Ce nouvel album d’Eminem représente une certaine évolution pour le célèbre rappeur. Revival contient en effet un mélange de mises au point sur sa quarantaine et de prises de positions politiques dans l’ère Trump, ce qui contraste passablement avec ses propos misogynes et homophobes du passé. Il s’agit aussi d’un album produit suite à une longue période de désintoxication et il avoue même qu’il a dû réapprendre à rapper après ses nombreux abus de drogues. On peut d’ailleurs entendre une différence dans son flow et sa façon de rapper en général, tout en demeurant unique dans le genre. Pour la première fois, Eminem semble nostalgique d’une époque révolue. Il va même jusqu’à utiliser des échantillonnages comme « I Love Rock ‘n’ Roll » de Joan Jett dans « Remind Me » et « Zombie » des Cranberries dans « In Your Head », en plus de recycler les modèles de ses propres classiques (« Stan », « Love the Way You Lie »). On peut entendre plusieurs collaborateurs sur l’album, mais bizarrement, un seul autre rappeur, Phresher. Il y a Beyoncé qui vole la vedette sur la douce pièce d’ouverture au piano, « Walk On Water », sans oublier P!nk, Skylar Grey, Kehlani, Alicia Keys, X Ambassadors, et bien sûr Ed Sheeran pour l’excellente « River ». Le principal problème du disque est un manque de rythmes de qualité, une des principales forces d’Eminem auparavant. Il s’avère beaucoup moins intéressant lorsqu’il devient émotif et regarde vers le passé. Revival présente tout de même sa part de bons moments parmi ses 19 titres. (chronique principale de janvier 2018)

Vidéoclip : « Walk On Water »

Après le très solide Vulnicura en 2015, l’unique artiste islandaise est de retour avec Utopia, réalisé à nouveau par Arca. Après la peine d’amour dépeinte sur le disque précédent, elle semble reprendre goût à la vie ici avec de nombreux moments lumineux. Elle revient aussi aux instruments de son enfance, dont la flûte qu’elle a jouée étant petite. Sur « Blissing Me », c’est plutôt la harpe qui est à l’honneur, proposant une musique presque angélique. La pièce d’ouverture, « Arisen My Senses », et « Blissing Me » rappellent la légèreté de ses succès « Venus as a Boy », « Hyperballad » et « All Is Full of Love » qui ont grandement contribué à sa célébrité mondiale dans les années 1990. Malgré ses moments légers, Utopia peut aussi porter à réflexion et certains passages demandent un peu plus d’efforts à l’écoute pour saisir toutes les strates qui les composent. Par contre, l’effort s’avère grandement récompensé, comme c’est souvent le cas avec l’œuvre de Björk. C’est un album à écouter dans une atmosphère bien particulière, pour ajouter de la richesse à l’ambiance. Encore une fois, Björk réussit à nous proposer un album de premier plan. (janvier 2018)

IsKwé (qui signifie « femme » en cri) est une artiste unique originaire de Winnipeg et maintenant établie à Hamilton. Avec The Fight Within, elle présente son deuxième album autoproduit. IsKwé propose une musique pop alternative avec des incursions dans le trip hop britannique, dans ses racines cries et dans le R&B. On y trouve une bonne part d’expérimentation et de musique ambiante, mais ses mélodies accrocheuses portées par une très belle voix à la fois douce et puissante la rendent plus accessible en plusieurs occasions, et ce malgré des textes politiques percutants. Le principal défaut de l’album est qu’il semble beaucoup trop court avec seulement neuf titres totalisant à peine 33 minutes. Voici une artiste canadienne à découvrir absolument! (janvier 2018)

Vidéoclip : « Nobody Knows »

Un an après Use Less U, le groupe pop rock de Québec dirigé par Daniel Moisan est de retour avec la suite, Use Less 2. Et il s’agit en effet d’une suite logique avec des inspirations de The Cure, Tragically Hip et REM, ainsi que des traces toujours présentes des Beatles en arrière-plan. Avec ce sixième album, Mosquito-B proposent à nouveau un album de qualité qui plaira à tout amateur de rock anglais. Encore une fois, le groupe offre son album en ligne seulement au coût d’une livre anglaise (environ 1,70 $CA). (janvier 2018)

Après une longue pause notamment marquée par la maladie, Mélanie Renaud est de retour sur disque avec un habile mélange entre ballades touchantes et pièces pop plus rythmées. Réalisé par Claude Sénécal qui signe aussi la plupart des titres, Fil de fer met parfaitement en valeur la voix riche et puissante de Mélanie. Le premier extrait, la lumineuse « Laisse le soleil briller », a bien figuré au palmarès, et plusieurs autres pièces possèdent le même potentiel (« Refais-moi un cœur », « À quoi ça sert », « I Never Went Back »). On peut entendre un duo avec Éric Lapointe pour « Réalise-moi », un texte du regretté Roger Tabra mis en musique par Sénécal. L’album se conclut avec un remix de « I Never Went Back » par DJ Champion. C’est un album agréable que nous propose Mélanie Renaud, pour un retour réussi. (janvier 2018)

Suite à son virage pop il y a trois ans sur 1989, Taylor Swift poursuit dans la même direction avec Reputation. Plus mature que jamais, elle présente un album plutôt sombre sur lequel elle se préoccupe de sexualité et de trahisons. Musicalement, l’album est construit sur un fond d’électro, avec des boucles rythmiques et de très nombreux synthétiseurs. Elle s’éloigne donc plus que jamais de la country pop de ses débuts. L’album semble ancré dans des tons de gris qui le rendent passablement difficile à adopter rapidement, et ce malgré quelques très bonnes pièces accrocheuses (« …Ready For It? », « Delicate », « Look What You Made Me Do », « Getaway Car », « New Year’s Day »). (janvier 2018)

Vidéoclips : « Look What You Made Me Do » - « …Ready For It? »

Pour leur sixième album, Maroon 5 se sont entourés de plusieurs collaborateurs : Future, Kendrick Lamar, A$AP Rocky, Julia Michaels, LunchMoney Lewis et SZA. Réalisé par J. Kash, Red Pill Blues poursuit le cheminement de Maroon 5 dans la musique pop. D’ailleurs, le groupe n’a jamais été aussi populaire, ayant atteint la douzaine de tops 10 au Billboard Hot 100. Ils ont aussi performé devant 2,5 millions de personnes au cours de leur dernière tournée seulement, qui les a menés dans plus de 30 pays. Musicalement, Maroon 5 mettent de plus en plus l’emphase sur le groove, comme en fait foi la pièce de plus de 11 minutes « Closure », un agréable moment funk. Leurs musiques pop à tendance R&B sont généralement légères, et oubliez les guitares grinçantes qui s’avèrent complètement absentes des albums du groupe depuis un certain temps déjà. Maroon 5 proposent encore une fois une série de succès radio, avec de bons moments. (chronique principale de décembre 2017)

Vidéoclips : « Don’t Wanna Know » - « Cold » - « What Lovers Do »

Après des périples en Afrique et au Costa Rica, Arthur L’aventurier revient au Canada pour parcourir les montagnes Rocheuses. Il raconte son aventure en 12 chansons, présentant son ami « Tom le Cowboy » (qui l’accompagne sur scène lors des spectacles), « Boo le Grizzly », « Les Wapitis » et plusieurs autres animaux et autres beautés de la nature. En plus du CD, Arthur propose un film musical sur DVD d’environ 60 minutes, sans oublier son spectacle qu’il trimballe un peu partout au Québec pour le plus grand plaisir de son jeune auditoire. (décembre 2017)

Après l’excellent album IRM en 2010, il aura fallu attendre sept ans pour enfin découvrir un nouveau disque de la part de Charlotte Gainsbourg. Sur Rest, elle s’entoure de collaborateurs de renom, dont Paul McCartney qui lui offre une chanson, « Songbird in a Cage », et Guy-Manuel de Homem-Christo (Daft Punk) qui a coécrit la chanson-titre et premier extrait. Réalisé par SebastiAn (Frank Ocean, Kavinsky), l’album met aussi en vedette Owen Pallett, Connan Mockasin, etc. Rest présente une musique pop adulte de grande qualité, avec un très beau mélange d’orchestrations et d’électronique. On y trouve un peu de tout avec des moments dansants et d’autres plus ambiants, mais l’ensemble s’enchaîne à merveille. (décembre 2017)

Depuis sa formation en 2010, le nouveau groupe de Noel Gallagher n’a jamais cessé de s’améliorer. Les High Flying Birds atteignent en effet de nouveaux sommets sur Who Built the Moon. Débordants d’énergie, ils nous offrent certains grooves franchement entraînants. On n’a qu’à penser aux excellentes « Holy Mountain » et « She Taught Me How to Fly » qu’on a inévitablement le goût de réécouter à répétition. Certains titres peuvent rappeler le rock ‘n’ roll des Rolling Stones (« Black & White Sunshine »), alors qu’en d’autres occasions, l’ex-Oasis et sa bande ralentissent le tempo pour nous transporter dans une atmosphère enveloppante (« Wednesday, Pt. 1 (Interlude) » et « End Credits (Wednesday, Pt. 2) »). Ce qui surprend surtout sur ce disque énergique à souhait, c’est la grande originalité des compositions qui semblent tout à fait nouvelles dans un monde de rock britannique qui en a vu d’autres. Chapeau! (décembre 2017)

Dans quelques mois sortira le film sur la vie de Mary Travers (alias La Bolduc), dont le rôle-titre est interprété par Debbie Lynch-White. Pour ce film, Debbie a dû entrer en studio pour enregistrer quelques-uns des plus grands succès de La Bolduc, qui datent principalement de la fin des années 1920 et des années 1930. Ce sont 10 de ces chansons que l’on peut entendre sur ce disque. Debbie va bien au-delà de l’hommage alors qu’elle devient carrément La Bolduc. Elle y traite de la crise économique avec « Ça va venir découragez-vous pas », « Sans travail » et « La grocerie du coin ». Elle présente aussi le côté festif de La Bolduc avec « J’ai un bouton sur la langue » et « Le Jour de l’An ». Debbie Lynch-White s’avère grandement convaincante dans la peau de La Bolduc, un rôle qui lui va comme un gant. (décembre 2017)

Sur son 12e album, Mononc’ Serge présente 12 chansons plutôt courtes, ce qui lui fait penser qu’il jouera sans cesse à la radio, que « les droits d’auteur vont rentrer en sale ». Même s’il a hâte d’être riche, il est mieux de ne pas trop compter là-dessus. Révolution conservatrice présente bien quelques mélodies efficaces, mais ses textes revendicateurs lancés en pleine face ne risquent pas de lui attirer un plus vaste auditoire que par le passé. Le tout nous est livré sur une musique rock passablement brute, souvent très efficace. (décembre 2017)

Inspirée par Claude Léveillée depuis son enfance, Marie Denise Pelletier rend ici hommage à son maître. Elle reprend en effet 10 chansons immortelles de ce grand de la chanson québécoise, accompagnée au piano par Benoît Sarrasin. Il s’agit de chansons significatives pour elle dans le vaste répertoire de Léveillée. En plus de l’album, un spectacle est présenté, mis en scène par Serge Postigo. (décembre 2017)

Le populaire chanteur country américain est de retour avec son dixième album, qui rend hommage aux plages de Lake Texoma, tout près d’où il a grandi et où il a enregistré Texoma Shore. Blake Shelton propose un album poli à souhait où la surproduction nous rappelle son statut de superstar hollywoodienne. Les mélodies s’avèrent assurément accrocheuses, mais elles sont beaucoup trop proprettes. On aimerait bien sentir un peu de rage en certaines occasions, mais ça n’arrivera jamais pendant les 11 pièces du disque. Texoma Shore est un album country pop de qualité, qui s’adresse au grand public, mais qui ne provoque aucune excitation. (décembre 2017)

Le groupe traditionnel Les Tireux d’Roches revient avec son sixième album en presque 20 ans de carrière. Inspiré de tout le chemin parcouru, Tarmacadam inclut des textes du répertoire folklorique québécois, mais aussi français, revus à la manière des Tireux d’Roches. Ce qui impressionne rapidement avec l’album, c’est la puissance sonore et les orchestrations qui démontrent toute la virtuosité des musiciens. On peut aisément les comparer à La Bottine Souriante, mais les Tireux d’Roches possèdent une personnalité bien à eux que l’on découvre de plus en plus avec l’avancement de leur œuvre. Un excellent album de musique traditionnelle! (décembre 2017)

Trois ans après Songs of Innocence, et avec un an de retard, U2 est de retour sur disque avec Songs of Experience (la suite s’inspirant du recueil de poèmes Songs of Innocence and Experience de William Blake). Les textes de l’album prennent l’allure de lettres intimes s’adressant à des personnes importantes dans l’entourage de Bono. Musicalement, le groupe privilégie un peu moins la guitare de The Edge en plusieurs occasions et l’ensemble s’avère passablement doux. Le premier extrait, « Get Out of Your Own Way », est certainement le titre le plus pop et accessible de l’album, avec un refrain inoubliable. Il y a aussi « American Soul » qui possède un rythme entraînant, mais on s’en lasse rapidement et la présence de Kendrick Lamar passe inaperçu. De nombreux autres morceaux génériques nous laissent indifférents et l’ensemble manque de cohésion. On ne reconnaît vraiment plus le groupe qui dominait le monde il n’y a pas si longtemps, mais ça ne le empêchera pas de repartir pour une immense tournée. (décembre 2017)

Martin Valois est un auteur-compositeur et interprète originaire de la région de Québec maintenant établi en Outaouais. Il revient avec un deuxième album aux sonorités plus pop que sur Knipperberg, son premier disque. Ses textes tournent autour des liens amoureux, des relations entre les hommes et les femmes. Trois des titres de l'album sont déjà parus en tant qu'extraits radio : « Dieu s'est trompé », « Ce n'est qu'une question de temps » et « Tu't'fous de moi ». L'auteur YB a collaboré à quatre chansons, en plus de coréaliser « Dieu s'est trompé ». Les mélodies efficaces que l'on retrouve tout au long de l'album éponyme risquent fort d'attirer l'attention d'un public amateur de musique pop québécoise. Valois prépare actuellement une suite à Knipperberg qui devrait voir le jour en 2019. (décembre 2017)

