Sheila Soares nous arrive tout droit de Toronto avec finalement un premier album de chansons originales. L’auteure-compositrice et interprète (et ancienne enseignante) propose un jazz léger intégrant des éléments de soul, de blues et de folk. On peut la comparer à Norah Jones, Diana Krall et Alison Krauss. Le court disque de sept titres totalisant moins de 26 minutes a été réalisé par Eric St-Laurent, qui y joue aussi la guitare. St-Laurent accompagne magnifiquement Sheila avec l’aide du claviériste Jeff McLeod et d’une solide section rythmique formée de Jordan O’Connor (basse) et Chris Wallace (batterie). All There Is contient une musique envoûtante qui nous rejoint rapidement grâce à la très belle voix de l’artiste. Le principal défaut de l’album, c’est qu’il est franchement incomplet (presqu’un mini-album finalement).

Shine a Light est le 14e album en carrière pour le Canadien Bryan Adams. Il y reprend les différents éléments qui ont été la recette de son succès par le passé avec un excellent mélange de rock ‘n’ roll, de rhythm ‘n’ blues et de pop, avec quelques ballades à travers. On peut entendre plusieurs pièces franchement entraînantes (« All or Nothing », « No Time For Love »). Mais ce qui frappe rapidement dès les premiers moments avec la chanson-titre et « That’s How Strong Our Love Is », c’est la qualité de la production. C’est un album solide que nous propose Bryan Adams avec Shine a Light, bien plus qu’une simple excuse pour repartir en tournée.

Découverte à La Voix, Lou-Adriane Cassidy (fille de Paule-Andrée Cassidy) a été choriste pour Hubert Lenoir. Après les succès de « Ce qu’il reste » et « Ça va ça va » sur les plateformes d’écoute, l’auteure-compositrice et interprète présente son premier album, ainsi qu’un nouvel extrait, « Poussière ». Lou-Adriane propose une musique aux influences pop des années 1970 et de la chanson française, le tout dans une facture tout à fait contemporaine. On y découvre de très beaux arrangements de cordes, gracieuseté de Gabriel Desjardins (Philippe Brach, Dany Placard) et c’est Simon Pedneault (Louis-Jean Cormier, Gabrielle Shonk) qui signe la coréalisation avec Lou-Adriane. L’artiste risque fort de vous séduire avec sa voix et son atmosphère intimiste.

À bientôt 75 ans, Robert Charlebois propose son 25e album en carrière, enregistré à Brooklyn et réalisé par Gus Van Go et Werner F. Il demeure toujours aussi pertinent et cool avec des musiques énergiques et des textes fusionnant humour, mélancolie et poésie. Il fait une rétrospective sur sa vie, réalisant que les années filent. Les 10 chansons incluent deux textes perdus et retrouvés : un de Réjean Ducharme (« Le manque de confiance en soi ») et un de Daniel Thibon (« La divine »). Charlebois renoue avec Louise Forestier le temps d’un duo pour l’excellente « Monsieur l’ingénieur ». On peut aussi entendre un retour au rock ‘n’ roll pour lui dans « Musique de chambre » (sur un texte de Simon Proulx des Trois Accords). Il rend hommage à la littérature (« Des livres et moi ») et à Johnny Hallyday (« Johnny »). Puis, il fait une adaptation française de « Can’t Help Falling in Love » popularisée par Elvis Presley, qui devient « Fou amoureux de vous ». Charlebois se fait plaisir en présentant un album varié qui inclut un peu de tout ce qui a fait sa carrière. Une sorte de rétrospective, mais avec des chansons originales. Et voilà! Une bien belle réussite!

Après l’échec monumental de son premier album en anglais, Love & Soul, Corneille revient rapidement avec un nouveau disque de chansons originales en français, son huitième enregistrement en carrière. Coécrit avec sa femme, Sofia de Medeiros, Parce qu’on aime contient plusieurs succès incontournables dans le style R&B qui nous l’a fait connaître, dont « Tout le monde ». Corneille a réalisé lui-même l’album, qui a été arrangé avec la collaboration de Marco Volcy. Les 11 titres du disque possèdent le même fil conducteur : l’histoire du couple Corneille-Sofia et de leur amour. Parce qu’on aime est un album lumineux et bien personnel pour Corneille.

