Le quatuor de Vancouver Hedley est de retour avec un 4e album après l’immense succès du précédent, The Show Must Go, transporté par la dynamique « Cha-Ching ». Même si le groupe a eu quelques tendances pop punk par le passé, il a toujours penché un peu plus du côté pop que du côté punk. En plus, les ballades ont souvent occupé une place importante sur leurs albums. Mais c’est avec Storms que la bande à Jacob Hoggard (un ex-candidat de Canadian Idol) prend un véritable virage pop. L’album s’ouvre en effet avec une série de ballades qui, même si elles sont de qualité, nous amènent un peu trop dans le territoire des Backstreet Boys. Il faudra attendre la 4e piste, « We Are Unbreakable », pour entendre une pièce pop rock un peu plus rythmée. Mais c’est avec la suivante, « Young », que le groupe poursuit sur sa lancée entamée avec « Cha-Ching », grâce à un refrain inoubliable et énergique accompagné de claquements de mains. « Bullet for your Dreams » et « Hot Mess » sont les autres pièces entraînantes par excellence qui nous présentent le groupe à son meilleur et nous donnent envie de les voir sur scène, là où Hoggard est le plus à l’aise. Sur Storms, Hedley ne se gêne pas pour sortir les synthétiseurs du placard et nous présenter des arrangements léchés à souhait. Même si l’album est un peu trop propret et qu’on s’ennuie du côté trash complètement disjoncté d’Hoggard, Storms risque fort de permettre au groupe de finalement rejoindre le reste de la planète.

Vidéoclips : « Invincible » - « One Life »

Une énergie débordante et le désir de s’éclater, voilà ce qui caractérise le groupe australien Dangerous! Nouvellement signé sur l’étiquette Epitaph en 2011, le groupe a enfin pu nous présenter son tout premier album, Teenage Rampage. Le quatuor nous offre un son punk garage / rock ‘n’ roll particulièrement énergique avec quelques influences métal lorsqu’il laisse aller son agressivité. En fait, les membres de Dangerous! sont dans leur musique comme ils sont dans la vie, soit 4 jeunes qui aiment se saouler et saccager leurs chambres d’hôtels. Les compositions sont simples et un seul des 12 morceaux franchit la barre des 3 minutes, soit le dernier, « D! or Die ». Il s’agit donc d’une musique de défoulement par excellence. La réalisation de Ulrich Wild (Deftones, Pantera) est plutôt brute et conserve le côté sale de la musique de Dangerous! qui peut s’apparenter par moments à The Hives. Notons aussi que l’album a été mixé par Marc McClusky qui a travaillé entre autres avec Weezer. Ce premier enregistrement de Dangerous! ne révolutionne assurément pas le rock ‘n’ roll, mais il présente tout de même un bon divertissement, extrêmement dynamique.

Vidéoclip : « Not One of You »

Malgré une courte carrière de deux albums, la chanteuse britannique Amy Winehouse a su s’imposer rapidement comme l’une des meilleures chanteuses soul de sa génération. Malheureusement, elle n’aura pu vaincre ses nombreux démons et nous a quitté prématurément en juillet dernier à l’âge fatidique de 27 ans. Avant son décès, elle avait déjà enregistré plusieurs chansons en prévision d’un album à venir. Nous retrouvons ici ces « trésors cachés », alors que Salaam Remi et Mark Ronson ont assuré la réalisation virtuelle de ce disque. L’album de 12 titres dont 9 reprises est plutôt surprenant par sa cohérence, malgré la piètre qualité de plusieurs des chansons proposées. La réalisation est de premier plan, alors qu’Amy chante aussi bien que sur ses enregistrements précédents. Elle réussit de façon convaincante à s’approprier les pièces qu’elle interprète et à les présenter à sa façon. Les 3 chansons originales que l’on retrouve ici (« Between the Cheats », « Half Time » et « Best Friends, Right? ») ne sont pas à la hauteur et il y a peu de chances qu’elles se seraient retrouvées sur cet album si Amy avait pu donner son opinion. Par contre, sa performance est impressionnante sur « Our Day Will Come », « Will You Still Love Me Tomorrow? » et « The Girl from Ipanema ». On peut l’entendre avec Tony Bennett sur « Body and Soul », mais ce n’est pas là qu’elle passera à l’histoire. Malgré quelques faiblesses flagrantes, il faut se rendre à l’évidence qu’il s’agit d’un solide album posthume qui nous laissera de bons souvenirs d’Amy Winehouse.