Après l’excellent album The Truth About Love en 2012, P!nk a pris une longue pause et nous revient maintenant avec Beautiful Trauma. Dès le début, l’album semble plus que jamais s’inspirer de la musique du jour avec la chanson titre, la funky « Revenge » (avec Eminem) et le succès piano/électro « What About Us ». Malheureusement, la chanteuse s’essouffle rapidement et tombe dans des territoires plus adultes, plus près d’Adele que des nouvelles chanteuses en vogue. On comprend qu’elle en est maintenant à la fin de la trentaine, mais elle semble avoir pris un sérieux coup de maturité au cours des cinq dernières années, et ce n’est certainement pas pour le mieux. Ses ballades folks au piano et ses pièces pop adultes mid-tempo s’avèrent de plus en plus ennuyantes plus l’album progresse. La plupart des pièces contrastent avec la personnalité extravagante de P!nk qui ressortait à travers ses meilleurs enregistrements. Sur Beautiful Trauma, l’atmosphère est non seulement plus sobre, mais elle ne possède plus rien de ce qui attirait l’attention sur la chanteuse par le passé. Bonne chance pour pouvoir vous rendre au bout de cette proposition douteuse! (chronique principale de novembre 2017)

Vidéoclip : « What About Us »

La chanteuse du Kentucky présente son premier album, à saveur country pop. Ses influences country sont évidentes alors qu’elle pige constamment dans une musique country plus classique pour la mettre au goût du jour et en faire une musique contemporaine. Elle y ajoute en plus une bonne dose de sa personnalité lumineuse qui l’oriente vers des mélodies pop mémorables. Carly Pearce a coécrit plus de la moitié des chansons du disque et elle y a assurément laissé sa trace. Every Little Thing s’avère grandement réussi pour cette chanteuse de 27 ans qui a déjà passablement de métier derrière elle. Voici donc un album agréable, tant dans les moments énergiques que dans les ballades mettant sa voix en valeur. (découverte du mois de novembre 2017)

Vidéoclip : « Every Little Thing »

Le chanteur pop français est de retour avec un nouvel album, Addictions. Amir Haddad y propose encore une fois un ensemble de chansons pop entraînantes aux mélodies inoubliables, un assemblage de hits quoi! On peut y entendre notamment les succès « États d’amour » et « No Vacancy » (avec OneRepublic). Mais plusieurs des autres titres possèdent aussi tout ce qu’il faut pour envahir les radios. Avec Addictions, Amir est certainement en train de devenir l’un des plus grands chanteurs pop de sa génération. Amir sera en spectacle à l’Olympia de Montréal le 27 novembre. (novembre 2017)

Vidéoclip : « États d’amour »

Après avoir remporté les grands honneurs lors de la plus récente édition de La Voix, Ludovick Bourgeois nous arrive maintenant avec un tout premier album éponyme. En fait, il s’agit pour lui d’un premier album solo alors qu’il a enregistré un disque avec son père, Patrick Bourgeois (Les BB), il y a deux ans. Ludovick présente 12 chansons originales en français, dont le premier extrait, « Desert Song », qu’il a écrit en compagnie de Fred St-Gelais. Ce dernier assure aussi la réalisation avec Patrick. Il en résulte un disque pop énergique qui reflète complètement la personnalité joyeuse et positive de Ludovick. Sa voix n’est pas sans nous rappeler celle de son père à ses débuts, mais le fils réussit à établir rapidement son style et à imposer son prénom. (novembre 2017)

Sur son nouvel album, Philippe Brach ajoute des orchestrations à son style folk dépouillé, grâce à la participation de l’Orchestre symphonique de l’agora. C’est d’ailleurs cet orchestre qui ouvre l’album avec la très belle pièce titre instrumentale. Un boîtier original pour le CD ajoute ce petit plus au disque pour le rendre plus intéressant qu’en version numérique. Il contient entre autres le livret intitulé Lettres du Frère Hurlant qui juxtapose les chansons de Brach au récit glacial de Julien Lavoie. D’ailleurs plusieurs textes de Brach présentent un monde qui est loin d’être reluisant, presque apocalyptique avec des titres comme « La fin du monde », « Pakistan » et « La guerre (expliquée aux adultes) ». Même « Joyeux anniversaire » en conclusion du CD n’a rien de bien réjouissant. Même s’il contient plusieurs chansons franchement déprimantes, Le silence des troupeaux présente de bons moments, et de toute façon il ne franchit même pas les 30 minutes. (novembre 2017)

Maintenant âgé de 70 ans, le chanteur français Julien Clerc revient avec un nouvel album intitulé À nos amours. Réalisé par Calogero, le disque de 13 titres contient les premiers extraits « Je t’aime etc. » et « La mère évanouie ». On y trouve aussi les efficaces « Aimé » (pour Aimé Césaire, écrivain et politicien français décédé en 2008), « La Plata », ainsi que la chanson-titre. Julien Clerc demeure fidèle à lui-même sur ce nouvel enregistrement qui ne devrait surprendre personne et plaire à ses nombreux fans. (novembre 2017)

Vidéoclip : « Je t’aime etc. »

Le duo français Columbine est composé de Foda C et Lujipeka qui sont à la tête d’un collectif de la banlieue de Rennes. Ils proposent un son hip hop grandement mélodique et enrobé de très beaux arrangements, qui créent une atmosphère très agréable. Leurs thèmes tournent beaucoup autour de l’adolescence, de ses obsessions et de ses malaises. Ils tentent aussi de se faire une certaine idée du monde de demain, une grande préoccupation pour leur jeune auditoire. Enfants terribles est un disque bien plaisant à écouter pour tout amateur de hip hop français. (novembre 2017)

Jean-Marc Couture a produit lui-même ce deuxième album, qui a été réalisé par Carl Bastien. L’ex-académicien propose toujours une musique rock à tendances blues et pop. Par contre, il semble plus à l’aise que jamais dans ce style parfait pour sa voix. Entouré de musiciens chevronnés, Couture peut aussi compter sur la voix envoûtante de Marie-Christine Depestre. L’album s’ouvre avec le premier extrait radio, « Lentement », et plusieurs autres titres possèdent aussi un grand potentiel commercial, comme par exemple « Y faut que je bouge » et « C’est toute une dame ». Jean-Marc Couture nous offre un court album de 10 titres qui devrait plaire à ses fans. (novembre 2017)

Le trio traditionnel québécois est de retour avec son quatrième album. On y découvre un nouveau membre en David Boulanger (violon, voix), qui se joint à Éric Beaudry (voix, bouzouki, guitare) et Pierre-Luc Dupuis (accordéon, harmonica, guimbarde, voix). Sur Consolez-vous, De Temps Antan explorent de nouvelles sonorités en exploitant au maximum leurs instruments tout en plaçant les voix à l’avant-plan. Le trio s’entoure de collaborateurs renommés, notamment Éloi Painchaud, André Marchand, Mélissa Lavergne, Jean-François Lemieux et Debbie Lynch-White. Avec Consolez-vous, De Temps Antan nous offrent leur album le plus accompli à ce jour. Après avoir remporté un Félix en 2014, parions qu’ils seront à nouveau favoris en 2018 pour l’album traditionnel de l’année. (novembre 2017)

La Famille Ouellette est composée de six frères. Ils ont remporté la 20e édition des Francouvertes et présentent maintenant leur premier album après un an de travail. Ils proposent une musique pop d’une grande richesse avec des arrangements complexes, des atmosphères envoûtantes et des rythmes variés. On y ajoute des harmonies vocales incomparables et des cuivres pour se retrouver avec une musique à la fois touffue et grandement originale. On retrouve quelques collaborateurs saupoudrés tout au long du disque, notamment Greg Beaudin (Dead Obies) et Jason Bajada. Avec Deluxe, c’est un premier album mature et moderne que nous propose la Famille Ouellette, un disque d’une grande solidité. (novembre 2017)

L’ex-chanteur d’Oasis et le plus jeune des frères Gallagher nous arrive avec un premier album solo, après avoir tenté sa chance avec Beady Eye, pratiquement calqué sur le groupe qui l’a rendu célèbre, son frère en moins. Cette fois, c’est seul qu’il se lance dans une nouvelle aventure, même si l’ombre d’Oasis plane toujours au-dessus de lui. Plusieurs pièces de As You Were présentent en effet des similarités avec des chansons d’Oasis, déjà largement inspirées de l’œuvre des Beatles. Même si musicalement l’album s’avère plutôt rétro, son son demeure bien ancré dans le 21e siècle avec quelques boucles rythmiques et autres manipulations numériques. On reconnaît rapidement le chanteur tant apprécié dans les années 1990, avec tout son charisme, mais il ajoute de l’envergure à ses interprétations, semblant chanter mieux que jamais. Il présente donc un très bon album, énergique et divertissant. (novembre 2017)

Ryan Kennedy s’est fait remarquer lors de la quatrième édition de La Voix où il a atteint la demi-finale dans l’équipe de Pierre Lapointe. Celui qui est originaire des Laurentides présente aujourd’hui son deuxième album, majoritairement en anglais. Il n’y a que les succès « Soul Digger » (« Je cours toujours »), « Honest Song » et « Morin Heights » que l’on peut entendre aussi en français à la fin du CD. Kennedy propose une musique folk à forte tendance pop grâce à des mélodies très accrocheuses. Il livre ses chansons avec beaucoup de charisme et une voix unique, qui rappelle quelque peu Neil Young, certainement une influence pour lui. Avec Love is Gold, Ryan Kennedy nous offre un album solide qui plaira assurément à un vaste auditoire. Très agréable! (novembre 2017)

Vidéoclip : « Honest Song »

La Jarry est un groupe de rock français qui s’est formé au tournant du millénaire. Après quatre albums, ils reviennent avec ce mini-album qui présente un retour aux sources du rock pur. Propulsé par la chanson-titre, le disque contient cinq titres qui s’enchaînent à merveille. Seul point négatif : on en voudrait plus! Avec à peine plus de 16 minutes de musique, c’est beaucoup trop peu pour se faire une véritable opinion de ce groupe solide, mais quelque peu convenu. La Jarry a fait fureur au Québec ces dernières années avec notamment des présences remarquées au Festival d’été de Québec, aux Francofolies de Montréal et à la Fête du Lac des nations de Sherbrooke. (novembre 2017)

Sur son nouvel album, Pierre Lapointe propose une fusion entre chanson française, musique contemporaine et musique orchestrale. Il peut en effet compter sur l’ensemble de cordes de l’Orchestre symphonique de Montréal dirigé par Simon Leclerc, ce qui ajoute une richesse grandiose à ses chansons toutes simples. Lapointe jette un regard lucide sur l’amour à l’époque du numérique et de l’importance de l’image. On y retrouve des textes crus et critiques de l’être humain (« Qu’il est honteux d’être humain », « Sais-tu vraiment qui tu es »), mais aussi qui présentent un soupçon d’espoir (« Le retour d’un amour », « Prince charmant », « Une lettre »). Enregistré à Montréal et mixé à Paris, l’album a été réalisé en collaboration avec David François Moreau, un musicien, compositeur et arrangeur français, qui signe en plus quatre musiques. Ont aussi collaboré à la composition Félix Dyotte (« Zopiclone ») et Daniel Bélanger (« Une lettre »). La science du cœur est un album-concept qui s’écoute sans interruption, un album d’avant-garde qui s’inspire aussi de la musique classique, tout en intégrant d’excellentes mélodies pop. Un très bon disque pour Pierre Lapointe encore une fois! (novembre 2017)

Après sa présence à la finale de La Voix en 2015 et un premier album en français, Rosa est de retour avec un premier enregistrement en anglais. Il s’agit d’un mini-album de cinq titres résolument rock, sur lequel elle revient à ses influences premières. Elle part ainsi à la conquête de nouveaux marchés comme les États-Unis, qu’elle a déjà explorés grâce à une tournée au sein du Trans-Siberian Orchestra. En plus des quatre chansons énergiques et de la ballade « He Loves Me » qui mettent parfaitement en valeur la voix puissante de Rosa, on peut entendre en boni une nouvelle pièce en français, « Laisse-moi partir ». Avec Free, Rosa Laricchiuta s’ouvrira assurément de nouvelles portes, elle qui possède un talent vocal brut. (novembre 2017)

Le groupe de Toronto est de retour sur disque avec If I Had the Strength, après une tournée d’un an qui les a menés aux quatre coins du monde. Le Lemon Bucket Orkestra puise à nouveau son inspiration dans les traditions folks d’Europe de l’Est. Par contre, cet album se présente beaucoup plus comme un tout, avec une solide ligne narrative, plutôt qu’un regroupement de chansons individuelles. On y traite du fait de revenir à la maison et de n’être plus tout à fait les mêmes, ce qui est possiblement ce que ressentait le leader du groupe, Mark Marczyk, à son retour de tournée. Le groupe propose encore une fois un album grandement énergique, qui sera très agréable à découvrir en spectacle. (novembre 2017)

Après quelques années de vache maigre, il semble bien que Marilyn Manson ait retrouvé sa créativité ces dernières années avec des albums de plus en plus solides. Il poursuit dans cette direction avec Heaven Upside Down, son 10e enregistrement en carrière. On y retrouve à nouveau les éléments bluesy de The Pale Emperor habilement mélangés avec le son industriel qui a fait ses belles années et sa renommée. Quelques titres s’avèrent particulièrement accrocheurs, comme « Kill4Me » et « Jesus Crisis ». Manson et Tyler Bates nous offrent plusieurs pièces franchement agressives, voire même inquiétantes (« Revelation #12 », « We Know Where You Fucking Live »), mais elles sont faites sur mesure pour Marilyn Manson. On retrouve donc un Marilyn Manson à son meilleur, avec une musique qui pourrait servir de bande originale de tout film d’horreur. Oreilles sensibles, s’abstenir! (novembre 2017)

Après un mini-album l’an passé, Andréanne Martin présente son tout premier album complet. Elle s’est d’abord démarquée lors de la première édition de La Voix (dans l’équipe d’Ariane Moffatt), avant d’apparaître dans les émissions Faites comme chez vous (Coup de cœur du public) et Belle et Bum. Andréanne propose un style soul aux inspirations pop et rock. Les cuivres occupent une place prépondérante et l’aident à établir rapidement son propre style hors des sentiers battus. Déjà le premier extrait, la chanson-titre, réussit à tirer son épingle du jeu dans les radios. À noter aussi sa reprise unique du classique « Tout écartillé » de Robert Charlebois. Andréanne a su s’entourer de gens de renom, notamment Pierre Huet (Beau Dommage, Paul Piché, Offenbach) qui signe les textes de « Jack l’éventreur ». Elle a pu en plus perfectionner son art lors d’une rencontre d’écriture avec Francis Cabrel. C’est un premier disque extrêmement réussi que nous propose Andréanne Martin. (novembre 2017)

Après presque 10 ans d’activité, Jessica Lea Mayfield semble avoir atteint le sommet de sa carrière avec ce quatrième album. Son style est mieux défini que jamais alors qu’elle propose un son indie rock avec un chant doux et nostalgique. Les guitares grinçantes viennent ajouter du piquant à l’ensemble en plusieurs occasions, dont la pièce d’ouverture, « Wish You Could See Me Now ». Réalisé par John Agnello (Sonic Youth, The Hold Steady), Sorry is Gone présente de bien bons moments, même s’il a été écrit dans un contexte de séparation pour Jessica. Contexte personnel mais aussi professionnel puisque son ex-mari, Jesse Newport, a aussi réalisé son disque précédent, Make My Head Sing… Beaucoup de fuzz et d’écho créent une atmosphère bien particulière sur cet album autour de la voix de Jessica. Définitivement son meilleur enregistrement à ce jour! (novembre 2017)