Après un album en anglais il y a un peu plus d’un an, Camouflage, Lara Fabian revient avec son 14e album studio en carrière, cette fois en français. Entièrement conçu à Montréal, Papillon a été réalisé par Moh Denebi, l’un des réalisateurs les plus talentueux du nouveau son pop suédois. L’auteure-compositrice américaine Sharon Vaughn a coécrit la majorité des chansons avec Lara et Denebi. Ses deux comparses ont d’ailleurs également été impliqués sur son disque précédent. À l’image du premier extrait, « Je suis à toi », et de la chanson-titre, Papillon présente une musique pop passablement rythmée avec des arrangements très européens. Là où Lara surprend le plus, c’est vocalement. Elle demeure dans un registre plutôt bas, laissant du même coup de côté les grandes envolées vocales, sauf en de rares occasions.

Si Justin Bieber est à jamais associé au monstrueux succès de 2017 « Despacito », c’est Luis Fonsi qui est pourtant derrière cette chanson, et Bieber n’était qu’un collaborateur (avec Daddy Yankee) pour la version anglaise. Le Portoricain présente finalement un album qui inclut ce hit planétaire dans ses deux versions. Il s’agit du premier album en cinq ans pour Luis Fonsi qui compte tout de même 20 ans de carrière et huit albums. Il propose une musique latine à tendance pop, avec certains rythmes particulièrement efficaces, mais aussi des ballades contemporaines. « Despacito » n’est pas le seul succès que l’on peut réentendre sur Vida puisqu’on retrouve aussi « Imposible » (avec Ozuna) et « Calypso » (avec Stefflon Don, en plus d’une version avec Karol G). Mais surtout, le moment le plus intéressant et entraînant du disque demeure l’incontournable « Échame la Culpa » (avec Demi Lovato). Avec Vida, Fonsi présente plusieurs immenses succès et quelques bons moments, mais aussi des ballades ou pièces mid-tempo moins captivantes, pour un album en dents de scie. Et si en plus vous avez déjà trop entendu « Despacito », il faudra à nouveau passer à travers deux fois plutôt qu’une.

Vidéoclips : « Despacito » - « Échame la Culpa » - « Calypso » - « Imposible » - « Sola »

Yves Jarvis est le nouveau pseudonyme de Jean-Sébastien Audet, mieux connu sous le nom d’Un Blonde. Il s’agit en fait de son deuxième prénom et du nom de famille de sa mère. Le Montréalais se libère donc de son ancien alter-ego pour nous proposer un tout nouvel univers musical. The Same But By Different Means ne contient rien de moins que 22 titres, mais qui varient entre 15 secondes et huit minutes. On y trouve un mélange exploratoire fascinant entre folk noir, envolées R&B et musiques d’ambiance. Certaines pièces peuvent sembler finir un peu trop abruptement, mais l’ensemble demeure d’une grande originalité. Même si elle peut s’avérer quelque peu difficile d’accès, c’est une belle œuvre d’art que nous offre Yves Jarvis avec The Same But By Different Means.

Vidéoclip : « Fruits of Disillusion »

Après six ans d’absence pour cause de maladie, l’Ontarienne Avril Lavigne est de retour sur disque. Ce combat se répercute grandement dans les chansons offertes sur Head Above Water. Elle y présente un ensemble de pièces mid-tempo, qui n’ont plus rien à voir avec son pop punk des débuts. Il s’agit plutôt ici d’une musique pop rock adulte qui aura bien de la difficulté à reconquérir le jeune auditoire perdu il y a longtemps. La production colossale demeure de grande qualité avec de très beaux arrangements de cordes pour accompagner ses refrains puissants. Avril sort tout de même de cet environnement sirupeux en quelques occasions, notamment avec la divertissante « Dumb Blonde » (mettant en vedette Nicki Minaj). L’ensemble présente de bons moments, mais qui ne figureront assurément pas parmi les plus grands de sa carrière.

En 2016, le chanteur suisse a rencontré à Berne Le Traktorkestar, un groupe de 12 musiciens (trois batteurs-percussionnistes et neuf souffleurs) et chanteuses (Tanja Makridis, la rappeuse Steff la Cheffe et la chanteuse de jazz, Claire Huguenin). Stephan Eicher a alors découvert l’envie de travailler au sein d’une création collective pour la première fois et il en résulte cet album sur lequel il revisite de façon totalement originale 12 chansons de son répertoire. Les arrangements de cuivres contribuent à donner une nouvelle vie à toutes ces pièces. « La chanson bleue » par exemple prend une toute nouvelle direction, alors qu’elle était plutôt électro pop dans sa version originale parue sur le deuxième album d’Eicher. « Pas d’ami » en échange devient dansante et demeure méconnaissable jusqu’au refrain. Malheureusement, « Déjeuner en paix » est absente, parce qu’on n’a pas réussi à trouver les bons arrangements pour la réinventer. Avec Hüh!, les fans de Stephan Eicher pourront redécouvrir de façon bien agréable une partie de l’œuvre de leur chanteur préféré.