Vidéoclips : « Our Day Will Come » - « Body & Soul »

La New Yorkaise Mary Jane Blige fait déjà carrière depuis 20 ans et nous présente maintenant son 10e album studio. Bizarrement, le titre semble vouloir référer à son album de 1994, My Life, comme en étant la suite. Mais, il est bien difficile de voir comment ce long album rempli de collaborations pourrait être la suite de l’album troublé et bien personnel présenté à cette époque. En fait, My Life II semble beaucoup plus être la suite logique de son précédent, Stronger with Each Tear, et n’a rien à voir avec la Mary J. Blige du milieu des années 1990. Elle nous présente toujours son R&B contemporain avec des accents de rap en différentes occasions. Pour ce faire, elle peut compter sur la présence de toute une brochette de collaborateurs : Nas, Busta Rhymes, Drake, Beyoncé, Diddy, Lil Wayne, etc. Après une introduction inutile, la première moitié du disque est plutôt dynamique grâce à de bonnes rythmiques et des mélodies efficaces culminant avec la « Next Level » de Busta Rhymes. Elle reprend aussi de façon énergique le succès de Rufus & Chaka Khan « Ain’t Nobody ». Malheureusement, la deuxième moitié du disque perd de son énergie et c’est un grand nombre de ballades qu’on nous présente l’une à la suite de l’autre. L’intérêt diminue grandement et lorsque l’album se termine, on a l’impression d’être resté sur notre appétit. Les bons moments et la solide production ne sont pas suffisants pour nous faire oublier les pièces ennuyantes.

Vidéoclips : « 25/8 » - « Mr. Wrong »

L’auteur-compositeur-interprète californien Chris Isaak fait carrière depuis plus de 25 ans. Mais c’est en 1989 qu’il a obtenu son plus grand succès avec « Wicked Game » et le magnifique vidéoclip qui l’accompagnait. En 2011, il a décidé de se faire plaisir et de rendre hommage à la légendaire étiquette rock ‘n’ roll Sun Records. En fait, c’est un choix naturel pour celui qui ne s’est jamais caché d’avoir été grandement influencé par Roy Orbison et Elvis Presley. Plusieurs classiques d’Elvis sont d’ailleurs bien présents ici, même « Can’t Help Falling in Love » qui n’avait pas été enregistré par Elvis au cours de ses années chez Sun Records. Il faut dire que, sans l’imiter, Isaak est peut-être le chanteur dont le style vocal s’approche le plus de celui du « king » (vous en aurez un bon aperçu sur « It’s Now or Never »). Parmi les autres reprises incontournables, notons l’excellente pièce d’ouverture, « Ring of Fire » de Johnny Cash, l’électrisante « Great Balls of Fire » de Jerry Lee Lewis, ainsi que « Dixie Fried » de Carl Perkins. Isaak enregistre aussi une de ses chansons, « Live It Up ». Une version de luxe de l’album contient un deuxième disque avec 11 titres additionnels pour un total de 25. Sur ce 2e CD, on peut entre autres entendre « Oh, Pretty Woman » de Roy Orbison. Sur Beyond the Sun, Chris Isaak réussit à reproduire avec authenticité la musique de toute une époque avec les méthodes d’enregistrement d’aujourd’hui. Un très bon album!

Même si c’est difficile à croire en la regardant, la Mexicaine Paulina Rubio fait déjà carrière depuis 20 ans, alignant les albums à un rythme régulier. Pour ce 10e album, elle a recruté RedOne (Lady Gaga) pour la réalisation de 3 pièces à haut niveau d’énergie : « Me Gustas Tanto », « All Around the World » et « Heat of the Night », les deux dernières étant les seuls titres en anglais du CD. Même si l’ensemble demeure à tendance latine, les nombreuses explorations techno et euro pop donnent une direction plus pop internationale à l’album en plus d’offrir quelques gros succès potentiels. Par contre, Paulina demeure assurément à son meilleur lorsqu’elle propose ce qu’elle fait de mieux, soit une musique latine aux rythmes dansants.

Vidéoclip : « Me Gustas Tanto »

Alexandra Stan est une jeune chanteuse roumaine qui a conquis la planète en 2011 avec son incontournable succès radio « Mr. Saxobeat ». Elle nous présente ici son premier album contenant 8 morceaux originaux, incluant évidemment « Mr. Saxobeat », mais aussi son tout premier simple, « Lollipop (Param Pam Pam) », et « Get Back (ASAP) ». À ces 8 titres, on ajoute 5 remix de ses 3 succès, donc on peut dire qu’il s’agit en réalité d’un mini-album en version plus musclée. Saxobeats présente une musique pop dansante qui fera le bonheur autant des DJ que des oiseaux de nuit sur les planchers de danse.

Vidéoclips : « Lollipop (Param Pam Pam) » - « Mr. Saxobeat » - « Get Back (ASAP) » - « 1,000,000 »