Héra Ménard est une jeune auteure-compositrice et interprète qui présente son tout premier album, enregistré dans les nouveaux studios de l’Université Laval à Québec. Elle propose un savant mélange de country et de pop, alors qu’elle semble avoir des influences assez diverses, quelque part entre Sheryl Crow, Shania Twain et Ray Lamontagne. Elle explore même le bluegrass sur « Les jours heureux (Inspiration) ». Parmi les 13 titres, on en retrouve quelques-uns en anglais, dont sa version bien personnelle de « Knocking on Heaven’s Door » de Bob Dylan qui conclut le disque. Voici un album très intéressant, avec de bien bonnes chansons. (novembre 2017)

Celle que l’on surnomme la « Canada’s Sweetheart of Swing » va encore un peu plus loin dans son exploration des standards jazz des années 1920, 30 et 40 avec ce nouvel album de sept titres. Hot Three a été enregistré au studio Twerk-O-Phonic Sound de la Nouvelles-Orléans sur une acétate 78 tours via une table portative Presto. Aucune erreur était possible et il fallait éviter toute vibration, l’aiguille risquant de gâcher une prise. Avec son trio de musiciens, on peut dire qu’Alex Pangman a vraiment su se transporter dans les années 1930 et ressentir ce que les musiciens de l’époque devaient ressentir, eux qui devaient toujours être nerveux de tout gâcher avant la fin de la séance d’enregistrement. Aussi, avec ce type d’enregistrement, aucune post-production ou ajout d’effet était possible. Donc, même sur CD, ce qu’on entend provient directement du travail effectué en studio, en mono bien entendu. Le choix de chansons représente aussi très bien l’époque avec des standards de cette période. Évidemment, avec à peine 20 minutes, c’est un peu court pour un album, mais ça représente bien les limites de l’époque. Même par chanson, ils étaient limités à 3 minutes 15. Pour les nostalgiques d’une époque révolue depuis longtemps, voici ce qu’il vous faut pour vous replonger presque un siècle derrière. (novembre 2017)

Sur ce premier enregistrement, Lydia Persaud présente un style folk unique au ukulélé, avec une voix plutôt soul. L’artiste de Toronto a su s’entourer de musiciens de grand talent, dont Robbie Grunwald (claviers, basse et guitare) qui assure en plus la réalisation.  Low Light est malheureusement un mini-album de quatre pièces seulement (moins de 14 minutes), mais il se présentera comme une excellente carte de visite pour cette artiste au talent illimité qu’il faudra surveiller de près. (novembre 2017)

Depuis quelques années, l’ex-chanteur de Led Zeppelin semble plus inspiré que jamais, en plus de n’avoir rien perdu de sa voix puissante. Robert Plant remet ça avec Carry Fire qui semble vouloir nous hypnotiser dès la pièce d’ouverture, « The May Queen ». On y retrouve un son qui peut rappeler Led Zeppelin à l’époque de « Stairway to Heaven », tout en conservant la personnalité unique que Plant a su acquérir au cours de sa longue carrière solo de 35 ans. On peut en effet entendre tout au long de cet album de fortes inspirations folks anglaises, qui l’ont placé dans une case à part ces dernières années. Son mélange folk et rock avec des traces moyen-orientales s’en trouve à nouveau particulièrement réussi et il est bien difficile de ne pas demeurer accroché jusqu’à la fin des 11 pièces. La présence encore une fois des Sensational Space Shifters y est possiblement pour quelque chose. À noter sa reprise d’une vieille chanson obscure de 1958 de Ersel Hickey, « Bluebirds Over the Mountains », qui prend toute sa forme ici, comme si elle venait de la main même de Plant. Carry Fire s’avère être un album complet, sans véritables faiblesses. (novembre 2017)

Le groupe français qui s’exprime en anglais est de retour avec son sixième album, après un mini-album amuse-gueule plus tôt cette année (ApeTizer). Plus que jamais Shaka Ponk fusionne les genres, alors que l’on retrouve toujours cet habile mélange entre rock énergique (« Gung Ho », « Fear Ya ») et électro-pop (« Faking Love »). Le groupe pousse même en direction du métal sur « Wataman » et il marie rock et funk sur « Rusty Fonky ». Sur « Slam & Slam’Ed », c’est le rap qui est à l’honneur avec la collaboration d’Edouard Baer. Puis, le groupe nous offre sa première ballade avec « Mysterious Ways ». Malgré ses explorations diverses, Shaka Ponk conserve ses mélodies mémorables et ses rythmes très entraînants. Mais surtout, le groupe demeure bien de son époque, tant musicalement qu’au niveau des textes. C’est un disque qui s’avère encore une fois vraiment divertissant sur toute sa longueur, malgré près d’une heure de musique. Avec The EVOL, Shaka Ponk présentent assurément leur album le plus abouti à ce jour, un album complet et riche. (novembre 2017)

Vidéoclips : « Gung Ho » - « Mysterious Ways » - « Wrong Side »

Le pianiste parisien s’entoure ici de nombreux artistes de renom pour rendre hommage à Barbara, cette grande dame de la chanson française décédée il y a 20 ans. Alexandre Tharaud est accompagné de Dominique A, Vanessa Paradis, Jean-Louis Aubert, Radio Elvis, Bénabar, Jane Birkin, Albin de la Simone, Rokia Traoré, Juliette Binoche et plusieurs autres. En fait, ce sont 15 chansons de Barbara qui sont présentées, en plus de « Pierre » qu’on retrouve en prélude et en postlude. Certains seront tristes de ne pas entendre « L’aigle noir », mais la plupart de ses plus grandes chansons s’ajoutent à des pièces moins diffusées sur ce très bel hommage piano-voix. Un deuxième CD, intitulé Écho, propose des textes sans musiques et des musiques sans textes, comme une fin de soirée en toute simplicité. Voici donc un très bel album qui permet de redécouvrir une partie de l’œuvre de Barbara. (novembre 2017)

Avec son deuxième album, Subduction, la pianiste et compositrice Julie Thériault nous offre des pièces instrumentales envoûtantes, très cinématographiques. Elle qui est aussi peintre, elle signe la toile que l’on retrouve sur la pochette. Le mot « subduction » se définit en océanographie comme un mouvement lent, mais irréversible. C’est un peu l’impression que nous donne l’album avec des pièces lentes, un mélange d’ombre et de lumière, qui nous amènent dans un long voyage. On voit pratiquement des images défiler devant nous. Un chœur de 20 voix masculines s’ajoute à plusieurs pièces, ainsi que l’ensemble de cordes de l’Orchestre symphonique de Bratislava. On peut aussi entendre la violoniste d’origine arménienne Nuné Melik qui vient enrichir « Etna » et « Vlast » de son violon Landolfi 1750. C’est Michel Bélanger qui a assuré la direction artistique de Subduction, réalisé et mixé par Julie Thériault (qui signe aussi les arrangements) et Claude Champagne. Voici un très beau disque pour une atmosphère agréable et détendue. (novembre 2017)

Après le folk de son album éponyme en 2011 et la pop d’À la manière des anges en 2014, Mara Tremblay revient avec un album plus rock avec Cassiopée, son septième disque en carrière. Par contre, on y trouve encore quelques envolées pop aériennes toutes en douceur. Mara s’est impliquée à toutes les étapes de la production de Cassiopée, même au design de la pochette. Elle est tout de même entourée de fidèles collaborateurs, comme son fils Victor Tremblay-Desrosiers à la batterie et François Sunny Duval à la guitare, sans oublier Benoît Bouchard à la console et au mixage. Véritable histoire de famille, « Entre toi et moi » a été écrite par son fils, Édouard Tremblay-Grenier, qui la chante avec sa mère. Il a aussi coécrit « Avec le soleil » avec Mara, et il y participe à la guitare. L’amour, l’amitié et la passion demeurent au cœur des thèmes abordés par Mara, qui les livre toujours avec autant d’authenticité et de sincérité. C’est encore une fois un excellent disque que nous propose Mara Tremblay, un album très agréable à écouter sur toute sa longueur. (novembre 2017)

Il y a déjà 15 ans que le groupe indie rock a été formé à Cleveland, Ohio, avant de se relocaliser à Richmond, Virginie. J. Roddy Walston and the Business présentent aujourd’hui leur quatrième album. Ils proposent une fusion entre rock alternatif contemporain, rock classique et rock sudiste. Leurs mélodies accrocheuses les rendent aussi grandement accessibles à un auditoire plus amateur de pop. Ils nous accrochent littéralement dès l’ouverture du CD avec les incontournables « You Know Me Better » et « Blade of Truth », en plus des excellentes « The Wanting » et « Bad Habits » un peu plus tard. Même si l’album s’avère quelque peu inégal, il présente suffisamment de pièces entraînantes pour conserver notre intérêt. (novembre 2017)

Après le solide White Album l’an passé, Weezer prend un nouveau virage avec Pacific Daydream. D’abord clairement influencé par sa Californie natale, avec des titres comme « Beach Boys » et « Feels Like Summer », le groupe propose en plus des chansons littéralement pop qui laissent de côté les guitares abrasives pour affronter les Maroon 5 et autres boys bands contemporains. Ils ajoutent même des rythmes et autres éléments électroniques, une première pour Weezer. Les mélodies pop se veulent peut-être un hommage aux Beach Boys, mais c’est raté… Non seulement le groupe ne rejoindra pas l’auditoire de ces légendes, mais il manque en plus de la fraîcheur pour exciter la nouvelle génération d’auditeurs. Une surproduction enveloppe le tout dans un beau petit disque bien propret qui s’adresse à qui finalement? Personne! (novembre 2017)

The White Buffalo, c’est le projet de Jake Smith, un Californien né en Oregon qui a commencé à jouer de la musique à seulement 19 ans. Il propose un mélange de folk, de rock et de country, avec une forte tendance sudiste. Darkest Darks, Lightest Lights est son cinquième album et il poursuit dans la même direction avec plusieurs chansons solides interprétées de sa voix grave et profonde. The White Buffalo s’est déjà fait remarquer par sa musique dans différents films et émissions de télévision, mais avec cet album, il pourrait fort bien attirer l’attention d’un plus large auditoire. (novembre 2017)

Pour son premier album en quatre ans, l’Hawaïen Jack Johnson propose 10 chansons légères et ensoleillées, des chansons complètement dépouillées prenant des allures de musique folk en plusieurs occasions. Ses mélodies pop demeurent tout de même à l’avant-plan pour une musique grandement accessible et tellement plaisante à fredonner à l’infini. Quelques titres bénéficient d’arrangements plus complets, comme « Big Sur » par exemple qui ne manque pas d’attirer notre attention au beau milieu de cet ensemble tout en simplicité. Avec ce septième album, Johnson nous offre un album tout simple c’est vrai, mais oh combien lumineux et agréable à écouter jusqu’au bout! On se retrouve presque malgré nous sur une plage d’Hawaï à nous laisser bercer par les vagues en bruit de fond à la musique captivante de Jack Johnson. (chronique principale d'octobre 2017)

Après avoir formé plusieurs groupes, l’auteur-compositeur et interprète londonien Jack Cooper présente son tout premier album solo. Il y propose un son indie plutôt doux qui fait une introspection sur sa jeunesse. Complètement enregistré et réalisé seul à la maison, Sandgrown est rempli de mélancolie. Les mélodies s’avèrent inoubliables et son jeu de guitare appuie magnifiquement sa voix douce et intimiste. On compte deux instrumentaux très agréables, même si on y regrette sa voix. Avec seulement neuf titres totalisant à peine 30 minutes, le principal défaut de l’album est qu’il est beaucoup trop court. Il faut donc le rejouer en boucles! (découverte du mois d'octobre 2017)

Après un premier album éponyme acclamé de la critique en 2014, le groupe indie rock de Toronto est de retour avec Antisocialites. Les attentes étaient grandes, mais le groupe réussit à ramener le même son indie pop passablement bruyant, un mélange entre new wave et pop punk, avec un niveau de confiance encore plus élevé. Il en résulte d’excellentes chansons empreintes de romantisme et d’émotivité, sur un court disque de moins de 33 minutes. Les arrangements sont de plus grande envergure, plus complets que sur leur CD précédent. Antisocialites est un album extrêmement solide qui ne comporte que peu de faiblesses en plus de compter plusieurs chansons mémorables (« In Undertow », « Dreams Tonite », « Plimsoll Punks », « Lollipop (Ode to Jim) »). (octobre 2017)

Sur Hearts That Strain, le chanteur britannique laisse tomber les éléments d’électronique de son disque précédent pour plutôt se concentrer sur un style folk rock inspiré des années 1960 et 1970. Même s’il présente une musique qui semble provenir d’une autre époque, elle va beaucoup mieux à Jake Bugg que tout ce qu’il a pu produire précédemment. En fait, c’est comme s’il venait de vraiment découvrir sa personnalité musicale. Le réalisateur Dan Auerbach y est peut-être pour quelque chose puisqu’il l’a invité à Nashville pour enregistrer ce disque unique de seulement 36 minutes. La voix de Bugg peut parfois agacer, mais musicalement, il s’agit de son meilleur album à ce jour et de loin, alors que l’on s’y plaît jusqu’à la fin. À noter la présence remarquée d’une chanteuse invitée, Noah Cyrus (la jeune sœur de Miley) qui prête sa voix à la magnifique « Waiting ». (octobre 2017)

Annie Comtois a obtenu un succès planétaire avec « Mes souliers » et a présenté plus de 300 spectacles en Amérique du Nord. Elle lance maintenant un troisième enregistrement, un mini-album de six titres. Avec Les escales, l’auteure-compositrice et interprète québécoise nous fait voyager à travers différentes aventures de la vie, toujours avec le sourire. Elle propose un mélange de folk rock, de soul, de pop et de chanson française, un ensemble qui se solidifie autour de sa voix ensoleillée. Un très bon exemple est son premier extrait, « Tes lunettes roses », ainsi que la pièce qui conclut le disque, « Carte postale ». (octobre 2017)

Vidéoclip : « Tes lunettes roses »