Le très polyvalent Mehdi Cayenne revient avec un quatrième album déjanté mélangeant une douceur poétique avec des grooves créatifs. Enregistré entre Ottawa, Montréal, Vancouver et Paris, Radio Batata a été coréalisé avec Olivier Fairfield (Timber Timbre), Mark Lawson (Arcade Fire, Colin Stetson, Peter Gabriel) et Nico Quéré (Arctic Monkeys, Nick Cave). L’auteur-compositeur et interprète fait preuve d’une liberté totale alors qu’il présente une pop moderne totalement inclassable, intégrant du hip hop, du funk, du rock et du post-punk. Les rythmes s’avèrent contagieux, mais ils demeurent au service des mots de ce poète des temps modernes. Voici un album d’une très grande créativité, peut-être le plus intéressant à ce jour pour Mehdi Cayenne! (février 2019)

Après sa participation à La Voix et un premier album en 2018, Nameless, Dominique Fils-Aimé est de retour avec le deuxième disque d’une trilogie. Sans s’accrocher à aucun style précis, elle conserve sa liberté de création en présentant un mélange de soul, de jazz, de R&B, de gospel et de musique ambiante, des styles qui contribuent tous à mettre en valeur sa voix à la fois émouvante et puissante. Dominique a écrit les 14 pièces d’une grande originalité, qui se veulent un appel à la révolution. Plus complet que son enregistrement précédent, Stay Tuned! demeure passionnant du début à la fin. (février 2019)

La chanteuse et harpiste montréalaise Emilie Kahn, aussi connue sous le pseudonyme Emilie & Ogden (Ogden étant le nom de sa harpe), présente son deuxième album mais le premier sous son vrai nom. Réalisé en collaboration avec Warren C. Spicer (Plants and Animals), Outro propose une musique indie pop avec quelques accents de rock qui se fusionnent à la perfection avec sa harpe. Emilie y fait un retour sur son passé, questionnant certaines décisions, et elle semble habitée par une certaine mélancolie face à l’âge adulte. L’artiste réussit à créer un univers qui lui est propre et qui nous ensorcelle rapidement. (février 2019)

Murray Lightburn savait pertinemment que les chansons qu’il avait écrites pour ce deuxième album solo n’étaient pas faites pour The Dears, le groupe qui nous l’a fait connaître. Cependant, loin d’enregistrer l’album seul, il s’est entouré d’une équipe solide, ce qui donne une musique pop d’une grande richesse, avec des envolées soul et des cordes classiques. Lightburn s’est inspiré des crooners des années 1950 et de la musique Motown des années 1960, sans oublier le gospel. La majeure partie du disque a été créée pendant ce qu’il appelle son « été mouvementé de 2016 », entre les deux volumes de Times Infinity de The Dears alors que lui et sa conjointe, Natalia Yanchak (aussi membre de The Dears), ont remis en question leur avenir. L’album a été enregistré à Montréal avec le réalisateur Howard Bilerman (Arcade Fire, Leonard Cohen, Godspeed You! Black Emperor) et des musiciens de jazz chevronnés. Il en résulte un disque tout en finesse, qui nous fait découvrir un nouvel aspect du talent de Murray Lightburn, et qui est très agréable à écouter de A à Z. (février 2019)

Pour son nouvel album, le groupe alternatif australien a dévoilé une chanson par mois tout au long de 2018. En voici l’assemblage sur Stolen Diamonds qui contient un mélange de leurs influences diverses : ska, reggae, musique du monde, etc. « Kila » débute même l’album avec un petit rythme disco pour accompagner son refrain puissant. On retrouve des cuivres tout au long du disque pour ajouter de la richesse aux arrangements. Les rythmes demeurent efficaces et la joie de vivre est toujours au rendez-vous, même sur des titres plus sombres comme « Ready Now » ou « Anybody ». Le groupe expérimente un peu plus sur « Barricades », l’une des pièces les plus complexes du disque. Toujours bien accueilli au Québec, le groupe présente une chanson majoritairement en français, « La sirène », avec la collaboration d’Éloïse Mignon. De la même façon, The Cat Empire offre « Sola » à ses fans hispanophones en collaboration avec le musicien espagnol Depedro. C’est un album varié et solide du début à la fin que nous offre The Cat Empire, qui semble au sommet de sa forme. (février 2019)

