Avec Something Beautiful, Miley Cyrus joue d’audace et explore de nouveaux territoires, plutôt que de s’asseoir sur le succès monstrueux de « Flowers ». Elle touche au disco des années 1970 et à la pop légère des années 1980, en plus de présenter des ballades touchantes. « Easy Lover », « Walk of Fame » et « Reborn » confirment son audace tout en démontrant sa profondeur émotionnelle. Quant à la chanson-titre, elle navigue habilement entre jazz sensuel et rock furieux. L’ambiance cinématographique de l’album, enrichie d’une solide production, contribue à rendre son style pop encore plus sophistiqué qu’auparavant. Les rythmes varient beaucoup sur l’album, mais les liens se tissent à la perfection entre chaque titre pour créer un ensemble extrêmement cohérent en bout de ligne. En fait, Something Beautiful est possiblement son album le plus cohérent à ce jour, même s’il ne contient pas de succès instantanés de la trempe de « Flowers ».

Vidéoclips : « Something Beautiful » - « End of the World » - « More to Lose » - « Easy Lover » - « Every Girl You’ve Ever Loved »

La référence d’Arcade Fire à l’éléphant rose tient sur la « théorie du processus ironique », le paradoxe qui se produit lorsqu'on essaie tellement de réprimer une pensée qu'elle devient la seule chose à laquelle on peut penser. Pink Elephant pourrait aussi faire référence à l'éléphant dans la pièce, en référence au scandale de 2022 où Win Butler a été accusé de plusieurs fautes professionnelles (toutes niées). Les années qui ont suivi cette affaire ont directement influencé cet album tumultueux et personnel. Discret, riche en synthétiseurs et très mélancolique (avec trois pièces instrumentales), cet album est le reflet d'une thérapie de couple (et d'une réparation des relations publiques) qui se déroule sous les oreilles des auditeurs, pour le meilleur ou pour le pire. La facture sonore typique du groupe est bien présente, mais elle semble être davantage un processus nécessaire pour Win et sa femme Regine Chassagne que pour les fans, qui n'ont peut-être pas encore digéré les accusations et leurs implications, et auraient préféré des excuses plutôt que des explications. Les orchestrations épiques de « Open Your Heart or Die Trying » introduisent le titre éponyme, qui prépare le terrain pour « Year of the Snake ». Nommée d'après l'animal du cycle lunaire au moment de sa sortie, elle a une double signification, symbolisant le renouveau après la mue. C'est un morceau qui monte lentement en puissance pour finir par capturer l'attaque mélodramatique classique du groupe, avec une libération explosive. « Circle of Trust », qui est aussi le nom de l'application exclusive liée à l'album, injecte un peu d'énergie au mélange, utilisant des synthétiseurs et un rythme lancinant pour donner le coup d'envoi du disque. Cela se poursuit avec « Alien Nation », qui ressemble à un morceau issu de Reflektor, avant de retomber avec l'intermède instrumental « Beyond Salvation » et le morceau épuré et mélancolique « Ride or Die ». On entend clairement Butler s'efforcer de regagner les faveurs de Chassagne, et ce sentiment imprègne toute la deuxième partie, avec la tendre « I Love Her Shadow » qui enfonce le clou avec son message « Je suis désolé, pardonne-moi ! ». Pink Elephant donne l'impression d'être un album qu'Arcade Fire devait faire, un album qui aborde une période très publique de l'histoire du groupe sans trop s'attarder sur le sujet, comme s'ils voulaient simplement que tout le monde oublie. (chronique principale de juin 2025)

Vidéoclip : « Year of the Snake »