Sylvie DesGroseilliers a commencé sa carrière de chanteuse sur le tard, mais elle s’est bien reprise depuis avec trois albums, des présences à Belle et Bum et à La Voix, ainsi que plusieurs revues musicales. Sur Women of Soul, disponible en format numérique, elle rend hommage à plusieurs chanteuses noires comme Etta James, Aretha Franklin, Patti Labelle, Tina Turner, Donna Summer et Whitney Houston. En boni, elle interprète une chanson originale, « Laisse-toi aller », en plus de reprendre le classique de George Thurston (Boule Noire), « Aimer d’amour », qu’elle a si souvent interprété avec son style unique. La voix soul de Sylvie se trouve dans une classe à part pour nous faire redécouvrir à sa façon de si grandes chansons. En plus, elle nous en offre pour notre argent avec plus de 77 minutes de musique. Et avec une tournée pour accompagner l’album qui débarquera à Montréal le 8 novembre à la Maison de la culture Maisonneuve, quelle belle façon de se préparer à souligner 20 ans de carrière en 2018! (octobre 2017)

Avec Politesses, Félix Dyotte propose un deuxième album léger qui favorise l’abandon et nous fait rêver de voyages. À ses fidèles musiciens s’ajoutent des collaboratrices de renom comme Evelyne Brochu pour « Je cours » et Béatrice Martin (Cœur de Pirate) pour « Croix ». On peut aussi entendre Philémon Cimon dans « Pour ce que valent tes larmes ». La direction des cordes a encore une fois été confiée à Philippe Brault, qui réussit à apporter une magie à cette musique douce et réconfortante intégrant aussi de l’électro. Politesses contient 13 titres qui s’enchaînent à merveille. (octobre 2017)

Sur leur neuvième album, les Foo Fighters prennent un certain virage musical alors qu’ils s’orientent un peu plus vers le rock progressif, plutôt que l’alternatif et le post-grunge qui les caractérisait jusque-là. Les guitares demeurent toujours aussi grinçantes, mais dans des chansons qui évoluent constamment, tant dans le rythme que dans l’atmosphère. Il est clair que Dave Grohl s’inspire ici de Josh Homme et Queens of the Stone Age. Les éléments occasionnels de hardcore sont intéressants, mais l’ensemble s’avère plutôt déstabilisant et difficile à suivre. Il y a bien un côté rafraîchissant à cette évolution pour le groupe de Seattle, mais les fans auront peut-être de la difficulté à adhérer à cette nouvelle direction musicale. (octobre 2017)

Le Montréalais Lewis Furey est surtout connu pour avoir composé de la musique pour les films et les albums de son épouse, l’actrice et chanteuse Carole Laure. Quant à Johannes Brahms (1833-1897), il est surtout reconnu pour ses symphonies, ses concertos, sa musique de chambre et ses nombreuses œuvres pour piano. Par contre, il a aussi écrit près de 200 chansons (lieder) parues dans 33 recueils. Sur cet album, Lewis Furey rend hommage aux lieder de Brahms en en adaptant 17 en anglais et en les interprétant en version piano-voix, soit dans la plus pure tradition allemande. On peut en reconnaître quelques-unes, dont la plus célèbre, la berceuse « Lullaby & Goodnight ». (octobre 2017)

Le duo formé du couple Jacques Dion et Geneviève Garceau avait été absent depuis 14 ans. Les voici de retour avec un premier album et un nouveau spectacle. Nouveau départ contient 10 chansons country à tendance folk, pop et même rock sur la pièce d’ouverture, « Une bonne journée ». Jacques Dion joue de la guitare, écrit et compose depuis toujours. Il est surtout connu pour avoir signé le classique « Ce n’était qu’un rêve » popularisé par sa sœur Céline. On retrouve d’ailleurs leur propre version de la chanson en conclusion du disque. Avec cet album, le duo Jacques & Geneviève trouvera sûrement sa place à l’avant-scène. (octobre 2017)

Jamil revient de loin, mais il est de retour sur disque avec rien de moins que le premier volume d’une trilogie. Sur Chansons autorisées, il propose huit chansons hors normes pour un total de moins de 33 minutes. Cet amoureux des mots s’entoure de chanteuses et mélodistes hors-pair alors que Lynda Thalie prête sa voix à « Gens du naufrage » et qu’Amélie Veille signe la musique de « Sur ton bord de mer » et la chante en duo avec Jamil. Valérie Lahaie signe aussi la mélodie de « J’aime les mots ». Chansons autorisées se présente principalement comme une introduction à la trilogie alors qu’il semble incomplet en soi. (octobre 2017)

Le charismatique chanteur country américain nous revient avec son deuxième album, intitulé Everybody. Chris Janson présente un son country contemporain à forte tendance pop grâce à des mélodies inoubliables et des rythmes entraînants. La production est de qualité avec des arrangements de grande envergure qui donnent un côté beaucoup plus urbain que rural à sa musique country. On pourrait même dire que le disque est parfois surproduit et qu’on aurait peut-être préféré un son un peu plus sale, plus écorché. Janson propose clairement une musique pour les radios et les spectacles à grand déploiement dans les arénas. L’ensemble s’avère ensoleillé et divertissant, ce qui devrait satisfaire une bonne part de l’auditoire amateur de country contemporain. (octobre 2017)

Bizarrement, après nous avoir offert le mini-album J’ouvert plus tôt cette année, qui totalisait près de 48 minutes dans sa version de luxe, Wyclef Jean nous arrive avec son premier album complet en 10 ans qui n’atteint même pas les 43 minutes. Carnival III est lancé 20 ans après The Carnival, son premier album solo après s’être fait découvrir au sein des Fugees. Il s’agit d’un album habituel pour Jean, sans grandes surprises. Rempli de positivisme, il représente au moins une bouffée de fraîcheur en ce sens. Par contre, il s’avère musicalement sans grand intérêt avec des morceaux qui manquent cruellement de personnalité. Encore une fois, il fusionne habilement les genres, avec des rythmes du monde, du soul, du hip hop et bien sûr du R&B. Mais, rien ne réussit à véritablement se démarquer du lot, étonnamment sans saveur. Carnival III compte bon nombre de collaborateurs, mais qui n’ajoutent rien de plus à l’ensemble, même Emeli Sandé. Finalement, malgré ses défauts et incohérences, on peut conclure que J’ouvert proposait un ensemble plus intéressant, surtout avec sa reprise de « Ne me quitte pas » de Jacques Brel. (octobre 2017)

Après l’album Pleurer pour rire en 2013, le populaire groupe québécois est de retour avec Welcome bonheur, son sixième opus en 17 ans de carrière. Dès l’écoute de la chanson-titre, on sent un désir d’explorer de nouveaux territoires avec un rock ‘n’ roll efficace. Kaïn remet ça avec le dynamique succès « Comme un bum ». Par contre, on retrouve toujours plusieurs titres dans leur style unique de folk contemporain. On sent une certaine maturité s’installer, comme si le groupe réalisait que les années passent et qu’il faut profiter de la vie. C’est donc un album extrêmement positif que nous proposent Steve Veilleux et sa bande, un disque agréable à écouter jusqu’au bout et qui plaira assurément à leurs nombreux fans. (octobre 2017)

Vidéoclip : « Comme un bum »

Originaire d’Ottawa et maintenant établie à Paris, Kyrie Kristmanson est une artiste à part entière, dans le plus pur sens du terme. De sa voix envoûtante, elle nous propose une musique folk aux influences moyenâgeuses. Elle est en plus accompagnée ici du Quatuor Noce, une jeune formation française classique qui aime l’expérimentation. Sur cet album de 10 titres, Kyrie propose un voyage dans un autre monde et une autre époque. Plutôt difficile d’accès, tant pour les amateurs de folk que de classique, Modern Ruin est un album à découvrir lentement, avec une grande ouverture. (octobre 2017)

L’auteure-compositrice et interprète française en a fait du chemin depuis sa victoire il y a 15 ans lors de la deuxième édition de Star Academy en France. Nolwenn Leroy est aujourd’hui de retour sur disque avec Gemme, un album enregistré à Londres et réalisé par Jamie Ellis (Adele, Florence and the Machine). Elle y propose d’ailleurs quelques titres en anglais (« The Lake », « A Dream », « Run It Down »). Elle présente un album plus pop que ses précédents mais surtout, les 11 chansons nous plongent dans un univers unique et inhabituel, celui des minéraux et des pierres. C’est un disque de qualité que nous propose Nolwenn Leroy, un disque qui réussit à bien mettre en valeur la voix de la chanteuse. (octobre 2017)

Seulement un an après Midnight Machines, la prolifique chanteuse ontarienne est déjà de retour avec un nouvel album. Lights y présente des chansons particulièrement accrocheuses qui vont de l’électro pop dansante (« Until the Light ») au rock plutôt agressif (« Savage »). On y retrouve toujours bien sûr des chansons plus douces de pop alternative, mais dans tous les cas, sa voix demeure à l’honneur. Malgré les variations de styles, elle réussit à créer une ligne directrice solide influencée par les bandes dessinées qu’elle a produites récemment. En fait, chacune des 14 pièces tire son inspiration d’un chapitre. Elle présente des compositions de premier plan, chargées d’émotion, et d’une grande puissance. Une poignée de réalisateurs ont réussi à faire scintiller ces chansons aux qualités exceptionnelles pour en faire l’album le plus agréable de Lights à ce jour. En fait, ce sont les moments plus faibles qui se font rares alors que l’ensemble demeure efficace jusqu’à la fin. On peut certainement affirmer que Lights réussit à nous offrir son album le plus convaincant avec Skin & Earth. À écouter en boucle! (octobre 2017)

Vidéoclips : « Giants » - « Skydiving » - « Savage » - « New Fears »

Le groupe torontois Lowest of the Low a été formé il y a plus de 25 ans, mais il a pris de longues pauses en cours de route. Il s’agit donc seulement de leur cinquième album, le premier en 13 ans. Les gars proposent toujours un son rock alternatif qui balance entre les années 1980 et 1990, un son qui a plutôt vieillit quoi! On peut aussi entendre quelques moments de hard rock (« The Hard Way ») et des mélodies pop un peu partout sur l’album. Do the Right Now offre de très bons moments, mais il faut avouer que Lowest of the Low n’est pas le groupe le plus original. Leur musique s’adresse donc principalement aux nostalgiques d’une époque révolue de l’histoire du rock, soit quand les guitares occupaient toute la place avant d’être remplacées par des arrangements électroniques. (octobre 2017)

Gagnante du Grammy pour le meilleur album jazz vocal en 2016 pour l’album For One to Love, l’artiste franco-américaine est déjà de retour, et avec un album double de 112 minutes en plus. Cécile McLorin Salvant ne lésine pas et poursuit son ascension fulgurante, elle qui n’est âgée que de 27 ans. Elle propose 23 titres, des compositions originales et des reprises judicieusement choisies, qui tournent autour du thème des relations interpersonnelles. Coréalisé par Cécile et Al Pryor, Dreams and Daggers a été enregistré devant public à New York. En plus de son trio régulier, elle est accompagnée du quatuor à cordes Catalyst Quartet et du pianiste Sullivan Fortner. Il s’agit d’un album ambitieux, rempli d’humour et d’intelligence, et qui confirme le talent incomparable de Cécile McLorin Salvant. (octobre 2017)

Oktopus est un groupe montréalais qui propose une musique klezmer (musique juive ashkénaze) influencée tant par le classique que le jazz et la chanson québécoise. Ils puisent dans la musique de l’Europe de l’Est et proposent un mélange à la fois festif et mélancolique. Même si la majorité des 12 pièces constituent des arrangements de pièces traditionnelles klezmer, le classique est bien présent avec « Danse hongroise No 5 » de Brahms et « Le rêve d’Anne Frank » de Prokofiev avec la voix de Jorane. Quant au jazz, on le retrouve dans « Funk Tashlikh », chantée par Karen Young, et « Freylekh ». Par ailleurs, le groupe nous offre une version unique et extrêmement réussie de « Le p’tit bonheur » de Félix Leclerc. Le réalisateur François Lalonde a réussi à créer une uniformité à travers cet album qui sur papier pourrait sembler aller dans toutes les directions. En fait, c’est le style unique du groupe qui cimente le tout pour en faire une œuvre complète en soi. Si vous aimez le klezmer et les musiques d’Europe de l’Est, voici un album à découvrir. (octobre 2017)

Le duo de Vancouver est de retour avec un nouvel album, moins d’un an après Positive Thinking. Sur Dollhouse, The Pack AD continue de s’éloigner de ses influences blues et punk qui ont fait qu’il a abondamment été comparé aux White Stripes et aux Black Keys. Becky Black (voix et guitare) et Maya Miller (batterie) demeurent dans un style indie rock souvent grinçant, parfois même expérimental, mais avec de solides mélodies pop qui les rendent tout à fait accessibles à un vaste auditoire. The Pack AD nous propose encore une fois un excellent album, dont le principal défaut est d’être trop court avec seulement 28 minutes. (octobre 2017)

Pour son nouvel album, Dany Placard entame un sérieux virage. Alors qu’il avait un disque folk presque complet, il décide de le mettre à la poubelle, parce qu’il en a assez du folk, qu’il a fait le tour. Avec Full Face, il propose plutôt un album de rock alternatif avec des paroles plus abstraites et des atmosphères bien particulières. La chanson-titre et premier extrait en montre d’ailleurs un bon aperçu. C’est un album plus qu’intéressant que nous présente Dany Placard, un disque rock de premier plan qui risque fort de se démarquer parmi les albums québécois de l’année. (octobre 2017)

Vidéoclip : « Full Face »

En 1996, S.V. Ray a accédé à la grande finale du Festival international de la chanson de Granby. Plus de 20 ans plus tard, il présente son deuxième album avec Génération. Il propose 12 chansons francophones dans un style country avec de très bonnes mélodies pop. Il a d’ailleurs obtenu des succès radio avec « C’est ma voie » et « Tiens bon la route ». S.V. Ray rend hommage à son père sur « Daddy », à sa conjointe sur « Thank God For You » et à son fils sur « C’est toi qui choisis ». Parmi les musiciens qui ont collaboré à l’album, notons Guy Gagner au violon (Guylaine Tanguay), John McDiarmid au piano (Patrick Norman) et Maxime Lalanne à la batterie (Marie-Mai, Marc Dupré). Ray signe tous les textes, musiques et arrangements, en plus d’avoir coréalisé l’album avec Luc Boivin. C’est un album de country contemporain efficace, un album passablement divertissant. (octobre 2017)

Suite à l’immense succès de ses deux premiers albums, le DJ allemand est de retour avec Uncovered, un album de 18 titres totalisant près de 68 minutes. On y trouve à nouveau la musique house très pop typique à Robin Schulz, parfaite tant pour les planchers de danse que les radios commerciales. Il s’entoure de collaborateurs de renom dont David Guetta, un autre DJ, pour le succès « Shed a Light ». On peut aussi entendre James Blunt (sur l’excellente « OK »), Rhys, Nico Santos et Cheat Codes. Schulz ne présente assurément pas d’aussi gros succès potentiels que sur ses disques précédents, mais ses fans apprécieront certainement quand même. (octobre 2017)

Vidéoclips : « Shed a Light » - « OK »