Kate Bush nous présente son premier album de matériel original depuis le disque double Aerial paru en 2005. Mais surtout, il s’agit seulement de son 2e album depuis The Red Shoes lancé en 1993 et accueilli froidement par la critique. Véritable perfectionniste en studio, Kate aime prendre son temps pour nous offrir un album à la hauteur de nos attentes. Et elle semble frapper dans le mille avec ce nouvel enregistrement pour accompagner vos froides soirées d’hiver. Elle nous offre seulement 7 titres s’étirant sur plus de 65 minutes. On retrouve plusieurs longues pièces sirupeuses et spatiales qui demandent absolument un grand effort d’écoute. Il faut vraiment se laisser imprégner par cette atmosphère particulière, et lorsqu’on y arrive, on peut enfin réaliser à quel point Kate nous présente un album de grande qualité. Par contre, elle risque fort d’en endormir plusieurs, puisqu’il y a bien peu de contenu entraînant ou à tendance un peu plus pop sur cet album. Les chansons sont centrées autour du thème de l’hiver et l’accompagnement se limite au piano et à une batterie très discrète. Quelques arrangements minimaux viennent quelque peu ajouter de l’envergure à l’ensemble, mais le son demeure essentiellement discret, tout en douceur. Kate nous présente un duo avec Elton John sur « Snowed in at Wheeler Street » et il s’agit assurément de l’un des moments forts du disque. Pour le reste de l’album, soit vous adorerez, soit vous aurez de la difficulté à vous rendre à la fin sans somnoler. Mais dans tous les cas, Kate Bush réussit à nous offrir un disque solide d’un point de vue artistique.

Chronique à venir le 8 février.

Chronique à venir le 15 février.

Chronique à venir le 15 février.

Marketa Irglova est une musicienne tchèque qui s’est fait découvrir dès l’âge de 13 ans par Glen Hansard de The Frames. Ils allaient enregistrer plus tard un album ensemble sous le nom de The Swell Season, un album éponyme lancé en 2006. Ils ont ensuite attiré l’attention de la planète en participant au film Once qui s’est mérité un Oscar, un film de John Carney, un ancien bassiste de The Frames. En plus d’enregistrer un autre album avec The Swell Season en 2009, Strict Joy, Marketa chante au sein d’Iron and Wine. Avec Anar, elle fait donc ses débuts en solo. L’auteure-compositeure-interprète nous présente 12 chansons dominées par le piano et sa voix. L’ensemble demeure dans la ballade adulte contemporaine, ce qui peut créer une atmosphère intéressante, mais peut aussi être franchement ennuyant après un certain temps. Les arrangements sont minimalistes et l’album demeurera introspectif jusqu’à la fin. Même s’il est plaisant de découvrir Marketa Irglova sans entendre Hansard à ses côtés, celui-ci semble lui manquer dramatiquement, du moins d’un point de vue musical. L’album manque d’envergure, de caractère. Le talent est là, mais il semble qu’un coup de pouce pour les compositions ne pourrait que mieux la servir et peut-être la faire sortir de sa coquille.

Vidéoclip : « Crossroads »

Fille du violoniste Jean-Luc Ponty, Clara Ponty a grandi dans un milieu musical entre Paris et Los Angeles. Pianiste new age, elle a présenté auparavant 4 albums essentiellement instrumentaux. Pour ce 5e disque, elle nous offre 11 titres originaux dont 9 chantés, incluant une chanson en français, « Ses racines sur la route ». Musicalement, Clara évolue dans une direction un peu plus pop à tendance jazz et soul. Réalisé par Stuart Bruce (Roy Orbison, Stevie Wonder, Barry White, Bob Marley), Into the Light est un album raffiné et séduisant sur lequel on découvre une auteure-compositeure de talent. Elle s’entoure en plus d’invités prestigieux en Vincent Segal, Nigel Kennedy, Stéphane Guillaume et son père. Ce nouvel album de Clara Ponty, sans rien révolutionner, s’adresse à un auditoire amateur de pop adulte toute en douceur et risque d’en séduire plus d’un.

Chronique à venir le 8 février.

La scène rock de Los Angeles était complètement axée sur l’apparence dans les années 1980, ce qui fait que certains groupes rock ‘n’ roll ont été mis en marge du reste de l’industrie. C’est le cas pour The Hangmen qui ont pourtant émergé en 1986, une période où le hard rock dominait les palmarès. Leur attitude un peu plus punk et leur refus à entrer dans la vague maquillage et coiffures spectaculaires les a automatiquement éjectés de la manne que constituait la scène de Los Angeles à cette époque. Ils ont donc roulé leur bosse pendant toutes ces années dans des petits bars miteux à jouer bien souvent pour leurs amis et une poignée de fans inconditionnels. Ils ont tout de même produit quelques très bonnes chansons au cours de toutes ces années et on retrouve les 15 meilleures sur cette compilation ultime. Parmi ces 15 titres, notons 3 pièces de l’album In the City paru en 2007 qui a été réalisé par Mike Ness de Social Distortion. Notons aussi la présence de Eddie Spaghetti (Supersuckers) sur « Coal Mine ». En boni, on retrouve 3 démos de 1985-86 jamais parus auparavant. Ces 3 pièces inédites ont été réalisées par le chanteur-guitariste et compositeur Bryan Small avec la collaboration de Keith Morris de Circle Jerks. Voici donc l’album idéal pour découvrir ce très bon groupe de rock ‘n’ roll, qui est malheureusement trop longtemps demeuré dans l’ombre.

Vidéoclip : « Wild Beast »