L’Harmonie des saisons dirigée par Eric Milnes nous présente cinq concertos de Johann Sebastian Bach. En compagnie des solistes Julia Wedman (violon), Jessy Dubé (violon), Matthew Jennejohn (hautbois d’amour et hautbois) et Eric Milnes (clavecin), on peut redécouvrir les concertos BWV 1043 (2 violons), 1055R (hautbois d’amour), 1041 (violon), 1054 (clavecin) et 1060R (hautbois), cinq très belles œuvres du répertoire de Bach et parmi ses plus connues. L’interprétation unique de l’Harmonie des saisons, sur instruments d’époque, donne une dimension traditionnelle à ces concertos de Bach souvent entendus. Un excellent disque!

Paul Marleyn (violoncelle) et Stéphane Lemelin (piano) explorent la musique de trois compositeurs romantiques français : Édouard Lalo (1823-1892), Paul Lacombe (1837-1927) et Fernand de La Tombelle (1854-1928). L’album contient une sonate pour chacun des compositeurs. Composée en 1856, la « Sonate pour piano et violoncelle en la mineur » de Lalo est dédiée au célèbre pianiste et compositeur russe Anton Rubinstein. La méconnue « Sonate pour piano et violoncelle, op. 100 » de Lacombe a été composée en 1902 et dédiée à Jules Loeb, professeur au Conservatoire de Paris. Quant à la mélodique « Sonate pour piano et violoncelle en ré mineur » de La Tombelle, elle a été composée en 1905. Voici un très beau disque pour les amateurs de sonates romantiques.

À la surprise de tous, et de lui-même, Éric Blanchard revient avec un deuxième album de Rick et les Bons Moments. Le réalisateur et multi-instrumentiste, connu pour son travail avec Pépé, Mordicus, Les Chercheurs d’or et Raton Lover, était pourtant prêt à prendre sa retraite, à 52 ans, fatigué de la tournée et bien installé dans son nouveau chez-soi à Sainte-Rita dans le Bas-Saint-Laurent. Mais le plaisir qu’il a eu sur scène à présenter le premier album de Rick et les Bons Moments et un élan de créativité lui ont donné le goût de rassembler son groupe pour un nouvel essai. Il n’aura fallu que quatre jours en studio pour pondre ce nouvel opus de 10 pièces d’une grande efficacité. Plus énergique que le premier, Sainte-Rita propose des chansons simples qui racontent ce que vit et observe Rick depuis quelques années, notamment dans les deux premiers extraits, la chanson-titre et « Paddleboard ». L’album présente de bonnes pièces pop rock, avec un soupçon de folk et de country, des pièces sur mesure pour les radios. Voici donc une très belle surprise de la part de ce musicien de grande expérience!

Vidéoclips : « Sainte-Rita » - « Paddleboard »

Six ans après Lemonade, Beyoncé est de retour avec le premier album d’une trilogie, transporté par le premier extrait, « Break My Soul ». Renaissance débute avec une introduction lente et unique, « I’m That Girl », avant de prendre du rythme pour devenir un très bel enchaînement R&B aux influences house et disco. Si « Break My Soul » est assurément l’extrait idéal, parfait pour les radios, plusieurs des pièces du disque ont aussi un excellent potentiel commercial, en plus de s’emboîter magnifiquement pendant plus d’une heure. Voici un album sans aucune ballade et d’une grande originalité, sûrement l’un des meilleurs albums R&B de l’année. (août 2022)

Vidéoclip : « Break My Soul »

L’Acadien Laurie LeBlanc s’est beaucoup ennuyé de pouvoir festoyer en famille pendant la pandémie. Il présente donc aujourd’hui un album entièrement dédié aux plaisirs estivaux. L’artiste country explore en effet tous les aspects de la fête en été, du cocktail à la plage, en passant par le barbecue, le soleil et les vacances. Il rend même hommage aux Beach Boys. LeBlanc présente un album bilingue de 12 pièces, à moitié en français et à moitié en anglais. La chanson-titre se retrouve dans les deux langues. C’est un album positif, sur mesure pour faire la fête! Et selon ses propres dires, ce serait son dernier en carrière… (août 2022)