Avec son cinquième album, Annie Clark (alias St. Vincent) présente des chansons beaucoup plus personnelles, se cachant moins derrière son personnage qu’auparavant. On y retrouve des chansons qui datent de plusieurs années, tirées de mémos vocaux, messages textes, bouts de mélodies et notes diverses, recueillies lors de ses différents voyages autour du monde. Réalisé par Jack Antonoff (Lorde, Taylor Swift), Masseduction propose un son plus pop que sur ses précédents disques, avec toujours une bonne dose de guitares, de synthétiseurs et d’autres éléments d’électro souvent complexes. Plusieurs rythmiques s’avèrent entraînantes, comme par exemple avec la chanson-titre. Mais ce sont les mélodies inoubliables qui nous attirent rapidement sur cet album de premier plan, certainement son plus solide à ce jour. Grâce à Masseduction, St. Vincent s’assure encore une place parmi les meilleurs albums de l’année, une habitude qu’elle conserve maintenant depuis trois albums. (octobre 2017)

C’est transporté par l’immense succès radio de « Nation » que TIBZ présente son tout premier album du même titre. Le chanteur français propose une musique pop énergique avec des éléments de musique folk. Il possède un sens inné de la mélodie qui nous pousse à chanter avec lui et à continuer de fredonner ses chansons à l’infini. En plus de la chanson-titre, plusieurs pièces possèdent un grand potentiel commercial comme « On n’est pas bien là? », « Mon sud », « Été indien » (rien à voir avec le classique de Joe Dassin) et « Ton sourire ». C’est un album surprenant par sa grande efficacité et sa solidité que nous offre TIBZ. Une bien belle découverte! (octobre 2017)

Vidéoclip : « Nation »

Now est le premier album de la chanteuse canadienne en 15 ans, seulement le cinquième de sa carrière qui s’étend sur trois décennies. Shania Twain demeure tout de même la chanteuse country ayant vendu le plus d’albums à ce jour (75 millions). Sur ce nouveau disque, elle se permet pour la première fois d’écrire toutes les chansons, en plus d’agir en tant que coréalisatrice. On peut entendre 16 chansons aux styles plutôt variés alors que la musique country côtoie une pop des années 1960 ou plus moderne, une musique adulte contemporaine et plusieurs ballades. Rapidement on réalise que Shania a perdu son côté flamboyant et divertissant des années 1990, ce qui l’a rendue célèbre en fait. Ici, c’est plutôt sa douleur des dernières années (maladie, séparation) qui ressort tout au long du disque, alors qu’elle semble presque s’apitoyer sur son sort, à moins que ce soit sa thérapie personnelle qu’elle nous offre. Par contre, il reste bien peu de côtés excitants à cette musique franchement ennuyante dans l’ensemble. Quelques titres plus intéressants nous arrivent vers la fin (« You Can’t Buy Love » et le premier extrait « Life’s About to Get Good »), mais c’est trop peu trop tard. Now n’a plus rien à voir avec ce que l’on connaissait (et aimait) de Shania Twain. (octobre 2017)

Vidéoclip : « Life’s About to Get Good »

The Weather Station, c’est en fait une dame, Tamara Lindeman, une auteure-compositrice et interprète torontoise qui propose un son folk indie depuis une dizaine d’années. Deux ans après l’album acclamé par la critique Loyalty, elle est de retour avec un nouvel enregistrement éponyme. Sur ce nouvel album, elle se réinvente en ajoutant des arrangements musicaux plus audacieux à ses récits poétiques. Sa voix demeure vibrante et unique, mais les cordes qui s’ajoutent à l’ensemble lui donnent une richesse musicale grandement appréciée. (octobre 2017)

Pour son nouvel album, la pianiste et chanteuse jazz de Toronto sort de sa zone de confort alors qu’elle se retrouve seule au piano plutôt qu’entourée de musiciens chevronnés. Carol Welsman y propose 16 chansons qui ont été choisies par ses fans et qui sont remplies de romantisme. On peut y entendre quelques chansons françaises (« Les feuilles mortes », « Les parapluies de Cherbourg », « Les moulins de mon cœur »), des classiques latins (« Besame Mucho », « Corcovado », « Garota de Ipanema), ainsi qu’un bon nombre de standards américains. For You est un album intimiste qui nous permet de redécouvrir la voix chaude et sensuelle de Carol Welsman. (octobre 2017)

Enregistré à Malibu un jour de 1976, Hitchhiker est un album qui est resté dans la voûte de Neil Young et n’a jamais été publié, contrairement à Homegrown et Chrome Dreams, ses cousins de la même époque. Il nous est enfin présenté plus de 40 ans plus tard, alors qu’il hésitait à le considérer comme une œuvre achevée jusqu’à ces dernières années. Réalisé par David Briggs, il s’agit d’un album enregistré totalement en solo, alors que Young est seul à la guitare et occasionnellement à l’harmonica. Les chansons sonnent comme des classiques de Neil Young, mais en version très dépouillée et relâchée. Avec un peu plus d’arrangements et de conviction de la part de Young, elles auraient pu se retrouver sur la plupart de ses albums sans Crazy Horse. La seule pièce à être parue sur un autre disque est « Campaigner » qu’on a pu entendre sur Decade en 1977. Les fans inconditionnels de Neil Young auront beaucoup de plaisir à découvrir cette œuvre inconnue. Si vous n’en êtes pas, beaucoup d’autres albums de sa vaste carrière risquent de vous satisfaire davantage. (octobre 2017)

Cinq ans se sont écoulés depuis le deuxième album de la blonde chanteuse, cinq ans pendant lesquels Kesha a surtout mis son énergie dans une bataille légale avec son ex-collaborateur Dr. Luke qu’elle a d’abord accusé d’harcèlement sexuel et psychologique. Cette situation toujours tendue transparaît dans plusieurs des textes de Rainbow. Musicalement, Kesha s’oriente vers une musique un peu plus rock, folk et même country. Elle présente plusieurs excellentes compositions, originales et qui mettent en valeur ses capacités vocales. L’utilisation de pianos et de cordes, notamment dans la chanson-titre, ajoute une certaine richesse à l’ensemble et le fait passer au niveau supérieur. Kesha collabore en plus avec des artistes surprenants, comme Eagles of Death Metal sur 2 titres, The Dap-Kings Horns et Dolly Parton. Rainbow ne contient peut-être pas de succès instantanés de la trempe de « TiK ToK », mais il s’avère beaucoup plus intéressant que ses deux disques précédents. (chronique principale de septembre 2017)

Vidéoclips : « Woman » - « Praying » - « Learn To Let Go » - « Rainbow »

Après nous avoir présenté le méga succès « Take My Hand » et un mini-album, le duo irlandais Picture This propose son tout premier album complet. On peut y entendre un son folk pop avec quelques tendances rock, mais surtout des mélodies complètement inoubliables. D’ailleurs, le récent extrait, « Everything I Need », est déjà un favori des radios commerciales et risque de ne plus vous quitter après quelques écoutes. Ryan Hennessy (voix et guitare) et Jimmy Rainsford (batterie) possèdent assurément une recette gagnante et un talent indéniable pour écrire des chansons d’une grande efficacité. (découverte du mois de septembre 2017)

Vidéoclips : « Take My Hand » - « Never Change » - « Everything I Need »

Jason Bajada a toujours carburé aux drames romantiques. Par contre, dans la foulée de l’excellent album Volcano et du succès radio de « Pékin (Les amitiés) », il a carrément frappé un mur. Peine d’amour, amitiés qui s’effondrent et trahisons l’ont fait glisser vers des idées suicidaires et un séjour en hôpital psychiatrique. Si son album Loveshit en 2009 lui avait permis de chasser quelques démons, quoi de plus logique que de présenter un Loveshit II pour se vider le cœur. C’est ce que Bajada fait à fond sur ce double album de 20 titres totalisant 74 minutes. Grâce à la réalisation de Philippe Brault qui sait mettre en valeur le talent de mélodiste de Bajada, l’album ne semble pas trop misérabiliste finalement, mais plutôt tourné vers l’avenir et rempli d’espoir. Les chansons pop rock efficaces alternent avec des pièces mid-tempo qui peuvent rappeler Morrissey (« The Worst Year of My Life ») ou The Cure (« Painkiller »). Il nous offre aussi la poignante ballade acoustique « You Had Me at I’m Gonna Ruin Your Life ». Même si Jason Bajada raconte des histoires généralement sombres, il réussit à nous faire conserver notre bonne humeur, un tour de force en soi! (septembre 2017)

Pour son troisième album, Vallée d’argent, Sarah Bourdon s’est fortement inspirée d’un séjour marquant au Costa Rica. Pour sa première expérience de réalisation, l’auteure-compositrice et interprète fait équipe avec Marc Bell (Jason Bajada, Ariane Brunet, Karim Diouf). Il en résulte un album varié qui oscille entre douceur et puissance. Il a été enregistré en grande partie en direct, question de préserver l’énergie et la spontanéité. On peut y entendre la section rythmique de The Brooks (Maxime Bellavance et Alexandre Lapointe), ainsi que le pianiste et claviériste François Lafontaine (Karkwa, Alexandre Désilets, Marie-Pierre Arthur). Des arrangements de cordes réalisés par la violoniste Mélanie Bélair et interprétés par le quatuor à cordes Mommies on the Run ajoutent une couche d’arrangements sur quelques titres. L’album présente un savant mélange de textures et de nuances à travers duquel la voix puissante de Sarah ressort en plusieurs occasions. Mélodiste hors-pair, Sarah Bourdon présente une pop orchestrale de grande qualité, tout en faisant un retour sur ses débuts folk avec « As a Statue of Love » en conclusion du disque. (septembre 2017)

Le légendaire auteur-compositeur et interprète canadien revient avec son premier album en sept ans, qui sera suivi d’une imposante tournée. Bientôt intronisé au Panthéon des auteurs et compositeurs canadiens, Bruce Cockburn demeure toujours aussi pertinent avec ses textes percutants et son style folk rock unique. Ce 33e album a été réalisé par Colin Linden qui réussit à soutirer le meilleur de l’artiste de 72 ans. Son jeu de guitare demeure remarquable et est au cœur de ce disque extrêmement intéressant. Les 11 titres incluent « 3 Al Purdys » en l’honneur d’Al Purdy qui est à la source même de l’inspiration pour ce disque. Avec Bone on Bone, Bruce Cockburn semble plus solide que jamais, en parfait contrôle de son art. (septembre 2017)

Suite au succès de One World il y a deux ans, le guitariste et compositeur canadien revient avec un nouvel album. Comme son titre l’indique, Jesse Cook explore plus que jamais les musiques du monde sur Beyond Borders, un véritable voyage musical. Il y a bien toujours ce fond de new age joué de main de maître à la guitare acoustique, mais l’ensemble oblige à une bien plus grande ouverture sur le monde avec des traces de musique latine, méditerranéenne, de flamenco, etc. C’est donc encore une fois un album très agréable à écouter que nous propose Jesse Cook. (septembre 2017)

Trois ans après Le monde perdu, Daran est de retour avec son 10e album en carrière, un album intense et revendicateur. La plupart des textes ont été écrits par son fidèle comparse Pierre-Yves Lebert, sauf deux par Erwan Le Berre (Atomique DeLuxe). Daran a composé toutes les musiques dans son studio situé au sous-sol de sa résidence montréalaise. Plusieurs des enregistrements de voix proviennent des premiers jets, ce qui donne un aspect brut particulièrement intéressant. Et il enregistre lui-même tous les instruments. Endorphine demeure dans la lignée de ses albums précédents, sans grandes surprises. Par contre, les fans de Daran devraient encore apprécier ses critiques sociales puissantes. (septembre 2017)

Établi à Toronto depuis une vingtaine d’années, le pianiste natif de La Havane effectue son grand retour sur disque avec Contumbao. Pour l’occasion, Hilario Duran est retourné à La Havane pour enregistrer au célèbre studio Egrem, qu’il avait connu dans les années 1970 et 1980. Il est entouré de musiciens reconnus pour l’enregistrement de ces 12 pièces de jazz aux influences cubaines. On peut même entendre un invité très spécial en Chucho Valdes, une grande influence d’Hilario, qui s’exécute dans un duo de piano enflammé avec lui sur la pièce « Duo Influenciado ». Cette pièce a été enregistrée à Toronto pendant la tournée de Valdes avec Joe Lovano. C’est encore une fois un album de grande qualité que nous propose Hilario Duran avec Contumbao. (septembre 2017)

Le pianiste, arrangeur et compositeur Jean Fernand Girard présente seulement son deuxième album, même s’il fait carrière depuis plus de 30 ans aux côtés d’artistes comme Bob Walsh et Marie-Michèle Desrosiers, en plus d’agir comme réalisateur et directeur musical à la télévision et sur scène. Il est entouré pour l’occasion de musiciens de renom, dont ses vieux complices, Guy Bélanger à l’harmonica et Jean Cyr à la contrebasse. Girard nous offre un jazz pur et libre qui laisse beaucoup de place à l’improvisation, tout en mettant en évidence le talent des musiciens qui semblent en parfait contrôle de leur instrument. Jazz Waves est un disque de plus de 50 minutes qui demeure agréable à écouter jusqu’à la fin. (septembre 2017)

Musicien polyvalent, le pianiste et compositeur Jean-François Groulx revient à un style jazz plus standard après avoir exploré les musiques du monde. Accompagné du contrebassiste Adrian Vedady et du batteur Paul Brochu (UZEB), Groulx propose huit pièces de jazz contemporain au groove entraînant. Les mélodies sont accrocheuses à souhait, mais l’ensemble demeure suffisamment raffiné pour satisfaire les fans invétérés de jazz. Spirale s’avère magnifiquement interprété par le trio qui semble en parfaite cohésion tout au long du disque. (septembre 2017)

Matt Herskowitz est un pianiste et compositeur reconnu mondialement qui est né dans l’état de New York, mais a adopté Montréal depuis presque 20 ans. Il est aussi à l’aise dans le classique que le jazz, mais c’est ce dernier qu’il exploite à fond sur Forget Me Not, originalement lancé en 2005, mais réarrangé en hommage au grand trompettiste Lew Soloff. L’album présente un heureux mélange de styles alors que le jazz intègre du classique contemporain, du funk, du blues et de la musique latine et brésilienne. On peut y découvrir 10 pièces totalisant 66 minutes, quelques compositions originales d’Herskowitz, mais aussi « Four Women » de Nina Simone, « Etude on the Days of Wine & Roses » de Henry Mancini, et plusieurs autres reprises interprétées de main de maître. (septembre 2017)