Alors qu'elle terminait ses études de guitare jazz au Berklee College of Music, Mei Semones a formé un groupe avec des camarades de classe et a enregistré un mini-album, Tsukino (2022). Il a révélé une approche pop indie sophistiquée, pleine de tendresse et enrichie de cordes. Avec Kabutomushi, son deuxième mini-album en 2024, son groupe de musiciens était maintenant régulier, incluant le violoniste et arrangeur de cordes Noah Leong. Elle avait ajouté à son son une bossa nova légère, du jazz complexe et une touche de rock alternatif. Américaine née de parents japonais, Mei chante autant en anglais qu’en japonais, parfois à l’intérieur d’une même chanson. Sur ce premier album, l’artiste pousse encore plus loin la complexité de son son unique et de son écriture. L'album s'ouvre avec « Dumb Feeling », un morceau de bossa nova aux accents alternatifs qui réserve la première surprise de l'album avec un break scat. « Tora Moyo » est une chanson d'amour dédiée à la musique et à sa guitare. Elle pourrait être la bande originale d'un film des années 1960, jusqu’au solo de guitare improvisé. Elle introduit très bien « I Can Do What I Want », un morceau d’inventivité virtuose. « Zarigani » est un hommage à l'amour qu'elle porte à sa sœur jumelle, et « Donguri » offre un peu de répit avec un arrangement dépouillé de guitare et de contrebasse. Tout au long d'Animaru, Semones et son groupe jouent avec les dynamiques, les pauses dramatiques, les accords, les harmoniques et un flux constant de surprises, même une valse à la toute fin. Voici un album mémorable, qui surprend du début à la fin, nous gardant sur le qui-vive. (découverte du mois de juin 2025)

Dreams on Toast est le huitième album des rockeurs anglais The Darkness, et une nouvelle collection de clins d'œil aux classiques du rock, avec de l’humour et des mélodies inoubliables. Relativement sage par rapport aux standards du groupe, seuls quelques morceaux s'envolent vers les sommets avec des riffs énergiques. C’est le cas en ouverture avec « Rock and Roll Party Cowboy » et l’endiablée « I Hate Myself ». « Mortal Dread » et « Walking Through Fire » rappellent AC/DC, pendant que « The Longest Kiss » évoque Queen. L'album est tempéré par des morceaux introspectifs au tempo modéré (« Don't Need Sunshine »), des moments cinématographiques (« Weekend in Rome » avec l'acteur Stephen Dorff) et même des pièces aux accents country (« Hot on My Tail », « Cold Hearted Woman »). Malgré un peu d’humour, on sent désormais une maturité et une évolution créative qui commencent à s'emparer de Justin Hawkins et sa bande, ajoutant de la profondeur à leur répertoire. Dreams of Toast est inégal et trop court (33 minutes), mais présente plusieurs moments grandement intéressants qui méritent notre attention. (chronique principale de mai 2025)

Vidéoclip : « Rock and Roll Party Cowboy »

Lady Gaga revient à ses racines pour son septième album, MAYHEM. Elle laisse de côté ses essais jazzy, ses explorations de Nashville et ses élans dansants de clubs pour revenir à un son pop qui la caractérise un peu plus. Elle demeure tout de même inventive avec une approche avant-gardiste quelque peu déstructurée. L'album débute malgré tout de manière logique, avec des titres pop incontournables en vedette (« Disease », « Abracadabra », « Garden of Eden », « Perfect Celebrity », « Vanish Into You »), puis des chansons d'amour débordantes de vulnérabilité en fin de disque, avec en conclusion le méga succès « Die with a Smile » en duo avec Bruno Mars. Lady Gaga a déjà mentionné avoir des influences de musique industrielle (dont Nine Inch Nails). On peut entendre cette inspiration dans la première moitié de l'album, notamment dans « Disease », qui marque officiellement un nouveau départ pour la chanteuse. « Abracadabra » fait partie des meilleures chansons de son catalogue, une pièce dansante efficace et originale. La sombre « Perfect Celebrity » est l’une des nombreuses réflexions de l'album sur les luttes internes de Lady Gaga. Elle injecte un peu de funk dans le mélange, notamment dans « Vanish Into You », qui aurait très bien pu figurer sur The Fame. « Killah », une collaboration avec Gesaffelstein, rappelle St. Vincent ou Trent Reznor, s'attaquant à David Bowie et à Prince. « Zombieboy » (nommée d'après le défunt danseur de son clip « Born This Way ») nous introduit à des hymnes pop sans effort (« LoveDrug » et « Shadow of a Man ») et à des titres midtempo (« The Beast » et « Blade of Grass ») sur la deuxième moitié de l'album. Bien qu'il ne soit pas aussi désordonné ou tumultueux que son titre le suggère, MAYHEM n'est absolument pas soumis aux règles de l’univers pop. C'est ce qui fait de cet album une bouffée d'air frais dans le catalogue de Lady Gaga. (chronique principale d'avril 2025)