Après des années à naviguer dans l’univers pop qui peut s’avérer parfois (souvent) insipide, Demi Lovato prend un virage pop punk sur Holy Fvck. Le résultat est concluant alors qu’elle nous propose son album le plus authentique à ce jour, et peut-être son plus solide en carrière. Les riffs agressifs sont convaincants et Demi semble véritablement fâchée, pas seulement pour les apparences, abordant les thèmes de la mortalité, des traumatismes et des dépendances. « Freak » (avec Yungblud), « Skin of My Teeth » et « Substance » vous convaincront rapidement, ainsi que la particulièrement lourde, presque métal, « Eat Me » (avec Royal & the Serpent). Quant à la chanson-titre mid-tempo, elle n’est pas moins agressive dans ses propos. La deuxième moitié contient un peu plus de ballades rock puissantes, mais toujours avec une bonne dose d’agressivité. Demi rappelle inévitablement P!nk, les moments les plus punks d’Avril Lavigne, et même Courtney Love dans ses moments de rage les plus intenses. Avec Holy Fvck, Demi Lovato vient s’insérer parfaitement dans le nouveau mouvement pop punk du début des années 2020, avec Yungblud notamment. Il reste à voir ce qu’elle nous réserve pour la suite. Reviendra-t-elle à un son pop rock plus radiophonique ou continuera-t-elle à nous cracher toute sa rage au visage, sans compromis? (août 2022)

Vidéoclips : « Skin of My Teeth » - « Substance »

Après quatre ans d’absence, le groupe de Las Vegas est de retour avec Viva Las Vengeance. Pour ce septième album de Panic! At the Disco, Brendon Urie nous arrive avec un véritable hommage au rock ‘n’ roll dans un enregistrement extrêmement agréable et divertissant tout au long des 12 pièces. Il navigue allègrement entre le pop punk, l’emo et le rock dansant, avec des envolées vocales dignes de Broadway. Mais surtout, la musique demeure comparable aux plus grands hymnes rock, de Queen à Cheap Trick. Pourtant, malgré des arrangements qui semblent grandioses, Urie a pratiquement tout enregistré directement, sans retravailler quoi que ce soit, du moins pas à cette étape. Sachant cela, le résultat s’avère encore plus intéressant et rappelle la belle époque de la musique authentique sur vinyle. Les influences des années 1970 se font d’ailleurs sentir en plusieurs occasions : Elvis Costello sur « Middle of a Breakup », AC/DC sur « Sugar Soaker », Thin Lizzy sur « Star Spangled Banger », ainsi que les Ramones à l’ouverture de la chanson-titre. Voici un album solide encore une fois pour Panic! At the Disco, un disque qui prend des allures d’album-concept tellement les pièces s’enchaînent à merveille, pour 44 minutes qui passent à vitesse grand V. (août 2022)

Vidéoclips : « Viva Las Vengeance » - « Don’t Let the Light Go Out » - « Sad Clown » - « Sugar Soaker »

Forestare est un ensemble de guitares canadien fondé il y a 20 ans. Il est composé de 12 guitares et d’une contrebasse et a créé le plus grand répertoire de musique pour orchestre de guitares au monde depuis sa formation. Sur Douze guitares à Paris, Forestare propose un hommage à la musique française, intégrant des œuvres des maîtres Claude Debussy (« Suite bergamasque ») et Maurice Ravel (« Ma mère l’Oye »), mais aussi des compositions des guitaristes contemporains Roland Dyens et Arnaud Dumond. Pascal Germain-Berardi agit à titre de chef invité et directeur musical et contribue à mettre en valeur ces interprétations uniques. Avis aux amateurs de guitare classique, Douze guitares à Paris vous en mettra plein les oreilles. (juillet 2022)

Dès son plus jeune âge, George Harrison écoutait de la musique indienne avec sa mère. Il a su propager sa passion pour l’Inde à ses partenaires des Beatles et ils se sont rendus là-bas en 1968 en compagnie de leurs épouses et une vingtaine d’amis, pour un drôle de pèlerinage dans le but de s’imprégner de la culture et méditer. C’est ce périple qui est raconté dans le film The Beatles and India, dirigé par Ajoy Bose, un adolescent rebelle de Calcutta au moment où les Beatles étaient de passage. Ce voyage à Rishikesh, incluant leur rencontre avec le Maharishi Mahesh Yogi (concepteur de la méditation transcendantale), a grandement influencé le groupe, ce qui transparaît sur le double album The Beatles (The White Album). Le film trace un bon portrait de ce périple en Inde des Beatles. Malheureusement, on n’y retrouve aucune musique du groupe, mais plutôt des reprises par Benji Merrison et des pièces inspirées des Beatles. (juillet 2022)

Le duo de l’Ohio nous arrive déjà avec un nouvel album, un an après Delta Kream qui reprenait des classiques du blues. Dan Auerbach et Patrick Carney reviennent avec 10 chansons courtes et efficaces dans le style blues garage qui les a fait connaître, avec des éléments de boogie, de soul et de rock psychédélique. Billy F. Gibbons (ZZ Top) vient ajouter sa touche unique à « Good Love », alors que Greg Cartwright de Reigning Sound et Angelo Petraglia de Kings of Leon viennent donner vie à « Wild Child » en introduction au disque. Toutes les pièces sont intéressantes et, à part pour la ballade « How Long », l’ensemble demeure entraînant jusqu’à la fin. Voici donc encore une fois un enregistrement solide de la part des Black Keys. (juin 2022)