Le duo folk de Saskatoon est de retour avec son quatrième album, Talk is Cheap. L’album autoproduit de 10 pièces contient une musique folk à la fois légère et entraînante, grâce à une tendance pop indéniable qui rappelle les années 1960. Les frères Karpinka sont accompagnés par des musiciens de renom : Mathieu Charbonneau (Timber Timbre) au piano et aux claviers, Jamie Thompson (Unicorns, Islands) à la batterie et aux percussions, Sophie Trudeau (Godspeed You! Black Emperor) au violon, Joel Kerr (Sarah Slean) à la basse et Krista Muir aux chœurs. Voici un très bon album, bien agréable à écouter! (septembre 2017)

Originaire de Montréal, l’auteur-compositeur et interprète Peter Katz a quitté sa ville natale il y a 15 ans et il poursuit une carrière internationale depuis une dizaine d’années avec une solide base de fans notamment en Suisse et aux Pays-Bas. Désirant se rapprocher de ses racines, il présente La somme de tous nos efforts qui contient des pièces de son répertoire adaptées en français. L’album inclut un duo avec Emilie-Claire Barlow, ainsi que le succès « Brother » avec Rémi Chassé. On peut y entendre de bien bonnes chansons, mais il y en a malheureusement trop peu avec un CD de seulement neuf titres totalisant 34 minutes (incluant un boni de « Brother » dans une version remixée par Skydancers). (septembre 2017)

Vidéoclips : « Brother » - « Ma chère »

Le Torontois Rob Lutes présente son septième album avec Walk in the Dark. On y trouve toujours son doigté unique à la guitare alors qu’il nous propose une musique folk bluesy se situant quelque part entre Neil Young, Bob Dylan et Lou Reed. L’album a été enregistré à Montréal en seulement trois jours et il présente magnifiquement sa voix soul et son groove contagieux. Lutes coréalise le disque avec Rob Heaney (Cirque du Soleil) et il est entouré par des musiciens de renom : Rob MacDonald (guitare), Bob Stagg (claviers), Guy Bélanger (harmonica), Joe Grass (guitare), sans oublier Ian Kelly. Lutes explore différents sujets, en plus de rendre hommage à James Cotton (« There’s No Way To Tell You That Tonight ») et au guitariste Joseph Spence (l’instrumentale « Spence »). Deux titres ont été coécrits avec l’Américain Dale Boyle et on retrouve une pièce de John Prine (« Rocky Mountain Time »). C’est un album solide du début à la fin que nous offre un Rob Lutes en grande forme. (septembre 2017)

Le trio dirigé par la pianiste et compositrice Emie R. Roussel est complété par le bassiste Nicolas Bédard et le batteur Dominic Cloutier. Il a eu l’occasion au cours des deux dernières années de se produire dans 11 pays sur quatre continents. Le trio revient donc avec un quatrième album fortement inspiré de ces nombreuses découvertes culturelles. Les trois musiciens présentent un mélange de musiques acoustique et électrique, mais toujours avec d’excellentes mélodies et un rythme efficace. Aux sept pièces en trio, on ajoute trois pièces spécialement composées pour des invités. Il y a d’abord la chanteuse guadeloupéenne Malika Tirolien qui prête sa voix au superbe soul jazz de « Away ». Puis, on peut entendre le trompettiste canado-néo-zélandais Lex French, rencontré en 2014 en Océanie, sur « De Tadoussac à Auckland ». Finalement, on retrouve le bassiste canadien Norman Lachapelle, influence majeure pour Nicolas Bédard, sur la pièce « Tout le monde ensemble ». Avec Intersections, c’est un album inspiré et inspirant que nous propose le Emie R. Roussel Trio, un album de jazz contemporain grandement créatif. (septembre 2017)

Le groupe formé il y a 15 ans à Ottawa présente déjà son huitième album avec Under Burning Skies. Le Souljazz Orchestra explore bien sûr le jazz et le soul, mais aussi le funk que l’on peut entendre tout au long de cet album. Le groupe utilise des claviers analogiques, ce qui ajoute une touche de disco et de boogie à leur musique déjà bien métissée. Les cuivres demeurent à l’avant-plan, alors qu’une boîte à rythmes donne la cadence. Le sextet semble plus en contrôle que jamais de son art et surtout, il demeure toujours prêt à monter sur scène pour donner une performance époustouflante. Voici un excellent disque de la part de ce collectif canadien unique! (septembre 2017)

Après un album plutôt ennuyant en 2015 avec Honeymoon, Lana Del Rey revient avec un peu plus de positivisme sur Lust For Life. Par contre, le tempo n’est pas nécessairement plus énergique que sur le précédent. Après tout, elle travaille à nouveau avec son fidèle collaborateur, le réalisateur Rick Nowels. On peut entendre plusieurs collaborateurs de renom, entre autres pour les premiers extraits, « Summer Bummer » (A$AP Rocky et Playboi Carti), « Groupie Love » (A$AP Rocky) et la chanson-titre (The Weeknd). On peut aussi entendre Stevie Nicks sur « Beautiful People Beautiful Problems », ainsi que Sean Ono Lennon sur « Tomorrow Never Came ». À 72 minutes, l’album pourra vous sembler bien long, mais il s’agit avant tout d’un album atmosphérique à faire jouer en boucle en arrière-plan dans un contexte plutôt calme. Peu de titres ressortent du lot et plusieurs vous paraîtront bien monotones. Si elle avait pu concentrer l’album autour des meilleures compositions, Lana Del Rey aurait certainement offert un produit de bien plus grande qualité. (chronique principale d'août 2017)

Vidéoclip : « Lust For Life »

Dua Lipa est une jeune chanteuse anglaise de 21 ans qui présente son premier album. L’auteure-compositrice et interprète propose des chansons pop accrocheuses majoritairement dansantes, mais surtout grandement inspirées. Elle a passé un temps fou en studio ces dernières années à peaufiner son style et a lancé en cours de route 6 simples dont 3 top 40 au Royaume-Uni. Ce sont ces succès qui procurent les moments forts du disque, dont « Hotter Than Hell », « Be the One » et « Blow Your Mind (Mwah) ». Elle offre aussi un duo avec Miguel pour « Lost in Your Light ». Ce qui frappe rapidement chez Dua Lipa, ce sont ses capacités vocales sans limites, qui se trouvent parfaitement mises en valeur par d’excellentes chansons. Dans certains passages un peu plus lents, elle se transforme en chanteuse soul de haut niveau qui n’a rien à envier aux plus grandes (Adele, Sia, etc.). L’album se conclut avec une magnifique ballade minimaliste, « Homesick », écrite avec Chris Martin (Coldplay). Il s’agit donc d’un premier album à la fois surprenant et extrêmement satisfaisant que nous propose Dua Lipa. Ce disque ouvre le chemin sur une très belle carrière à suivre de près. (découverte du mois d'août 2017)

Vidéoclips : « Hotter Than Hell » - « Be the One » - « Blow Your Mind (Mwah) » - « Lost in Your Light » - « New Rules »

Pour ce cinquième album studio, Arcade Fire ont mis le paquet en embauchant des réalisateurs de renom pour coréaliser avec eux. Il y a tout d’abord Thomas Bangalter (Daft Punk) et Steve Mackey (Pulp), mais aussi les participations de Geoff Barrow (Portishead) et Marcus Dravs (qui avait déjà travaillé avec le groupe montréalais par le passé). Pour ce qui est des musiciens invités, on retrouve des amis de longue date comme Owen Pallett et Sarah Neufeld, sans oublier le légendaire Daniel Lanois qui joue la guitare pedal steel sur quelques titres. Musicalement, le groupe poursuit dans une direction pop où l’électronique domine largement sur les guitares. Par contre, les textes sombres viennent contraster ces musiques qui semblent souvent légères. Il n’y a que « Infinite Content » qui détonne un peu à travers l’ensemble avec un style rock garage beaucoup plus agressif dans sa première partie et une musique country légère dans sa seconde. On retrouvera un rock ‘n’ roll plus direct à un seul autre moment, sur « Good God Damn », alors que l’ensemble s’inspire surtout du disco. Arcade Fire explorent encore une fois de nouveaux territoires sur Everything Now. Par contre, ils semblent toujours demeurer en équilibre entre créativité et musique déjà entendue. C’est un album efficace, mais qui ne changera assurément pas la face de la musique. (août 2017)

L’Australien Kim Churchill présente son cinquième album avec Weight_Falls, incluant le premier extrait, « Second Hand Car ». Il lui aura fallu 18 mois d’écriture pour en arriver à ce nouveau disque qui fait suite à Silence/Win paru en 2014. Il trouvait ses chansons trop propres, trop polies et il a fini par tout jeter et recommencer. Il a donc écrit une nouvelle version de l’album en seulement une semaine, avant de prendre deux mois à l’enregistrer en compagnie du réalisateur Ian Pritchett dans un garage de Sydney. Il en résulte un album varié et brut sur lequel on retrouve toujours les guitares complexes et les mélodies efficaces de Kim Churchill. Les surprises se situent surtout au niveau des percussions énergiques et des harmonies vocales originales. Churchill nous offre un album de grande qualité, qui plaira assurément à ses fans. (août 2017)

Même s’il porte le titre d’une pièce de l’album A Head Full of Dreams, ce nouveau mini-album de Coldplay ne contient pas la pièce « Kaleidoscope ». Il contient plutôt cinq autres chansons, dont le méga-succès « Something Just Like This » en collaboration avec les Chainsmokers dans une version en concert identifiée comme Tokyo Remix. On retrouve aussi une collaboration avec Big Sean pour « Miracles », sans oublier que Brian Eno a contribué à l’écriture de l’excellente « ALIEN ». Kaleidoscope réussira certainement à vous faire patienter jusqu’au prochain album de Coldplay, tout en surfant sur l’atmosphère plus pop de A Head Full of Dreams. (août 2017)

Cydemind est un groupe de métal progressif québécois qui a la particularité d’être dirigé par le violon plutôt que la guitare. Par contre, les riffs de guitare demeurent tout de même recherchés, sans oublier une section rythmique qui martèle chaque pièce avec vigueur. Sur Erosion, le groupe ne nous propose que six titres, mais qui totalisent tout de même 64 minutes. Il faut dire que la chanson-titre à elle seule s’étend sur plus de 27 minutes en conclusion du CD. Réalisé et mixé par Chris Donaldson, un Montréalais spécialiste de métal lourd, l’album instrumental propose un superbe mélange entre rock progressif, jazz et métal symphonique. Une belle surprise et qui s’écoute à merveille! (août 2017)

Deux ans après le 1er volume, voici le #2 de Times Infinity pour le groupe montréalais The Dears. Il faut dire qu’il a été enregistré au même moment que le premier, mais qu’on ne le découvre que maintenant. Il est donc naturel que le volume 2 poursuive dans le même ton plutôt intimiste et grandement accessible. On y retrouve de grands moments de musique pop, mais aussi des incursions bluesy ou R&B qui cassent quelque peu le rythme grand public de l’album. Murray Lightburn vole la vedette avec sa voix sur ce disque, alors qu’il prend des airs de David Bowie en certaines occasions. On retrouve peut-être un peu moins de compositions de premier plan que sur le premier de la série, mais il y a suffisamment d’humour et de cynisme pour rendre le volume 2 intéressant lui aussi. (août 2017)

Le duo hip hop québécois a remporté tous les honneurs avec son premier album, XXL. Eman & Vlooper sont de retour avec un nouvel album, La joie. Leur musique combine l’excellent flow d’Eman (membre d’Accrophone et d’Alaclair Ensemble) et les rythmes modernes du réalisateur Vlooper (Beatmaker et aussi membre d’Alaclair Ensemble). Il en résulte une musique hip hop contemporaine qui intègre un style soul au rap. Les amateurs du genre et du groupe devraient y trouver leur compte. (août 2017)

Sur son troisième album, le trio de Los Angeles Foster the People propose une musique pop plutôt funky. On y retrouve aussi des passages de hip hop, de new wave ou de pop un peu plus expérimentale. Les synthétiseurs sont nombreux, soit influencés par les années 1980, ou soit inspirés par une musique électro contemporaine. Malgré des mélodies pop efficaces, on sent tout au long de Sacred Hearts Club que le groupe de Mark Foster avait le goût d’explorer un peu plus, de pousser ses limites. Le résultat s’avère plus qu’intéressant avec un disque agréable à écouter jusqu’à la fin malgré des facettes franchement cérébrales. Très réussi! (août 2017)

Les trois sœurs californiennes sont de retour avec un deuxième album, après avoir conquis un vaste auditoire avec Days Are Gone il y a quatre ans. Sur Something to Tell You, elles semblent plus à l’aise que jamais dans la pop des années 1990 avec des influences de Sheryl Crow, Shania Twain et Amy Grant. On peut également faire des comparaisons évidentes avec Wilson Phillips et Fleetwood Mac en de nombreuses occasions. En fait, c’est ce qui partagera les opinions sur cet album. Soit on appréciera leur musique pop rafraîchissante aux accents d’une autre époque, soit le pastiche d’autrefois pourra s’apparenter fortement à de la copie. En somme, les sœurs Haim présentent un bon mélange des deux, avec des pièces pop efficaces et des ressemblances un peu trop frappantes avec des œuvres du passé. Elles osent un peu moins sur Something to Tell You, mais demeurent tout de même intéressantes. (août 2017)

Ce treizième album par le célèbre rappeur crée une certaine cassure avec son passé. D’abord, on n’y trouve qu’un seul beatmaker, No I.D., un fait rare pour Jay-Z. Les rythmes variés s’avèrent dignes de la réputation de ce rappeur d’expérience. On peut entendre sur 4:44 des influences de soul, de funk et de reggae, sans oublier des programmations électroniques, qui viennent toutes ajouter de la profondeur à ce court album de 36 minutes. Une certaine émotivité se dégage de l’ensemble du disque qui semble parfois vouloir plonger dans la nostalgie. En l’absence de succès radios, on peut surtout découvrir des pièces parfaites pour les fins de soirées tranquilles à la maison. Seulement deux apparitions sont notables sur l’album : Frank Ocean et Beyoncé (sa charmante épouse). C’est un enregistrement à la fois mature et moderne que nous offre Jay-Z, un disque qui peut tant plaire à ses fans de longue date qu’à la nouvelle génération d’amateurs de rap. Un très bon album! (août 2017)

Karim Kharbouch (alias French Montana) est un rappeur né au Maroc qui habite dans le Bronx. Il présente son deuxième album officiel qui contient rien de moins que 18 titres. On peut y entendre une panoplie de collaborateurs, de Pharrell à Travis Scott en passant par Swae Lee, The Weeknd, Future, T.I., Young Thug, etc. French Montana explore en quelque sorte tous les aspects du hip hop, en passant par à peu près tous les clichés entourant ce mode de vie. Un nom nous revient en tête tout au long du disque : Drake. Plusieurs pièces semblent s’en inspirer de beaucoup trop près pour demeurer originales. Jungle Rules souffre d’un certain étirement en longueur avec plus de 64 minutes et plusieurs morceaux qui n’apportent rien de neuf au genre. Quelques moments vous paraîtront intéressants, mais malheureusement trop peu. (août 2017)

