agréable à écouter. (mars 2020)

Vidéoclips : « Oh Yeah! » - « Meet Me on the Roof »

Le pianiste torontois nous arrive avec son premier album pour piano solo, OMA. Il inclut son premier extrait, « Determination of the Crossing », qui représente son interprétation musicale de l’acte d’évasion, accompagné d’un superbe vidéoclip de Jacob Mittermaier-Zubeck. R Grunwald a principalement travaillé avec Jill Barber, Donovan Woods et David Myles au cours de la dernière décennie, en plus d’avoir composé la musique de plusieurs films et émissions de télévision. Sur OMA, il s’assume enfin, seul derrière son piano, avec un titre qui évoque sa grand-mère de 96 ans exilée au Chili de sa Pologne natale. C’est inspiré par les œuvres de Chilly Gonzales et Max Richter qu’il a décidé de se lancer dans ce projet audacieux il y a cinq ans. Même si les liens avec le jazz se font naturellement, Grunwald présente plutôt une musique pop instrumentale et minimaliste, dont la mélodie demeure en son centre. C’est une musique généralement lente, qui réussit à nous captiver rapidement malgré une approche quelque peu ardue. Voici donc un disque particulièrement réussi de la part de R Grunwald. (mars 2020)

Vidéoclip : « Determination of the Crossing »

Après 10 ans d’attente, Ozzy Osbourne revient avec un nouvel album studio, son 12e en solo. Il s’agit ici d’un retour aux sources avec des références passablement lourdes grandement influencées par ses années avec Black Sabbath. Il reprend même au début de « Straight to Hell » le Alright Now! entendu en 1971 dans le classique « Sweet Leaf ». Ozzy, qui est malade depuis quelques temps, semble pourtant revigoré sur Ordinary Man qui n’a rien à envier à ses meilleurs enregistrements en carrière dans les années 1980-90. C’est entouré du guitariste et réalisateur Andrew Watt (Post Malone), du bassiste Duff McKagan (Guns N’ Roses) et du batteur Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) qu’Ozzy s’éclate littéralement sur ce disque franchement rafraîchissant pour cette légende métal de 71 ans. Il se permet même un duo avec une autre légende, Elton John, pour la ballade de la chanson-titre, une pièce sans personnalité par contre. Il collabore également deux fois avec Post Malone pour l’énergique « It’s a Raid » et « Take What You Want » (mettant aussi en vedette Travis Scott). Il y a bien quelques titres moins efficaces parmi les 11 de l’album, mais il s’agit tout de même de son meilleur disque depuis No More Tears en 1991 grâce à des moments plutôt inspirés. (mars 2020)

Vidéoclips : « Under the Graveyard » - « Straight to Hell »

Le trio jazz souligne son 10e anniversaire avec un nouvel album. Ce cinquième disque arrive après de nombreuses distinctions et tournées à travers le monde (11 pays sur 4 continents). Rythme de passage s’avère plus que jamais une œuvre collective alors que le trio prend toujours les devants sur chacun de ses membres. Même Emie, la leader et pianiste, s’efface quelque peu derrière le jeu d’ensemble en compagnie du contrebassiste et bassiste électrique Nicolas Bédard (qui signe 3 des 8 compositions) et du batteur Dominic Cloutier. Les compositions atmosphériques du trio créent une très belle ambiance pendant toutes les 46 minutes de Rythme de passage. La pièce d’ouverture qui annonce bien la suite, « Yatse Club », est un clin d’œil humoristique à l’accent italien d’un chauffeur de taxi à Turin lorsqu’il prononçait « Jazz Club ». Rythme de passage ne contient que des bons moments et contribuera certainement à renforcer la position du trio parmi la crème du jazz contemporain. (mars 2020)

Quatre ans après son premier album, Partir avant, Rosie Valland est de retour sur disque. Maintenant réalisatrice, elle y propose une musique pop aux inspirations des années 1990, sur des airs légers. Le mixage est signé par le renommé Joe Zook (U2, Katy Perry, Weezer, P!nk, Modest Mouse), établi à Los Angeles. On peut entendre deux titres qui avaient déjà vu le jour auparavant : la chanson-titre et l’excellente « Chaos ». Sur Blue, Rosie Valland présente une musique pop élégante, riche et intelligente, pour un album très agréable à écouter. (mars 2020)