Amanda Rheaume a grandi à Ottawa, mais est maintenant établie à Toronto. Avec The Skin I’m In, elle présente son cinquième album, qui démontre à quel point elle est maintenant bien dans sa peau. On y trouve neuf chansons country pop plutôt joyeuses, avec des moments de rock, de folk et d’Americana. Sa voix puissante trône au cœur de ces chansons solides. L’auteure-compositrice a coécrit toutes les pièces avec des collaborateurs, dont Melanie Brulee, Jason Blaine et Jim Bryson. C’est un album très agréable que nous propose Amanda Rheaume. (février 2019)

Le groupe traditionnel québécois est de retour avec son 10e album en carrière. Le quintet présente 13 nouvelles chansons et pièces instrumentales racontant les histoires du Québec. Les arrangements demeurent d’une grande richesse et ajoutent souvent une dimension nouvelle aux chansons, se frottant parfois à d’autres styles musicaux comme le honky-tonk, le disco-funk, etc. Le Vent du Nord propose donc à nouveau une musique aux accents modernes, tout en s’inspirant du passé du Québec baignant dans les reels, les chansons à répondre et le tapage de pied. Un coup de chapeau particulier va à la chanson « Louisbourg », interprétée a capella avec de très belles harmonies vocales. Voici donc un excellent disque pour faire le pont entre les générations! (février 2019)

Le Torontois Colin Linden (Blackie and the Rodeo Kings) s’est associé à un autre brillant guitariste de blues, l’Américain Luther Dickinson (North Mississippi Allstars, Black Crowes), pour créer Amour. Ils sont en plus entourés des musiciens des Tennessee Valentines, ainsi que des choristes Rachael Davis, Ruby Amanfu, Billy Swan, Sam Palladio et Jonathan Jackson de la populaire émission Nashville. Le duo propose une collection de chansons d’amour du répertoire americana, plusieurs ballades, mais aussi de bonnes chansons de blues intenses ou plus joyeuses à tendance country. (février 2019)

Pour son troisième album, Jessica Pratt avoue que pour la première fois elle a approché l’écriture avec l’idée en tête d’une cohésion tout au long de l’album. Quiet Signs est aussi son premier enregistrement dans un studio professionnel, la sortant du même coup de sa chambre à coucher où elle avait enregistré On Your Own Love Again il y a quatre ans. Sa voix haut perché est toujours accompagnée d’une guitare douce, mais s’ajoutent aussi de délicats arrangements de flûte, de synthétiseur, d’orgue et de piano qui viennent enrichir sa musique minimaliste. Il en résulte donc un disque plus près de la pop de chambre que du folk. C’est le premier extrait, « This Time Around », qui se démarque le plus, alors que l’ensemble du disque suit une excellente ligne directrice, jusqu’à sa chute avec la très belle conclusion de « Aeroplane ». L’album de neuf titres ne dure peut-être que 28 minutes, mais il nous entraîne rapidement dans son univers captivant. Résultat : on a envie de le rejouer en boucles. (février 2019)

Pour son premier album en quatre ans, l’auteure-compositrice et interprète canadienne Elizabeth Shepherd rend hommage à sa ville d’adoption, Montréal. Elle a composé, réalisé et arrangé toutes les pièces de cet ambitieux projet. L’album de jazz vocal avec de très bonnes mélodies pop est né d’entrevues qu’Elizabeth a faites dans la rue avec divers Montréalais, leur demandant de raconter quelque chose sur leur histoire avec Montréal. Elle a rassemblé des histoires drôles, tragiques et bizarres, et en a conservé 11 qu’elle a transformées en chansons, majoritairement en français, mais aussi en anglais. Puisque toutes les histoires évoquées se déroulaient à distance de marche, elle a décidé de créer une promenade de 50 minutes permettant de parcourir l’album en se déplaçant à travers la ville. Un livre sera lancé plus tard ce printemps avec des histoires laissées de côté en grande partie du récit officiel, comme l’histoire du jazz, les réalisations de la communauté noire et le mouvement des droits des homosexuels. C’est un excellent album que propose Elizabeth Shepherd alors qu’elle rend un très bel hommage à Montréal. (février 2019)

L’auteure-compositrice et interprète américaine présente son tout premier album complet avec Heard It in a Past Life. Après des explorations à tendance folk, Maggie Rogers s’est laissé entraîner vers la musique électronique qui l’avait toujours intéressée et elle prend une direction beaucoup plus pop sur ce premier disque. On peut y entendre un bon mélange de pop, de rock et d’électro, avec des mélodies grandement accrocheuses et des rythmes qui font rapidement taper du pied. On peut tout de même entendre encore quelques influences de folk, saupoudrées ici et là. On peut d’ailleurs découvrir un bon mélange de ses styles de prédilection dans le premier extrait à succès, « Alaska ». Voici un excellent premier album pour Maggie Rogers qui démontre toute l’étendue de son talent. (découverte du mois de février 2019)