Le Newyorkais d’origine dominicaine Romeo Santos a connu un succès phénoménal au cours des dernières années. Malgré tout, il résiste à la tentation de prendre un virage pop sur ce troisième album, comme l’ont fait plusieurs de ses compatriotes latino-américains. Santos demeure donc fidèle à ses origines et présente un nouveau style de bachata accompagné seulement de claviers et percussions avec des guitares discrètes. Il ne nous offre rien de moins que 18 titres totalisant 65 minutes. Il s’entoure encore une fois de collaborateurs de renom, mais d’origine latine cette fois plutôt que des superstars américaines. On peut donc entendre les voix de Juan Luis Guerra, Daddy Yankee, Julio Iglesias, Nicky Jam, Ozuna et Jessie Reyez. Avec Daddy Yankee et Nicky Jam, Santos présente un incontournable reggaeton en « Bella y Sensual », qui semble copiée sur « Debate de 4 » parue sur son premier disque. La principale faiblesse de l’album dans son ensemble se situe au niveau des textes qui tournent toujours autour du sexe, de son statut de casanova, etc. Malgré un CD un peu trop long avec plusieurs pièces comparables, on retrouve sur Golden quelques succès potentiels qui devraient permettre à Romeo Santos de demeurer populaire : « Héroe Favorito », « Imitadora », etc. (août 2017)

Vidéoclip : « Imitadora »

Après quatre décennies en compagnie de ses Destroyers, le chanteur et guitariste George Thorogood présente un tout premier album solo. Il y propose des versions acoustiques, complètement dépouillées, de classiques du blues, ainsi que certaines pièces de blues contemporain. On peut y entendre sa version unique de « One Bourbon, One Scotch, One Beer » de John Lee Hooker, « Pictures From Life’s Other Side » de Hank Williams, ainsi que « No Expectations » des Rolling Stones. La version CD contient également une 15e chanson en boni, « Dynaflow Blues » de Robert Johnson. Sur cet album où il joue tous les instruments, George Thorogood démontre plus que jamais son talent de musicien de blues, preuve que tout ce temps-là il n’avait pas besoin des artifices des Destroyers. (août 2017)

Après le surprenant Lost in the Dream en 2014, le groupe de Philadelphie est de retour avec son quatrième enregistrement en carrière, A Deeper Understanding, qui en est la suite logique. On peut y entendre un habile mélange d’indie rock et de rock plus commercial, avec des mélodies toujours d’une grande efficacité. La voix d’Adam Granduciel présente de nombreuses similarités avec celle de Bob Dylan, à un point tel que c’en est troublant par moments. Malgré l’accessibilité de la plupart des chansons du disque, le groupe conserve une certaine liberté créatrice sur A Deeper Understanding, allant même jusqu’à livrer sept pièces de plus de six minutes (sur un total de 10), dont une de plus de 11 minutes (le premier extrait, « Thinking of a Place »). Il n’était donc pas question d’offrir des chansons sur mesure pour les radios pour Granduciel et sa bande. Le groupe gagne en profondeur et en intérêt dans les pièces plus lentes et introspectives (« Knocked Down »). The War On Drugs nous offrent donc à nouveau un excellent album, créatif et agréable jusqu’à la fin. (août 2017)

White Hot Guilt est un projet parallèle de Josh Warburton (July Talk) et du réalisateur torontois Thomas D’Arcy (Small Sins, Tommy Hawkins). Les deux se sont rencontrés il y a plusieurs années et c’est leur désir de produire ensemble une musique un peu plus pop qui les a réunis. Sur ce mini-album de cinq titres, le duo propose une musique électro pop funky dans laquelle les cuivres occupent une place importante en accompagnement de la voix de falsetto de Warburton, un ensemble qui peut rappeler les Scissor Sisters. Mais surtout, ce qu’on retient tout au long du CD, c’est le plaisir qui s’en dégage, peut-être une façon d’expulser ses démons pour Warburton qui sort à peine de désintoxication. C’est une première impression plus que réussie pour ce duo qui laisse présager de bien bonnes choses dans le futur. (août 2017)

Sur Prism il y a quatre ans, Katy Perry a atteint une certaine maturité avec une musique un peu plus adulte, sauf pour la dansante « Dark Horse ». C’est sur cette dernière que Katy a décidé de construire pour Witness qui est beaucoup plus orienté vers les clubs avec une musique électro énergique. Les rythmes électroniques et les synthétiseurs dominent complètement ici. Par contre, ce n’est pas toujours réussi, au contraire! La seule pièce qui procure un minimum d’excitation est le succès « Chained to the Rhythm », avec peut-être aussi « Pendulum ». Sinon, on peut entendre des titres franchement ennuyants, dont deux ballades inutiles, la pire étant de loin « Bigger Than Me ». Katy traite de sujets sociaux qui pourraient être intéressants, mais sur une musique tellement insipide qu’on n’a plus le goût d’écouter jusqu’au bout. Witness se présente comme un bien bizarre d’album et aurait été plus pertinent en début de carrière, lorsque Katy Perry manquait d’assurance. (chronique principale de juillet 2017)

Vidéoclips : « Chained to the Rhythm » - « Bon Appétit »

Nick Hakim nous arrive de Washington, D.C. avec un style de R&B plutôt underground. L’auteur-compositeur, interprète et multi-instrumentiste propose une musique aérienne quelque peu psychédélique avec une voix douce, une musique atmosphérique sur laquelle on peut se laisser bercer lorsqu’elle joue en arrière-plan. Par contre, pour véritablement découvrir toutes les subtilités sur Green Twins, un certain effort est nécessaire. L’album propose en effet plus de profondeur que les deux mini-albums présentés précédemment et qui ont permis à Hakim de se faire reconnaître. On découvre donc le vrai visage et toutes les possibilités artistiques de Nick Hakim sur Green Twins, un album qui lui apportera assurément la reconnaissance, même si le succès populaire sera difficile à acquérir avec une musique d’une telle consistance. (découverte du mois de juillet 2017)

Vidéoclip : « Roller Skates »

Le groupe pop punk de Baltimore présente de nouveaux albums avec une grande régularité depuis 10 ans. All Time Low en sont donc déjà à leur septième disque avec Last Young Renegade, qui fait suite à l’acclamé Future Hearts paru il y a deux ans et qui était le dernier pour Hopeless Records. Ce nouvel enregistrement présente aussi un changement de cap pour le groupe qui devient beaucoup plus pop que rock avec des synthétiseurs et des rythmes dansants. On retrouve bien quelques relents du passé, mais ce n’est clairement pas ce qui domine ici. L’ensemble demeure tout de même intense et chargé d’émotivité ce qui plaira peut-être tout de même à leur premier public, à condition d’être prêt à les suivre dans leur nouvelle voie qui rappelle OneRepublic en plusieurs occasions. À noter la présence de Tegan and Sara pour la très efficace « Ground Control ». En conclusion, malgré leur virage pop, All Time Low présentent suffisamment de titres intéressants pour s’attirer un vaste auditoire. (juillet 2017)

Il y a 60 ans, Chuck Berry faisait partie des précurseurs du rock ‘n’ roll en lançant son premier album. Paru trois mois après son décès à l’âge de 90 ans, Chuck est son premier disque de chansons originales en 38 ans et il aurait certainement aimé être encore là pour le présenter au public. C’est que pendant plus de 20 ans dans les années 1980 et 1990 il avait perdu tout intérêt pour l’écriture de nouvelles chansons, envie qui lui a repris plus tard dans les années 2000. Ce nouvel album est donc le fruit de plusieurs années de travail et présente un artiste légendaire à la voix encore puissante. Ce qu’on réalise rapidement sur « Wonderful Woman » et « Big Boys », c’est qu’il n’avait aucunement perdu de son énergie avec la guitare à la main, pour du Chuck Berry comme on le connaissait bien. Il ralentit par la suite le rythme sur quelques pièces, mais le rythme revient à différents moments du disque de 10 pièces dont « Lady B. Goode », un clin d’œil certain à son plus grand succès. Il présente aussi l’un de ses plus beaux poèmes mis en chanson avec « Dutchman ». Avec Chuck, cette légende du rock ‘n’ roll prouve qu’elle pouvait encore jusqu’à récemment rivaliser avec n’importe quel artiste d’aujourd’hui. Un album surprenant et extrêmement plaisant à écouter, qui boucle de façon magnifique une carrière incomparable! (juillet 2017)

Benjamin Booker est un auteur-compositeur et interprète de la Virginie qui propose un mélange de blues et de rock un peu sale, certainement inspiré par le blues garage des White Stripes, Black Keys et compagnie. Par contre, malgré sa voix rauque, il présente des mélodies un peu plus pop à tendances soul et folk. Sur ce deuxième album, il s’implique davantage politiquement et socialement, suite à l’ascension du mouvement Black Lives Matter. Ce mélange de chansons engagées et personnelles, accompagnées de musiques riches et variées, résulte en un album complet extrêmement agréable à écouter, son œuvre la plus accomplie à ce jour. Une très belle surprise! (juillet 2017)

Cheap Trick ont connu un succès inespéré avec leur album de l’an passé Bang, Zoom, Crazy... Hello. C’est donc possiblement ce qui les a motivés à revenir avec un nouveau disque à peine plus d’un an plus tard. We’re All Alright! reprend le plus intéressant du précédent, tout en allant encore un peu plus loin avec un rock énergique digne de leurs meilleures années, avec en prime un réel plaisir tout à fait contagieux. En fait, leur son est un peu plus rock qu’à la fin des années 1970 et 1980 alors que le groupe s’inspirait un peu plus des Beatles. Sur We’re All Alright!, ils mettent plus de l’avant leur côté hard rock avec des pièces grandement énergiques bien appuyées sur la section rythmique. C’est donc un album extrêmement agréable que nous proposent Cheap Trick, un album parfait pour accompagner vos escapades sur la route tout au long de l’été. (juillet 2017)

Pour son nouvel album, Julie Daraîche a invité de nombreux artistes de la scène country actuelle. On peut y entendre des duos avec Jonathan Godin, David Bernatchez, Rhéal Leblanc, Nicolas Dufresne, Louis Bérubé, Patricia Caron et Kathy Lavigne. Elle chante aussi avec sa fille Dani (« Je veux chanter ») et avec sa nièce Katia (« Dans mes chansons »), sans oublier le premier extrait, « J’aimerais si tout recommençait », avec son frère Paul, qui assure aussi les arrangements et la réalisation du disque. 50 ans d’amour contient 12 chansons originales dans le plus pur style de country québécois. (juillet 2017)

Les maîtres du power metal sont de retour avec un nouvel album plus rapide que l’éclair, malgré ses 70 minutes. Sur ce septième album, DragonForce accueillent un nouveau batteur en Gee Anzalone. Ils y présentent une musique toujours aussi rapide et lourde avec une exécution parfaite, mais les harmonies et mélodies semblent plus accessibles que jamais. Pourront-ils atteindre le sommet des palmarès tout en continuant de démontrer toute leur virtuosité? C’est bien possible puisque Reaching Into Infinity possède tout ce qu’il faut pour plaire à un vaste auditoire, tant que vous n’êtes pas trop étourdis par la section rythmique infernale et les prouesses des guitaristes Sam Totman et Herman Li, peut-être le meilleur duo de guitaristes présentement. À noter que le groupe rend hommage à « Seventh Son of a Seventh Son » d’Iron Maiden avec la pièce de 11 minutes « Edge of the World ». Ils offrent aussi deux titres en boni (« Hatred and Revenge » et « Evil Dead »), ainsi qu’un DVD contenant des pièces enregistrées en concert au Festival Woodstock en Pologne en 2016. Avec Reaching Into Infinity, on peut affirmer aisément que DragonForce présentent leur album le plus solide en 10 ans, soit depuis l’incontournable Ultra Beatdown en 2008. (juillet 2017)

Découvert à La Voix en 2013, Jonathan Guilbault présente un premier mini-album de cinq titres. Il propose une musique pop rock qui alterne entre pièces rythmées (« Un jour », « Le bon détour ») et ballades (« De tes yeux », « Ici bas »). Guilbault possède une voix intéressante qui transporte bien l’émotion sans toutefois être vraiment puissante. (juillet 2017)

Le groupe de Kingston en Ontario existe depuis déjà 30 ans. Sur ce septième album, Hugh Dillon et sa bande proposent encore une fois ce mélange de rock accessible à la Tragically Hip et de hard rock à la AC/DC, avec des influences évidentes en plusieurs occasions des Rolling Stones. Une section rythmique efficace vous fera assurément taper du pied pendant plusieurs pièces. La guitare demeure aussi grandement efficace avec des riffs de qualité. Malgré de bien bons moments de divertissement, les Headstones demeurent un groupe prévisible plus souvent qu’autrement. (juillet 2017)

Le groupe rock de Las Vegas évolue définitivement sur son troisième album. On y trouve toujours quelques côtés sombres un peu lourds, mais le groupe semble tenter de demeurer plus joyeux que par le passé. Evolve contient des chansons beaucoup plus pop avec l’utilisation presque excessive de synthétiseurs, à commencer par la disco « I Don’t Know Why ». Par moments, Imagine Dragons semblent vouloir imiter sans grand succès Coldplay dans leur tournant pop, avec en prime de fortes influences des années 1980. Il reste bien quelques titres rock électro intéressants, mais trop peu pour solidifier cet album beaucoup trop disparate. Même le méga succès « Believer », qui a envahi les radios, devient quelque peu lassant avec le temps. Evolve est un album un peu frustrant en bout de ligne, parce qu’on aimerait l’aimer mais on n’y arrive pas. On semble plutôt avoir affaire à un groupe qui se cherche. (juillet 2017)

Vidéoclip : « Believer »

La chanteuse country se fait plaisir avec ce nouvel album. Comme annoncé, il s’agit d’un véritable party country avec des grands classiques et succès du genre qui ont tous le point commun de faire bouger. Chaque pièce représente un coup de cœur pour Véronique Labbé et certaines ont même une signification particulière à ses yeux. C’est le cas notamment pour « Ce n’est qu’un rêve », la première chanson qu’elle a interprétée devant un public, ainsi que « Le Ford à mon grand-père » qui lui procure un brin de nostalgie. Même si le disque est dominé par des chansons entraînantes, on y découvre aussi quelques ballades comme « Maman si tu l’aimes » et « Tennessee Whiskey ». À noter aussi sa très belle interprétation de l’excellente « Wagon Wheel », même si elle demeure très fidèle à la version originale. Véronique Labbé ne réinvente peut-être pas le genre, mais elle présente tout de même un album country des plus divertissants. (juillet 2017)