Loving est un groupe de Victoria en Colombie-Britannique qui nous arrive avec son tout premier album, après un mini-album qui avait attiré l’attention. Le trio propose un son folk pop à tendance psychédélique, qui semble tout droit sorti d’un film des années 1960 ou 1970. À différents moments, on reconnaît des influences des Beatles, des Beach Boys et de Simon and Garfunkel. Le groupe nous offre d’excellentes mélodies totalement inoubliables, en plus de créer une atmosphère douce et extrêmement agréable. If I Am Only My Thoughts est en fait un album apaisant qui nous procure un immense sentiment de bien-être. (découverte du mois de février 2020)

Après trois albums avec son groupe, Rattlesnake Choir, John Borra présente son premier album solo depuis 2002. Avec Blue Wine, Borra demeure l’une des figures emblématiques de la scène country et folk alternative de Toronto. On y découvre bien sûr une certaine maturité, mais aussi des textes sophistiqués, particulièrement bien fignolés. Il s’est entouré pour l’occasion d’une équipe de musiciens toute étoile incluant Mike Boguski (claviériste de Blue Rodeo) et son collaborateur de longue date, Sam Ferrara. Il a collaboré avec la poète Eva H.D. pour trois chansons : « Machu Picchu », « The Wars » et « Hambre and Dolores ». Borra revisite aussi « Foggy Notion » de Velvet Underground, qui met en vedette Kevin Hearn (Barenaked Ladies). (février 2020)

Suite au succès de son premier album, transporté par le succès « Desert Song », Ludovick Bourgeois est de retour sur disque. Le gagnant de La Voix en 2017 propose à nouveau des chansons pop rock grandement accrocheuses, sur mesure pour les radios. Ludovick a encore confié la réalisation à Fred St-Gelais, qui est devenu un collaborateur incontournable pour lui. Ils sont partis ensemble sur un road trip aux États-Unis qui allait inspirer ce deuxième album. Une vingtaine de chansons ont été enregistrées pour finalement en avoir conservé 11, incluant les très personnelles « Que sera ma vie », « Je le ferai » (avec Marc Dupré) et « Le saut de l’ange ». (février 2020)

Caveboy est un trio féminin de Montréal qui nous arrive avec son style lumineux. Elles offrent en effet une musique indie pop particulièrement accrocheuse qui rappelle grandement les années 1980. On peut les comparer à HAIM et Tegan & Sara, mais avec cette dimension ensoleillée qui nous amène tout droit à l’été. Les synthétiseurs des années 1980 sont entrecoupés de guitares énergiques et même de solos. Avec 10 pièces totalisant seulement 33 minutes de musique, il vous sera bien difficile de ne pas vous rendre à la fin, sourire fendu jusqu’aux oreilles. Vous pourriez même avoir un désir incontrôlable de reprendre tout de suite l’écoute à la première piste. Très agréable! (février 2020)

Le nouveau mini-album des Chercheurs d’Or rappelle les sonorités d’un western moderne, avec un son country-folk énergique. On y trouve quatre chansons et trois pièces instrumentales pour un total de 20 minutes. Les sept pièces bénéficient du talent de Simon Pedneault à la réalisation (Lou-Adriane Cassidy, Gabrielle Shonk, Tire Le Coyote). Caballero est un mini-album concept qui s’écoute d’un trait, une belle façon de souligner 10 ans de carrière… (février 2020)

L’auteure-compositrice et interprète de l’Île-du-Prince-Édouard nous arrive avec un nouvel album qu’elle a produit et réalisé elle-même. Rose Cousins était entrée en studio dans le but d’enregistrer une chanson avec des musiciens de Toronto qu’elle appréciait, et elle en est ressortie avec tout un album contenant probablement son écriture la plus riche à ce jour. On y découvre un très beau mélange de folk et de rock alternatif, avec de superbes orchestrations. Le thème de la solitude semble récurrent, tant pour ceux qui luttent contre la solitude que ceux qui veulent plus de moments seuls. Bravado nous séduit rapidement par ses atmosphères chaleureuses, bercées par la très belle voix de Rose. (février 2020)