Vidéoclips : « Alaska » - « Light On »

Avec Fun noir, Jérôme Charlebois présente son cinquième album en carrière, offert en version numérique seulement. Propulsé par le premier extrait à saveur pop, « Neverland », et la dynamique « Bégaye », l’album réalisé par Hugo Perreault propose une musique pop rock aux mélodies inoubliables et aux rythmes efficaces. Il explore le rap, et même le zouk créole dans « Le zouk » qui s’est retrouvée dans quelques radios des Antilles françaises. Il revisite en plus à sa façon le succès « Fruit de la passion » avec l’accord de Francky Vincent. C’est donc un album grandement varié et très agréable que nous propose Charlebois. Son principal défaut, c’est qu’avec seulement neuf titres totalisant 26 minutes, il s’approche pratiquement du mini-album. On en aurait écouté beaucoup plus! (février 2019)

La chanteuse alternative franco-britannique revient avec son troisième album. Lou Doillon avait un désir de se parler à elle-même comme le dit le titre, mais heureusement, elle a décidé de nous partager ces 12 chansons. L’auteure-compositrice présente des pièces d’une grande sensualité, même sexuelles à l’occasion. On reconnaît bien l’artiste, mais on la redécouvre aussi puisqu’elle possède toujours ce désir de se mettre au défi, de sortir des sentiers battus. Par exemple, pour préparer cet album, elle a enregistré une série de démos en version dépouillée avec seulement une guitare et une batterie, dans la lignée des White Stripes et Black Keys. En bout de ligne, les arrangements se sont ajoutés, souvent de façon discrète mais grandement réussie. Les guitares s’avèrent souvent grinçantes et sa voix est plus solide que jamais. Lou semble avoir une totale confiance en elle, à 36 ans. Il en résulte donc un album d’une grande créativité pour cette artiste incomparable. (février 2019)

Suite à son premier album paru en 2015, le duo formé de Gabriel Prieur et d’Eliot Landry est de retour avec Surreal Memories. Les deux comparses nous offrent un rock grinçant qui fusionne le stoner métal de Queens of the Stone Age avec le grunge d’Alice in Chains et Nirvana. La distorsion de la guitare est ce qui impressionne dès la première pièce, « Never Mind Your Loss », et une certaine touche blues fait son apparition occasionnellement. On reste aussi abasourdi par la puissance de la musique de ce duo guitare-batterie. Surreal Memories s’avère sombre et lourd du début à la fin, avec un son toujours aussi sale et cru. C’est Ryan Battistuzzi (Breastfeeders, Malajube, We Are Wolves) qui assure la réalisation, la prise de son et le mixage. Voici un très bon album pour Prieur & Landry qui demeurent à leur meilleur sur scène. (février 2019)

Le groupe pop punk américain fête déjà ses 20 ans d’existence cette année et pour l’occasion, une compilation de tous ses plus grands succès et meilleures pièces nous est offerte. On peut y entendre 19 titres tirés de chacun de leurs sept albums, ainsi que deux nouvelles chansons, « All Ready to Go » et « A Song For Dan ». Le tout est présenté en ordre chronologique et totalise plus de 78 minutes. On peut y redécouvrir les premiers succès (« Cute Without the 'E' (Cut from the Team) », « You're So Last Summer »), ainsi que des titres marquants plus récents (« Flicker, Fade », « Tidal Wave »). Twenty propose donc un très bon survol des 20 premières années de Taking Back Sunday. (février 2019)

Jordane Labrie est une auteure-compositrice et interprète originaire des Escoumins qui s’est fait découvrir à La Voix VI, après avoir remporté de nombreux concours de chant. Récemment, elle assurait la première partie de Serena Ryder dans le cadre de sa tournée québécoise. Pour son album 12 jours, l’artiste a tiré son inspiration d’une tournée pancanadienne faite à bord des trains, 12 jours étant la durée de la traversée du pays d’est en ouest. Mais, ces 12 jours ont aussi été le temps de création des 11 chansons du disque, réalisé par Jeannot Bournival (Fred Pellerin) au studio de Saint-Élie-de-Caxton. Toutes les chansons ont été écrites par Jordane avec le guitariste Clément Desjardins. C’est un album de folk pop qui respire les grands espaces, à commencer par le premier extrait, « Regarder devant ». Jordane possède une voix chaude qui est mise en valeur tout au long du disque, même si on ne peut pas vraiment en apprécier la puissance. 12 jours est en effet un album plutôt doux, qui crée une atmosphère chaleureuse très agréable. (janvier 2019)