Vidéoclip : « Wild Child »

Le multi-instrumentiste colombien-montréalais Ramon Chicharron présente son quatrième album en carrière avec Destello de estrellas (étincelles d’étoiles). Il propose 12 pièces latines, dansantes et ensoleillées, toutes dans sa langue maternelle. Chicharron mélange des rythmes latins et caribéens avec des sonorités électroniques, à l’image des trois premiers extraits : « Contigo Escapar » (avec Natasha Kanapé Fontaine), « Estrellas », ainsi que « Yerbatero » (avec Elkin Robinson). Les collaborateurs incluent également Cruzito, Boogat, Poirier et Ephniko. Voici un très bon album pour les amateurs de musique électro-tropicale. (juin 2022)

Florence Welch est de retour avec son cinquième album, après une absence de quatre ans. D’après son titre, on peut s’attendre à ce que Dance Fever nous offre des pièces dansantes et énergiques, mais il n’en est rien. Il s’agit plutôt d’un album pur et introspectif avec de très jolies compositions presque spirituelles. On retrouve tout de même quelques bonnes pièces pop entraînantes, notamment « Free » et « My Love ». Cependant, « Choreomania » et « Cassandra » reviennent à des textes parlés confessionnels et des orgues d’églises, pour des chansons beaucoup plus douces. L’ensemble offre une belle cohérence et demeure agréable sur toute la longueur, pour possiblement le meilleur album de Florence + the Machine en 10 ans. (juin 2022)

La chanteuse jazz Laura Anglade et le guitariste montréalais Sam Kirmayer s’assemblent pour nous offrir des relectures de certaines des plus grandes chansons françaises. Accompagné de l’accordéoniste new yorkais Benjamin Rosenblum pour deux chansons, le duo présente des versions jazz de grandes chansons d’artistes comme Maurice Chevalier, Boris Vian, Édith Piaf, Charles Aznavour, Barbara, Jacques Brel, etc. L’album se veut d’abord un hommage à l’identité française de Laura, qui est originaire d’un petit village du sud de la France, même si elle a grandi au Connecticut. Grâce à sa très belle et unique voix, Laura Anglade présente des versions élégantes de ces classiques de la chanson française. (mai 2022)

Cinq ans après le décevant Everything Now, le groupe montréalais est de retour avec son sixième album. Arcade Fire réussit à retrouver ses repères sur WE, avec un album émotif grandement influencé par la pandémie, mais qui contient aussi de très bons moments de divertissement (« Age of Anxiety II (Rabbit Hole) », « The Lightning II »). Notons aussi la présence d’un collaborateur de renom en Peter Gabriel qui accompagne le groupe sur « Unconditional II (Race and Religion) » (une pièce qui place Régine Chassagne à l’avant-plan). La première moitié du disque, composée des suites « Age of Anxiety » et « End of the Empire », est un peu plus personnelle, alors que l’on retrouve leur travail de groupe qui aime avoir du plaisir ensemble dans la deuxième moitié, avec les suites « The Lightning » et « Unconditional ». Cette deuxième moitié nous ramène inévitablement aux sonorités de Funeral et Neon Bible. L'album se termine par la douce chanson titre acoustique. La réalisation de Nigel Godrich, Win Butler et Régine Chassagne s’avère plutôt réussie, ce qui nous réconcilie avec leur passé, même si l’album contient encore des inégalités parmi les 10 pistes. (mai 2022)

Vidéoclips : « The Lightning I, II » - « Unconditional I (Lookout Kid) »

Avec Fables, le pianiste canadien Philip Chiu présente un album solo sur lequel il associe deux transcriptions pour piano de la musique de Maurice Ravel (1875-1937) à « Mnidoonskaa » (« Une multitude d'insectes »), une œuvre de 2021 de la compositrice anishinaabekwe Barbara Assiginaak. De Ravel, on peut redécouvrir le « Quatuor à cordes en fa majeur » qui remonte à 1903 (une transcription du « Quatuor pour piano seul » de Lucien Garban publiée en 1921), ainsi que « Ma mère l’Oye : cinq pièces enfantines », une version pour piano solo de Jacques Charlot publiée en 1910. Pour les amateurs de piano solo, Philip Chiu est un maître qui offre de très belles interprétations. (mai 2022)