Dan Bejar (alias Destroyer) souligne ses 25 ans de carrière avec un nouvel enregistrement. Il poursuit dans son style indie pop aux mélodies accrocheuses, avec une bonne dose d’électronique. Même si l’ensemble est plutôt mid-tempo, on peut entendre quelques rythmes dansants particulièrement entraînants qui cadreraient plutôt bien dans une liste musicale des années 1980. Il réussit à mélanger habilement des textes comiques ou bizarres avec une musique cool et bien de son époque. Ce génie musical propose encore une fois un album intemporel et incomparable, qui s’écoute très agréablement sur toute sa longueur. Sans égaler le classique Poison Season paru il y a cinq ans, Have We Met plaira assurément aux fans de Destroyer. (février 2020)

Eminem a surpris tout le monde le 17 janvier avec un nouvel album. Malgré son effet de surprise, Music to be Murdered By est un album touffu et extrêmement complet, avec 20 titres (dont des intros et intermèdes) pour un total de 64 minutes. Le rappeur s’entoure bien évidemment de plusieurs collaborateurs : Ed Sheeran, Juice WRLD, Skylar Grey, Anderson.Paak, et plusieurs autres. On retrouve des textes plutôt sombres, dans la lignée du titre de l’album. Mais la musicalité demeure d’une importance capitale, comme on peut s’en rendre compte avec le premier extrait, « Darkness », et avec « Leaving Heaven » (mettant en vedette Skylar Grey). La production est de premier plan et on y retrouve des éléments intéressants, comme par exemple le scratching pour camoufler des mots politiquement incorrects dans la version propre. « Godzilla » (avec Juice WRLD) possède aussi son moment divertissant avec un record de vitesse pour débiter les textes, un véritable exercice de diction, voire même un tour de force. En somme, Music to be Murdered By s’avère un disque solide avec de nombreux points d’intérêt, sans toutefois réinventer le genre. (février 2020)

Ashley Nicolette Frangipane (alias Halsey) nous arrive avec son troisième album à ce jour. La jeune artiste du New Jersey propose un disque pop extrêmement bien fignolé avec Manic. Elle y explore différentes atmosphères avec plusieurs changements d’ambiances, parfois même à l’intérieur d’une même pièce. Elle peut passer de sonorités à la Beatles (« I Hate ») ou à la Avril Lavigne (« 3am ») avec des moments de pop rock contemporain, du country, du hip hop et encore plus. Un mince fil directeur relie habilement l’ensemble pour un disque audacieux mais grandement réussi. Elle peut rejoindre ainsi un vaste auditoire qui découvrira en prime son meilleur album à ce jour. (février 2020)

Vidéoclips : « Without Me » - « You Should Be Sad »

Pour son nouvel album, la chanteuse folk d’Ottawa propose essentiellement des chansons tristes, mais avec aussi un certain positivisme. Elle traite d’intimidation (la chanson-titre), d’acceptation (« Clean Slate ») et de pardon (« Higher Ground »). Après huit ans de sobriété, Lynne a su chasser ses démons, et ça s’entend plus que jamais sur Just Words qui la montre en pleine confiance. Voici donc un très bon album de folk, mais qui possède aussi ses moments plus country ou rock. (février 2020)

Suite à son premier album, Solitudes, en 2016, Matt Holubowski a parcouru les scènes du Canada, des États-Unis et de l’Europe. Résultat : Weird Ones a été concocté entre Paris, Cracovie, Banff et Montréal. L’auteur-compositeur et interprète a retrouvé le réalisateur Connor Seidel, même s’il pousse un peu plus loin ses expérimentations sonores, naviguant entre douceur et intensité. Sa base folk emprunte des envolées pop et rock, tout en conservant la mélancolie qui l’habite. Les ambiances demeurent surtout planantes, autour de sa voix si caractéristique. Holubowski aborde pour la première fois le thème de l’amour en puisant dans ses expériences personnelles. À ses musiciens se greffent la violoniste Mélanie Bélair, le corniste Pietro Amato et la chanteuse Claudia Bouvette. (février 2020)