Vidéoclips : « Disease » - « Abracadabra »

Avec son sixième disque, Hurry Up Tomorrow, The Weeknd présente potentiellement son dernier album. Bien qu'une grande partie du R&B expérimental et de la pop futuriste produits par Abel Tesfaye au cours de son ascension vers la célébrité mondiale ait été lourde, morose et fataliste, un nuage de finalité plane lourdement sur Hurry Up Tomorrow. Presque toutes les chansons se concentrent sur les rigueurs de la célébrité, sur le fait d'être épuisé par les exigences des tournées, de vouloir s'en aller et d'être prêt à en finir avec tout ça. En plein désespoir, The Weeknd profite de chaque occasion pour faire comprendre à son public que c'est la fin. Heureusement, ces thèmes déprimants sont enveloppés dans la même production brillante, pour une écoute quelque peu contradictoire. Les 84 minutes de l'album semblent traiter sans cesse de sa vie d'opulence et de luxe, mais Hurry Up Tomorrow est rythmé avec calcul avec de belles transitions entre les chansons qui rendent l’ensemble cohérent. Les sons lancinants et les mélodies sombres et enchanteresses de « Cry for Me » rappellent les précédents succès de l’artiste, et font rapidement place à l’excellente pièce brésilienne « São Paulo » (avec Anitta). La ballade morose « Reflections Laughing » gagne en intensité jusqu'à devenir une expérience cinématographique. Les quelques rares moments plus légers de l’album arrivent avec le rap de « Timeless » avec Playboi Carti, la pop ensoleillée de « Give Me Mercy » et une réplique du groove de « Thriller » de Michael Jackson dans la deuxième moitié de « Wake Me Up ». Malgré tout, il y a un peu trop de tristesse à gérer alors que Tesfaye décrit la mort métaphorique de The Weeknd sous tous les angles. Un sample de Giorgio Moroder tente d'animer « Big Sleep », mais chaque moment d'excitation se fond dans un ensemble beaucoup plus noir. En fin de compte, Hurry Up Tomorrow atteint son objectif, soit de mettre fin à la carrière de The Weeknd de manière cérémonieuse. L’exécution est parfaite, avec une production impeccable, mais qui s’étend malheureusement un peu trop dans son côté sombre. (chronique principale de mars 2025)

Vidéoclips : « Sao Paulo » - « Open Hearts » - « Cry for Me »

Franz Ferdinand n'a jamais craint de s'écarter du son qui l'a rendu célèbre, mais les résultats ont été plutôt variables. La pop énergique et les ballades au piano inquiétantes de You Could Have It So Much Better détonnent avec leur premier album éponyme au rock post-punk incisif. Sur The Human Fear, le groupe abandonne toute prétention d’être cool au profit de la mélodie et de la personnalité. Le groupe a travaillé avec le réalisateur Mark Ralph, ingénieur sur Right Thoughts, Right Words, Right Action, et The Human Fear s'inscrit dans la lignée des chansons pleines d'esprit et souvent poignantes de cet album. Après « Audacious » en ouverture (un hommage à « All the Young Dudes » de Mott the Hoople), « Everydaydreamer » est probablement le titre phare de l’album, qui donne un ton d'introspection, devenant plus sombre sur « Bar Lonely » un peu plus tard. Lorsqu'ils reviennent avec des rythmes dansants, ils sont toujours aussi accrocheurs 20 ans plus tard, mais avec une pointe de maturité additionnelle. Les autres moments forts de l’album nous arrivent avec « Hooked » et « Night or Day ». « Tell Me I Should Stay » propose de nouvelles expérimentations avec un reggae doux, un collage de pianos en écho et des refrains à la Beach Boys. « Black Eyelashes » est moins réussie alors qu’Alex Kapranos avance une réflexion un peu exagérée sur son héritage grec en incorporant des influences rebetiko et un bouzouki retentissant. The Human Fear est un album un peu plus engagé que les précédents, mais avec seulement 35 minutes, il semble incomplet, en manque d’une paire de succès mémorables pour en faire un album de premier plan. Un effort respectable, mais sans plus! (chronique principale de février 2025)