Voici le premier enregistrement de l’ensemble I Musici de Montréal pour ATMA Classique, ainsi que leur premier enregistrement en 10 ans. On peut y découvrir l’œuvre en réponse à la dévastation de la Seconde Guerre mondiale, « Métamorphoses : Étude pour 23 instruments à cordes, TrV 290 », du compositeur allemand Richard Strauss (1864-1949), ainsi que la très belle « Symphonie No 4, Los Angeles » du compositeur estonien Arvo Pärt (1935-…). Pärt décrit sa symphonie comme « un salut à la grande puissance de l'esprit humain et de la dignité humaine ». Dirigé par Jean-Marie Zeitouni, l’orchestre de chambre a enregistré les deux œuvres à plusieurs mois d’intervalle dû à la pandémie mondiale. Elles réussissent à toucher profondément les auditeurs avec leurs hommages à la beauté et leurs messages d'espoir intemporels. Le tout est interprété de main de maître par un orchestre de près de 40 ans d’expérience et de grand talent, pour un superbe album! (mai 2022)

Deux ans après nous avoir donné l’album anglophone Fly, Sébastien Lacombe revient en français sur Le chemin des possibles, son sixième album. Il propose une musique lumineuse, la quête d’un monde meilleur sur une musique riche et orchestrale qui alterne avec des moments acoustiques plus intimistes. Le disque a été écrit entre Paris et Montréal, un voyage musical à travers la vie humaine. Enregistré à Montréal, Le chemin des possibles a été coréalisé par Lacombe et Olaf Gundel, sous la direction artistique d’Erik West Millette. Il s’agit de son album le plus personnel à ce jour avec comme toile de fond la pandémie, mais surtout le cancer de son grand frère Stéphane pour qui il est devenu proche aidant jusqu’à son décès. Plusieurs textes traitent d’ailleurs directement de cette perte : « Bats-toi encore », « Nous les vivants » et « Les étoiles ». Les moments forts de l’album résident dans les pièces les plus énergiques comme « La vallée des fantômes » et « Tout est parfait », la pièce centrale du disque qui a été complètement réécrite à la fin du processus. (mai 2022)

Sur Because You Loved Me, la chanteuse jazz Ranee Lee s’attaque au répertoire de Céline Dion, réinterprétant certains de ses plus grands succès. Elle reprend ces immenses succès de la musique pop dans un style bien différent, souvent une reconstruction complète de l’original alors que même la mélodie se perd à travers l’ensemble jazz quelque peu funky. Pour l’aider dans sa mission de faire revivre les chansons de Céline, Ranee s’est tournée vers son fidèle collaborateur, le pianiste et réalisateur Taurey Butler, qui a travaillé sur de nouveaux arrangements. Cependant, il y avait un manque important sur cet album puisqu’il s’agissait de son premier enregistrement sans son mari, le guitariste Richard Ring, décédé d’un cancer en 2018. Ranee présente les succès « My Heart Will Go On », « I’m Alive », « All By Myself », « The Power of Love », ainsi que la chanson-titre. Mais elle propose aussi un medley de « House of the Rising Sun / Je crois », en plus de « Nature Boy », popularisée par Nat King Cole, une des chansons préférées à la fois de Ranee et de Céline. Grâce à certaines improvisations jazz, l’album de neuf pièces s’étend tout de même sur 55 minutes. Il propose une façon totalement différente de redécouvrir les plus grands succès de Céline Dion. (mai 2022)

La Torontoise Lydia Persaud présente son deuxième album, trois ans après Let Me Show You. L’auteure-compositrice et interprète démontre tout son talent sur Moody31, avec un jazz groovy et des sonorités qui rappellent la musique soul des années 1970. Le ton et la sonorité de « Let Me Be There For You » et « Think of Me » font même référence grâce à un clin d’œil subtil à « Here My Dear », un classique de Marvin Gaye. Réalisé par Scott McCannell (qui joue aussi la basse), l’album met en vedette certains des meilleurs musiciens de la scène torontoise : Christine Bougie (guitare), Chino de Villa (percussions et batterie), Ben McDonald (claviers et chœurs), Kyla Charter (chœurs) et James Baley (chœurs). Le ukulélé de Lydia fait également partie intégrante de Moody31. En plus des grooves efficaces, les mélodies sont sublimes et les huit chansons présentent des histoires personnelles uniques à Lydia qu’elle interprète de sa très belle voix sensuelle. Le seul problème du disque, c’est qu’à seulement 20 minutes, il s’agit plutôt d’un mini-album qui aurait dû être présenté comme tel, pour éviter une certaine frustration en bout de ligne. (mai 2022)