Après avoir terminé la tournée de son premier album, 12 jours, Jordane nous revient avec un mini-album de quatre titres. On y trouve trois chansons folks originales, ainsi qu’une reprise bien personnelle du classique country « Quand le soleil dit bonjour aux montagnes ». Elle est accompagnée pour l’occasion de son collaborateur Clément Desjardins (guitare) et du réalisateur et multi-instrumentiste Jeannot Bournival (Fred Pellerin). (février 2020)

Ce cinquième album d’Adam Karch a été enregistré à Montréal et réalisé par Karch lui-même. Il y présente un mélange de performances en solo et en trio avec Richard Deschênes (basse) et Marc-André Drouin (batterie). Il alterne aussi entre compositions originales et reprises de classiques comme « Don’t Think Twice It’s Alright » de Bob Dylan, « After Midnight » de JJ Cale, popularisée par Eric Clapton, ainsi que « Preachin’ Blues » de Robert Johnson. Le Québécois propose à nouveau un superbe amalgame de folk, de blues et de country, pour notre plus grand plaisir. Il s’agit peut-être de son enregistrement le plus solide à ce jour. (février 2020)

Kid Francescoli est le projet musical de l’artiste français Mathieu Hocine qui a collaboré avec Julia Minkin depuis 2013. Pour ce troisième album, enregistré chez lui Marseille, Hocine s’entoure de nouvelles voix féminines : Samantha, Sarah Rebecca, Nassee et Alizée (alias iOni). Kid Francescoli propose tout de même à nouveau une musique électro-pop légère et grandement accrocheuse, sur des textes majoritairement en anglais, mais aussi en français et en portugais. Il s’agit d’une musique ensoleillée qui nous accroche rapidement un sourire. Les amateurs du genre en redemanderont… (février 2020)

Après quatre extraits radio (« Tempérance », « Mythologie », « Content » et la chanson-titre), Mon Doux Saigneur présente finalement son deuxième album, Horizon. Le quintette, dirigé par l’auteur-compositeur, chanteur, homme-orchestre, coréalisateur et arrangeur Emerik St-Cyr Labbé, revient avec son style unique fusionnant le rock lo-fi, le folk et des bribes de country. Les riffs de guitare demeurent toujours aussi accrocheurs, tout comme les mélodies mémorables, pour une bonne poignée de hits garantis parmi les 12 titres. Voici donc un album très agréable! (février 2020)

La tromboniste canadienne Audrey Ochoa nous arrive avec un album contenant sept compositions originales, ainsi que la reprise de « Postcards » de Ben Sures. Alors qu’il s’agissait au départ d’un projet de duo avec le pianiste Chris Andrew, Audrey a plutôt décidé de se faire confiance et d’utiliser l’expérience acquise afin d’arranger des sections de cordes avec des cuivres et une section rythmique. Il en résulte un projet ambitieux et riche qui mélange musique de chambre, jazz contemporain et jazz latin. En bout de ligne, Audrey Ochoa réussit à fusionner la tradition et la modernité sur Frankenhorn, avec un jazz contemporain bien ancré dans l’histoire. (février 2020)

Depuis 2012, le groupe Orloge Simard ne laisse personne indifférent. Leur côté déjanté en séduit plus d’un, comme ce fut le cas lors de leurs passages aux Francofolies de Montréal et au Festival d’été de Québec. Le groupe du Saguenay dirigé par Olivier Simard revient avec un nouvel album de 11 titres racontant les péripéties de Roxan Puppetville, un personnage culte qui les accompagne depuis longtemps. Orloge Simard demeure cru dans ses propos, avec des grossièretés toujours bien placées. (février 2020)