Vidéoclips : « Audacious » - « Night or Day »

Lucinda Williams propose depuis la pandémie de COVID-19 une série d'albums, Lu's Jukebox, des collections thématiques dans lesquelles elle reprend l'œuvre d'un artiste ou d'un auteur-compositeur. Après l’hommage à Tom Petty en 2021, elle a présenté cinq autres volumes de cette série, ce qui est un peu spécial pour une auteure-compositrice de sa trempe. Lucinda avait 11 ans en 1964 lorsque les Beatles ont fait leurs débuts américains, ce qui signifie qu’elle a grandi avec leur musique. Bien que son travail, imprégné de blues, de country et de folk, ne semble pas avoir grand-chose à voir avec les Beatles, leur style d’écriture et leur goût pour l'expérimentation sonore l'ont sans aucun doute marquée. Lucinda et ses musiciens se sont donc rendus aux studios Abbey Road de Londres, où les Beatles ont enregistré la plus grande partie de leur catalogue, et ont pondu en trois jours cet hommage au quatuor mythique. Elle laisse de côté leurs plus grands succès pour se concentrer sur des morceaux moins célèbres, bien que « Can't Buy Me Love » et « Something » soient présents. Elle donne un côté sudiste un peu sale à des titres comme « Don't Let Me Down », « I've Got a Feeling » et « Rain ». Puis, elle apporte une tristesse et une amertume sans fin à « I'm Looking Through You ». « While My Guitar Gently Weeps » vole la vedette grâce aux guitares de Marc Ford (ex-Black Crowes) et Doug Pettibone. Le chant de Lucinda est discret sur plusieurs chansons, laissant toute la place à ses musiciens et à l’œuvre emblématique des Beatles. « The Long and Winding Road » et « Let It Be » en souffrent quelque peu, alors qu’elle leur rend mal justice. Son approche de la musique des Beatles peut aussi ne pas faire l’unanimité, mais son désir de rendre hommage à ce groupe incontournable de l’histoire de la musique ne peut qu’être salué. (chronique principale de janvier 2025)

From Zero représente un retour sur disque pour Linkin Park après le suicide de Chester Bennington en 2017. Le groupe peut maintenant compter sur la chanteuse Emily Armstrong (Dead Sara) qui, sans chausser les bottes de Bennington, s’intègre parfaitement dans le style du groupe grâce à sa voix puissante. Trois des quatre premiers simples démontrent un véritable un retour aux sources. « Heavy is the Crown » présentait une excellente carte de visite avant que « The Emptiness Machine ne devienne l’un des plus grands succès rock de l’année, un classique instantané. Quant à « Two faced », on ne peut s'empêcher de penser que le groupe ne fait que copier son style du passé : il y a un mouvement similaire à « Figure 09 », un riff et un découpage comparables à « One Step Closer », sans oublier des scratches déjà entendus. Le reste de l'album s’avère beaucoup moins excitant. « Over Each Other » est tout simplement ennuyante et ne cadre pas dans le style de l’album, pendant que beaucoup d’autres titres ne servent que de remplissage sur ce disque déjà trop court (32 minutes). Et même si Emily est très solide (et originale sur « IGYEIH »), elle semble vouloir imiter Bennington en plusieurs occasions, ce qui ramène inévitablement la comparaison. En conclusion, From Zero nous laisse sur notre appétit. Il nous épate grâce à ses deux premiers simples qui s’ajoutent admirablement au répertoire de Linkin Park, mais nous déçoit par la suite, se terminant en nous transmettant un sentiment de frustration. (chronique principale de décembre 2024)

Vidéoclips : « Heavy is the Crown » - « The Emptiness Machine » - « Over Each Other » - « Two Faced »