La jeune chanteuse norvégienne revient avec son deuxième album, trois ans après Sucker Punch. Sigrid gagne en maturité et présente un disque encore plus solide que son précédent, grâce à des compositions de grande qualité qui s’avèrent en plus rafraîchissantes. Elle propose des chansons pop dansantes positives, ainsi que des ballades mid-tempo aux arrangements grandioses. « Risk of Getting Hurt » présente un croisement entre Sia et Natasha Bedingfield, pendant que la guitare dans « It Gets Dark » en ouverture rappelle KT Tunstall. Quant à l’acoustique « Grow », elle nous transporte dans le territoire de Coldplay. Finalement, avec « Bad Life », Sigrid se permet même un duo avec Oli Sykes de Bring Me the Horizon. How to Let Go s’avère être un album extrêmement efficace qui fera certainement la fierté de Sigrid pour plusieurs années à venir. (mai 2022)

Vidéoclips : « Mirror » - « Burning Bridges » - « It Gets Dark » - « Bad Life »

La flûtiste Ariane Brisson et le pianiste Olivier Hébert-Bouchard présentent Mythes, un album de transcriptions pour flûte traversière et piano d'œuvres de Claude Debussy (1862-1918), Leoš Janáček (1854-1928), Maurice Ravel (1875-1937), Ralph Vaughan Williams (1872-1958) et Karol Szymanowski (1882-1937). Toutes les transcriptions ont été réalisées par Ariane Brisson. Inspiré du monde magique et mythique des farfadets et des fées, l’album comprend le « Prélude à l'après-midi d'un faune » de Debussy dans un arrangement de Gustave Samazeuilh, « Pohadka » de Janáček (Un conte de fées) et la « Sonatine pour piano » de Ravel. On retrouve en plus « Lark Ascending » de Vaughan Williams (en ouverture) et « Mythes pour violon et piano, op. 30 » de Szymanowski (en conclusion). Les interprétations d’Ariane sont exceptionnelles, alors qu’elle est parfaitement accompagnée au piano par Hébert-Bouchard. Il en résulte un album léger et agréable; simplement magique, voire mythique. (mai 2022)

Sur Transfiguration, le trio formé de Stéphane Tétreault (violoncelle), Valérie Milot (harpe) et Bernard Riche (batterie) nous propose des réinterprétations de pièces contemporaines, sauf pour un extrait du Carnaval des animaux de Camille Saint-Saëns (1835-1921), « XVIII : Le Cygne », arrangé pour violoncelle et harpe. On peut y découvrir des œuvres très cinématographiques de Alexandre Grogg, François Vallières, Marjan Mozetich, Caroline Lizotte et Kelly-Marie Murphy. On peut également redécouvrir « Cogs in Cogs » du groupe de rock progressif anglais Gentle Giant en conclusion du disque. Voici un album très agréable du début à la fin! (mai 2022)

Le groupe anglais Ibibio Sound Machine est de retour avec son quatrième album. Electricity propose à nouveau un heureux mélange de funk et disco ouest-africain avec des rythmes électroniques parfois pop, mais souvent plus underground que par le passé. Le collectif afro-futuriste a demandé pour la première fois l’aide de réalisateurs extérieurs en Hot Chip (Al Doyle et Joe Goddard) qui ont permis de réorienter quelque peu leur style vers une musique électro / new wave à la Kraftwerk. La première pièce, « Protection From Evil » en donne d’ailleurs un très bon aperçu. La chanteuse Eno Williams y alterne entre sa langue maternelle (le ibibio) et l’anglais, et ce sera le cas tout au long du disque. La chanson-titre inclut des voix robotisées et des batteries électroniques, mais avec une mélodie pop-soul. Quant à « Afo Ken Doko Mien », il s’agit d’une magnifique chanson d’amour sur une texture électro ambiante. « All That You Want » peut rappeler LCD Soundsystem par l’ambiance des synthétiseurs, mais se transforme rapidement en musique disco électro européenne. Finalement, « Something We’ll Remember » est un hymne disco incontournable, parfait pour les planchers de danse. En somme, Electricity présente un superbe mélange de musique dansante énergique, de créativité et de cultures diverses. L’ensemble est à la fois varié et cohérent, accessible et underground. Voici donc un album très original de la part d’Ibibio Sound Machine, certainement leur meilleur à ce jour. (avril 2022)

Vidéoclips : « Electricity » - « Protection From Evil »

La musicienne accomplie Mélisande McNabney présente son nouvel album, Fantasias, interprété sur un pianoforte fabriqué en 2019 par Rodney Regier, d'après un instrument du facteur viennois du 18e siècle Anton Walter. L’album inclut des œuvres de J. S. Bach, C. P. E. Bach, Mozart et Koželuch, ainsi que deux improvisations de Mélisande d'après Carl Philipp Emanuel Bach (« Première improvisation : exercices sur la gamme et modulation » et « Seconde improvisation : fantaisie libre et modulation »). Mélisande fait preuve de tout son esprit créatif dans ces improvisations, en plus de montrer sa sensibilité. Voici un rare album entièrement au pianoforte, mais avec un résultat plus qu’intéressant. (avril 2022)

Après 30 ans de carrière, le groupe anglais nous arrive avec son neuvième album. Si And Nothing Hurt en 2018 présentait un mélange un peu psychédélique de blues et de gospel, Everything Was Beautiful revient à un rock alternatif un peu plus standard, bien que les chansons aient été créées à la même période. On y trouve évidemment toujours de nombreux éléments d’une grande créativité, dans des pièces longues qui avoisinent souvent les six minutes (jusqu’à 10 minutes avec la conclusion, « I’m Coming Home Again »). Pourtant, malgré la longueur des sept pièces, elles s’écoutent à merveille et passent à la vitesse de l’éclair, pour un album très agréable. Le groupe demeure extrêmement original et fait de nombreux essais. Il prend même une tangente country inattendue avec « Crazy », l’un des rares moments intimistes du disque. Mais le moment fort de l’album demeure la pièce d’ouverture, « Always Together With You », un hymne rock de grande envergure aux influences glam rock des années 1970. Avec Everything Was Beautiful, Spiritualized nous offre possiblement son album le plus solide en 25 ans, soit depuis l’excellent Ladies and Gentlemen… We Are Floating in Space. (avril 2022)

Le violoniste virtuose Philippe Dunnigan présente son nouvel album, Ensemble. Dunnigan, qui a 30 ans de carrière sur la scène musicale québécoise, est le violon-solo de l’orchestre de Céline Dion depuis plus d’une décennie. Pour Ensemble, il s’est entouré de certains des meilleurs musiciens, incluant Scott Price au piano et le Quatuor Philippe Dunnigan (avec Madeleine Messier au violon, Ligia Paquin à l’alto et Christine Giguère au violoncelle). L’album présente des compositions de Fannie Gaudette, René Dupéré, François Dompierre, Michel Legrand, FM LeSieur et plusieurs autres. Le disque de neuf titres s’avère très efficace dans tout son ensemble. (mars 2022)

Le groupe québécois nous arrive avec un premier album de chansons originales en 10 ans, un an après le mini-album Again, Pt. 1 qui rendait hommage à certains de leurs artistes préférés. Les frères Ivan et Colin Doruschuk, complétés depuis 2016 par le guitariste Sho Murray, explorent des thèmes très variés sur Again, Pt. 2 : l’état de la planète (« If the World Should End Today », « The Human Race »), le sens de la vie (« Just Another Day », « Where the Wild Go »), l’état de l’art (« Heaven », « My Own Advice »), et bien sûr l’amour (« The Love Inside Your Heart », « When Does Love Begin »). Musicalement, le trio nous propose toujours son son électro-pop complètement axé sur les synthétiseurs. Le mélange numérique et analogique joint le présent à leurs belles années. Ils ont même utilisé le synthétiseur Prophet 5, utilisé à l’époque pour l’enregistrement de « The Safety Dance », leur plus grand succès en carrière. Le seul problème est qu’au début des années 1980, Men Without Hats faisaient partie des innovateurs avec leur son électronique, mais qu’aujourd’hui ils sonnent plutôt vieillots. On retrouve tout de même de bonnes chansons entraînantes aux mélodies inoubliables. Notons que 2022 représente le 40e anniversaire de leur premier album, Rhythm of Youth. (mars 2022)

C’est seulement un an après la sortie d’Ignorance que Tamara Lindeman est de retour avec un nouvel album. How Is It That I Should Look at the Stars se veut complémentaire au disque précédent, alors que les chansons ont été écrites au même moment, dans la même émotion et que les thèmes se recoupent : conflit, déconnexion, amour, oiseaux et climat. Ce nouvel album a été enregistré en seulement trois jours et il en résulte un tout intimiste avec énormément de silences, peut-être un peu trop. L’album extrêmement calme regroupe 10 ballades sur 32 minutes et laisse toute la place aux textes simples et naïfs. Il permet donc d’apprécier la pureté des compositions de Tamara. L’album a été fait sans avis aux compagnies de disques et en réunissant un nouveau groupe de musiciens (majoritairement de la scène jazz et d’improvisation de Toronto), sans batterie ni percussions. Les musiciens improvisaient en studio pour accompagner Tamara au piano. Voici donc un album spontané, d’une immense sensibilité et d’une douceur absolue, qui plaira aux amateurs de musique intimiste. (mars 2022)

La soprano acadienne Suzie LeBlanc s’est entourée de Ellen Torrie (soprano et guitare), Marie Nadeau-Tremblay (violon baroque), Vincent Lauzer (flûte à bec) et Sylvain Bergeron (guitare baroque et archiluth) pour nous offrir des chants traditionnels acadiens et airs de cour du XVIIe siècle. Il s’agit de son quatrième album de chansons traditionnelles acadiennes et elles vont du sérieux au comique. La majorité de ces chansons viennent de France, mais elles n’ont pas de frontières. Et on peut facilement faire des parallèles entre les chansons acadiennes et les airs de cour. (mars 2022)

Sur cet album mettant en vedette le violon alto, l’altiste Marina Thibeault et l’Orchestre de l’Agora, dirigé par Nicolas Ellis, présentent deux concertos classiques, ainsi que deux œuvres pour alto solo (« Ningodwaaswi » et « Niizh ») de Melody McKiver, de la nation autochtone anichinabée. Le disque inclut le premier concerto pour alto de l’histoire, le « Concerto pour alto et orchestre en sol majeur TWV 51:G9 » de Georg Philip Telemann (1681-1767). On peut également y découvrir l’un des plus récents, le « Concerto pour alto » de Peteris Vasks (1946-…). À noter que les deux œuvres solos de Melody McKiver sont tirées de l’œuvre Reckoning, dédiée à la mémoire de la grand-mère de la compositrice, une survivante des pensionnats autochtones. Voici un très bel album pour tout amateur d’alto, très agréable! (mars 2022)

Lors de cet enregistrement en concert au Dièse Onze à Montréal le 26 juin 2021, le pianiste Parisien Jean-Michel Pilc a démontré plus que jamais la puissance de la spontanéité et de l’improvisation dans la musique jazz. Avec ses comparses Rémi-Jean LeBlanc à la basse et Jim Doxas à la batterie, Pilc a improvisé pendant plus de deux heures et ce n’est que la première partie qu’on retrouve sur cet album. On peut y entendre cinq pièces : deux compositions personnelles (« 11 Sharp » et « Alive »), « Softly As in a Morning Sunrise » composée par Oscar Hammerstein II et Sigmund Romerg pour l’opérette New Moon en 1928, ainsi que deux classiques de Miles Davis (« Nardis » et « All Blues). Les sept autres pièces du spectacle sont également disponibles en version électronique seulement. On peut y découvrir notamment une version explosive de « Freedom Jazz » d’Eddie Harris, les standards « Someday My Prince Will Come » et « My Funny Valentine », ainsi qu’une très inattendue version de « Eleanor Rigby » des Beatles. Le tout se conclut avec la très efficace « Mr. P.C. » de John Coltrane, presque 14 minutes à tendance latine. Le CD vous semblera incomplet avec seulement les cinq premières pièces, mais l’ensemble disponible en ligne s’avère très satisfaisant avec deux heures et 15 minutes d’excellente musique jazz. (mars 2022)

Avec Aubades, Jean-Michel Blais fait la transition de pianiste à compositeur pour un ensemble. Inspiré de la Renaissance et du Moyen-Âge, Blais propose une musique symphonique qui va bien au-delà de ses œuvres précédentes rendant hommage au piano. Suite au confinement de mars 2020, il s’est isolé dans une création improvisatrice qui a débouché sur plus de 500 différentes improvisations transformées en 11 compositions. Pour l’orchestration, Blais a eu la chance de collaborer avec Alex Weston, originaire de Brooklyn, ex-assistant de Phillip Glass pendant plus de sept ans. Le tout est interprété par un ensemble de 12 musiciens, dirigé par Nicolas Ellis, assistant de Yannick Nézet-Séguin à l’Orchestre Métropolitain. Toute la musique a été enregistrée avec des microphones rapprochés, une pratique qui tient davantage de la musique pop et contraste avec la tradition classique par une atmosphère plus intime, moins distante. Voici assurément l’album le plus accompli de Jean-Michel Blais, un album qui risque fort de devenir une référence dans le style néoclassique. (février 2022)

L’auteur-compositeur et interprète québécois revient avec son troisième album. Geoffroy avait déjà lancé un premier extrait au début de l’été dernier (« Cold World »), avant de revenir en octobre avec « Strangers on a Train » et « Life as It Comes ». L’album nous plonge dans un univers introspectif, plus mature et réfléchi, inspiré d’artistes comme Ry Cooder, Paul Simon, Nick Drake et Jeff Buckley. Sur Live Slow, Die Wise l’approche à l’écriture de Geoffroy est plus contemplative et philosophique. Écrit et composé pendant le confinement de 2020, l’album a pris forme au début de 2021 grâce à la coréalisation de Louis-Jean Cormier. Geoffroy y renoue avec la guitare acoustique en solo, redécouvrant le plaisir d’une instrumentation organique, enregistrée en direct. Malheureusement, l’album prend des allures de mini-album avec seulement sept titres pour un total de moins de 26 minutes. (février 2022)

Vidéoclips : « Cold World » - « Strangers on a Train » - « Life as It Comes »

Ce nouvel album du Quatuor Saguenay (anciennement Quatuor Alcan) présente pour la première fois Marie Bégin en tant que premier violon. Elle apporte un vent de fraîcheur au Quatuor et aux œuvres de Félix Mendelssohn (1809-1847) et Maurice Ravel (1875-1937). En plus du « Quatuor à cordes en mi mineur, op. 44 no 2 » de Mendelssohn et du « Quatuor à cordes en fa majeur » de Ravel, on peut découvrir « Federico II », le premier mouvement d’inspiration folklorique du cycle Viaggio in Italia de Giovanni Sollima (1962-…), une œuvre qui date de 2000. Le Quatuor Saguenay fête ses 33 ans de belle façon avec ce nouveau disque, qui cadre parfaitement dans la tradition d’excellence du groupe qui a maintenant une trentaine d’enregistrements à son actif. Voici un excellent disque de musique de chambre de la part de cet incomparable quatuor de chez-nous. (février 2022)

Le groupe traditionnel Le Vent du Nord fête ses 20 ans cette année et c’est avec un nouvel album, intitulé 20 printemps, qu’il souligne le tout. Le groupe, qui est reconnu à travers le monde même s’il chante en français, devait lancer son album à Glasgow en Écosse, mais la tournée européenne qui devait les y amener a dû être reportée. C’est donc à Boston le 4 février qu’a eu lieu le lancement international de ce 11e album du quintette québécois. Le groupe mélange encore une fois habilement les œuvres traditionnelles et les compositions originales comme « Tour du monde », l’excellente « Ma Louise » et « Dans l’eau-de-vie-de-l’arbre ». (février 2022)

Sur Amour et Fantaisie, le baryton Dominique Côté, accompagné d’Esther Gonthier au piano et de l’Ensemble vocal Charlevoix, rend hommage à Lionel Daunais (1901-1982), artiste unique du paysage musical canadien et possiblement le premier auteur de chansons au Québec. Daunais est reconnu comme auteur, compositeur, interprète, metteur en scène, directeur artistique et animateur à la radio. Ses mélodies accrocheuses tirent leurs influences de la chanson française, avec des accents de jazz. Ce récital a été enregistré à la Chapelle historique du Bon-Pasteur de Montréal. On peut y entendre deux poèmes de Paul Eluard, des extraits de cinq poèmes d’Éloi de Grandmont, des chansons pour enfants, ainsi que ses pièces folkloriques les plus connues (« À Montréal », « Les patates », « Le voyage de noces » et « La tourtière »). (février 2022)

Paris 1847 est le premier enregistrement entièrement consacré à l’œuvre du compositeur français et virtuose du basson Eugène Jancourt (1815-1901). C’est le bassoniste Mathieu Lussier qui est à la base du projet, accompagné de Camille Paquette-Roy (violoncelle), Sylvain Bergeron (guitare) et Valérie Milot (harpe). On peut entendre les Trois petites sonates pour le basson de Jancourt, ainsi que la « Troisième grande sonate en ré majeur » qui clôt le disque. On y retrouve aussi des œuvres de Donizetti, Bellini et Schubert arrangées par Jancourt. La version numérique de l’album inclut en boni les deux premières grandes sonates tirées du recueil des Trois grandes sonates pour basson. Toutes ces œuvres pour basson s’avèrent très agréables à écouter, ce qui en fait un excellent album et une très belle découverte pour ceux qui ne seraient pas familiers avec l’œuvre d’Eugène Jancourt. (février 2022)

Rêves enclos présente de nouvelles mélodies du pianiste Louis Dominique Roy sur des poèmes québécois d’Émile Nelligan, Éloi de Grandmont, Hector de Saint-Denys-Garneau, Alfred Desrochers, Gilles Vigneault et Arthur de Bussières. Ces poèmes sont chantés par le baryton Olivier Laquerre avec Louis Dominique Roy au piano, ainsi qu’occasionnellement le violoncelle de Sébastien Lépine et le cor de Louis-Philippe Marsolais. On peut également découvrir une pièce pour piano, « Vol des oiseaux au-dessus de la mer… », ainsi que trois « Poèmes de la mort ». L’album se conclut avec « Chaconne en mi mineur » de Dietrich Buxtehude. Rêves enclos s’adresse avant tout aux amateurs de poésie. (février 2022)