Après 747 en 2014, le trio country pop a pris une pause, le temps d’albums solos par Charles Kelley et Hillary Scott. Lady Antebellum revient maintenant avec Heart Break, réalisé en Californie par Busbee. Il en résulte un son un peu plus soft rock et moins country. Plusieurs pièces mid-tempo s’inspirent soit des années 1960 et 1970, soit d’une musique adulte contemporaine. Plusieurs mélodies sont suffisamment captivantes pour obtenir un certain succès radio. Par contre, on retrouve bon nombre de pièces interchangeables et pas très excitantes. (juillet 2017)

Vidéoclip : « You Look Good »

Après un premier album qui a grandement attiré l’attention en 2013, la jeune Néo-Zélandaise maintenant âgée de 20 ans est de retour avec Melodrama. Si Pure Heroine présentait déjà une certaine originalité pour cette jeune auteure-compositrice et interprète, Lorde prend véritablement son envol sur celui-ci. On peut d’ailleurs en avoir un très bon aperçu avec les premiers extraits : « Green Light », « Liability » et « Perfect Places ». Pour faire évoluer son son, Lorde a confié la réalisation à Jack Antonoff (Fun) et Bleachers. Il en résulte un disque plus mature, mais surtout plus élaboré et créatif que le précédent. On peut y entendre plusieurs textures, entre intériorité et rythmes entraînants. Mais peu importe le contexte de la chanson, Lorde réussit à nous captiver et à nous transporter jusqu’à la fin, jusqu’à en demander encore plus. 41 minutes ne sont assurément pas suffisantes pour cet excellent album, sûrement un des meilleurs de l’année… (juillet 2017)

Vidéoclip : « Green Light »

Le duo folk pop de Toronto présente son quatrième album studio avec The Knight Sessions. Brenley MacEachern et Lisa MacIsaac (la sœur d’Ashley MacIsaac) offrent possiblement leur album le plus mature à ce jour avec en plus plusieurs titres particulièrement réussis. Les harmonies vocales demeurent à la base même de leur musique, et les arrangements tout simples de guitare acoustique ou de violon ne font que les mettre en valeur sans jamais voler la vedette. Vous ne pourrez vous empêcher de continuer de fredonner sans arrêt certaines des mélodies inoubliables de ce nouveau disque de grande qualité. (juillet 2017)

Le Quatuor Ébène se transforme facilement entre ensemble classique et groupe de jazz. Dans le cas de Eternal Stories, le quatuor à cordes s’associe au jazzman Michel Portal aux clarinettes, mais aussi au percussionniste Richard Héry et au claviériste Xavier Tribolet. Ils y interprètent leurs propres compositions, dont quatre titres de Portal. Le clou de l’album est lorsqu’ils reprennent des extraits des « Five Tango Sensations », une œuvre tardive d’Astor Piazzolla. Le Quatuor Ébène demeure inventif sur ce nouvel album et il permet peut-être en plus à Michel Portal de réaliser un rêve, celui de produire un album avec un quatuor à cordes, comme l’avait fait Charlie Parker en 1949. (juillet 2017)

Le docteur Paul Rossy est pédiatre le jour et auteur-compositeur-interprète le soir. Il a lancé en avril dernier un premier album de chansons originales en collaboration avec Ian Kelly, Goodbye Sings the Wind, pour soutenir l’Hôpital de Montréal pour enfants. Suite à sa participation au Festival international de jazz de Montréal l’an dernier, Dr Rossy a été inspiré et a eu envie de donner une couleur jazz à ses chansons. Il a donc à nouveau confié la réalisation à Ian Kelly pour Jazz Poetry qui contient une réinterprétation en version jazz des chansons de Goodbye Sings the Wind. Les profits seront à nouveau remis à la Fondation de l’Hôpital de Montréal pour enfants. (juillet 2017)

Simon Okely est un multi-instrumentiste de Melbourne en Australie. Après avoir été membre du groupe Oh Mercy en tant que guitariste, il a décidé de se lancer dans une carrière solo sous le pseudonyme de Slow Dancer. In a Mood est son deuxième album sur lequel il offre un mélange de folk et de soft rock avec une touche de soul / R&B. En fait, il nous fait penser à un mélange contemporain entre Christopher Cross et Van Morrison. Slow Dancer joue de tous les instruments en plus de chanter de sa voix puissante qu’il rend plus douce et chaude pour les besoins de ce disque parfait pour la chambre à coucher. Il ne réinvente rien et semble plutôt nostalgique du passé, mais il propose tout de même une musique agréable à écouter, une musique qui nous berce et nous réconforte. (juillet 2017)

Après plus de 45 ans de carrière, les vieux routiers du rock progressif reviennent avec un premier album de chansons originales en 14 ans. The Mission est un album-concept autour d’une mission sur Mars en 2033. Quant au son, il n’a rien de futuriste alors que le groupe revient au son qui l’a rendu populaire à la fin des années 1970. Par contre, on réalise rapidement que c’est là où Styx se sent le plus à l’aise avec plusieurs bonnes pièces énergiques dignes de leurs meilleures années. C’est plutôt rafraîchissant d’entendre le groupe reprendre où il a laissé il y a plus de 35 ans. The Mission est donc un album surprenant et très agréable à écouter. (juillet 2017)

En 2016, le réalisateur Ian Brennan (Tinariwen, Tasili), celui-là même qui est derrière les projets du Zomba Prison Project, s’est rendu sur Ukerewe, la plus grande île intérieure d’Afrique, accessible seulement par un traversier de fortune, un voyage de quatre heures. C’est un endroit tellement isolé que les gens s’y rendaient pour abandonner leurs enfants albinos. L’île est d’ailleurs devenue un havre pour les personnes dans cette condition. Brennan y a organisé des ateliers de composition, encourageant les gens à exprimer leur expérience et leurs sentiments. Le chant et la danse étant plutôt mal vus sur l’île, Brennan aura dû être convaincant pour permettre au groupe de s’ouvrir. Souvent ignorés et laissés de côté même par leur propre famille, il n’est donc pas bien surprenant que les albinos se soient exprimés en majorité sur les thèmes de la solitude et de l’abandon. La plupart des chansons présentées sur l’album ont été écrites en Kikirewe et en Jeeta, deux dialectes officiellement censurés du pays depuis son unification en 1964. Comme dans le cas du Zomba Prison Project, Brennan permet à un groupe non entendu jusque-là de s’exprimer librement. Il en résulte un album touchant de 23 titres (quelque peu inégaux) pour un peu plus de 30 minutes. (juillet 2017)

Le duo québécois composé de Luke Doucet et Melissa McClelland est de retour avec un nouvel album, deux ans seulement après Leave No Bridge Unburned. Moins autobiographique que le précédent, Panther in the Dollhouse présente plutôt des personnages sombres et imparfaits dans un contexte plus cinématographique. Avec l’ajout du duo de réalisateurs Likeminds et de plusieurs musiciens, le son du groupe prend aussi une certaine expansion vers le rock, délaissant au passage leur petit côté country qui n’était jamais bien loin auparavant. On peut certainement affirmer que Whitehorse atteignent un nouveau stade dans leur carrière grâce à cet excellent disque. (juillet 2017)

Vidéoclips : « Boys Like You » - « Nighthawks »

Alors que Linkin Park semblait s’être quelque peu retrouvé d’un point de vue créatif en 2014 avec The Hunting Party, voilà qu’il s’enlise à nouveau avec un virage pop plus que douteux. Le métal est en effet complètement absent ici, tout comme les riffs intéressants, et oubliez les cris de Chester Bennington qui donnaient tant d’énergie à leurs premiers enregistrements. Nous avons maintenant droit à une musique pop rock teintée d’électro, mais surtout qui manque franchement de caractère et de dynamisme. On retrouve bien quelques moments intéressants, bâtis sur mesure pour les radios, mais ils sont beaucoup trop rares. Même le premier extrait, « Heavy », ne renverse aucune barrière malgré sa mélodie intéressante. One More Light est donc un album qui laissera assurément les fans de la première heure indifférents, sans permettre au groupe de véritablement rejoindre un nouvel auditoire. (chronique principale de juin 2017)

Vidéoclip : « Heavy »

Scott Helman est un jeune chanteur pop rock de Toronto qui propose son tout premier album avec Hôtel de Ville. Plus rock que Justin Bieber, Helman présente surtout une musique beaucoup plus originale, l’amenant tout de suite dans une classe à part. Mais il reste que chaque mélodie est inoubliable et faite sur mesure pour les radios. C’est simple, les 12 titres d’Hôtel de Ville pourraient se retrouver au sommet des palmarès. Depuis son premier mini-album en 2014, Augusta, le jeune homme de 21 ans n’a cessé de travailler sa musique, tournant à travers le monde. Ça s’entend rapidement sur Hôtel de Ville qui ne présente que bien peu de faiblesses. Pour une musique pop de qualité, Scott Helman est définitivement un nom à retenir. (découverte du mois de juin 2017)

Vidéoclip : « Kinda Complicated »

Le jeune Aliocha est un naturel, autodidacte, qui s’inspire de Bob Dylan, Eliott Smith, John Lennon et Nick Drake, tout en y apportant sa touche personnelle pleine d’imperfections. En voyageant entre Montréal, Paris et Los Angeles, il a su tracer sa voie, surtout lorsqu’il a fait la rencontre à Paris du brillant réalisateur Samy Osta (La Femme, Feu! Chatterton). Après avoir fait paraître le mini-album Sorry Eyes en France à l’automne 2016, le voici de retour avec un album qui sort simultanément en Europe et au Canada. Aliocha y propose une musique folk inspirée à la fois du folk rock contemporain et de la musique des années 1960. Quelques touches pop ou plus psychédéliques viennent ajouter de la couleur à un album qui possède en bout de ligne beaucoup de personnalité. Un très bon disque! (juin 2017)

Surtout connu pour son travail avec The Black Keys, dans un style blues garage, Dan Auerbach a aussi réalisé bon nombre d’albums de différents genres : Pretenders, Lana Del Rey, Cage the Elephant, JEFF the Brotherhood, Dr. John, etc. Pour cet album solo, Auerbach va complètement ailleurs, explorant le vieux soul de Memphis et le vieux country de Nashville. Il rappelle très souvent le Jeff Lynne des années 1980, du temps des Traveling Wilburys, un style qu’il affectionnait tout particulièrement. L’album ne contient que 10 pièces totalisant 35 minutes, mais elles s’avèrent tout simplement rafraichissantes, en plus d’être grandement créatives. Voici donc un divertissement de très grande qualité, auquel il ne manque que deux ou trois morceaux pour faire la différence et transporter l’album au sommet de 2017. (juin 2017)

Après six ans d’absence sur disque, Debbie Harry et sa bande sont de retour avec un nouvel album, Pollinator. Par contre, ça parait plus que jamais depuis leur retour dans les années 2000 que Blondie tentent de rappeler leur passé glorieux tout en s’accrochant à une musique électro pop plus contemporaine. Là où c’était plutôt réussi sur leurs albums précédents, ici ça sonne carrément faux. Ce n’est pas la panoplie d’auteurs-compositeurs et musiciens invités qui allait rendre Pollinator aussi intéressant que leurs albums d’il y a 40 ans. Ni leurs reprises de Johnny Marr (« My Monster ») et Charli XCX (« Gravity »). En fait, c’est difficile de comprendre à qui s’adresse Blondie avec cet album, puisque tant les fans de la première heure qu’un public plus jeune ne devraient y porter aucune attention. (juin 2017)

Voici le 14e album en carrière pour Isabelle Boulay, après six ans d’attente. Réalisé par Benjamin Biolay, En Vérité contient des chansons écrites par des auteurs-compositeurs de renom, des deux côtés de l’Atlantique : Carla Bruni, Julien Clerc, Alex Nevsky, Cœur de Pirate, Didier Golmanas, La Grande Sophie, Raphaël (qui réalise aussi deux titres) et Benjamin Biolay. L’album présente une musique pop adulte qui ressemble toujours à son style, avec aussi quelques influences country et latines. Si on en croit le titre et les photos non retouchées, de magnifiques photos de Peter Lindbergh, Isabelle se retrouve plus que jamais en quête de vérité, sans artifices. C’est le thème récurrent tout au long de ce disque qui plaira assurément à ses nombreux fans, tant au Québec qu’en France. À noter qu’Isabelle Boulay fêtera ses 25 ans de carrière sur les Plaines d’Abraham le 6 juillet, jour de son 45e anniversaire, dans le cadre de la soirée d’ouverture du Festival d’été de Québec. (juin 2017)

La nuit philharmonique, le cinquième album de la Française Delphine Coutant, a été lancé en Europe à l’automne 2016 et il est enfin présenté au Québec. Elle y présente une chanson française accompagnée d’orchestrations de cordes et de cuivres, avec aussi des moments plus pop, le tout magnifiquement réalisé par Matthieu Ballet (Thomas Fersen, Alain Bashung, Miossec). Elle brise assurément bien des conventions de la chanson française avec une musique originale et variée. Delphine Coutant sera de passage aux Francofolies de Montréal le 10 juin à la Place-des-Arts en compagnie d’Ingrid St-Pierre et Fanny Bloom. (juin 2017)

Même s’il est annoncé comme un album de Faith Evans et The Notorious B.I.G., The King & I est beaucoup plus un album de Faith Evans, majoritairement R&B, avec des échantillonnages du regretté rappeur. En fait, il se présente comme un album-souvenir au sujet de la relation du duo. Plusieurs des échantillonnages ont déjà été souvent entendus et leur utilisation n’est pas toujours judicieuse, en venant même à nuire à plusieurs des 25 pièces. On peut entendre plusieurs artistes invités (Jamal Woolard, Lil’ Cease, Mama Wallace, Snoop Dogg, Busta Rhymes, Lil’ Kim, etc.), mais c’est insuffisant pour redonner de la crédibilité à l’ensemble. Avec 72 minutes de musique, The King & I contient beaucoup trop de moments inintéressants pour satisfaire même les plus grands fans nostalgiques de The Notorious B.I.G. (juin 2017)

Après une longue pause de six ans, le groupe de Seattle est de retour avec un album d’une grande complexité. En effet, Fleet Foxes proposent toujours ce mélange d’indie rock, de folk et de country, mais ils ajoutent une touche de rock progressif qui peut rappeler les débuts de Yes. Crack-Up est assurément leur album le plus dense, cérébral, complexe et difficile d’accès à ce jour. Par contre, il s’avère rapidement grandement enrichissant. Les harmonies vocales demeurent la force du groupe, et de ce point de vue, ils peuvent rappeler les moments les plus psychédéliques des Beach Boys. Comme pour confirmer la démarche artistique sophistiquée du groupe, ils ont choisi de présenter comme premier extrait une pièce de 9 minutes en deux parties, « Third of May / Odaigahara ». Parfois orchestral et parfois expérimental, Crack-Up ne laissera personne indifférent, représentant un beau défi aux premières écoutes. Par contre, avec un peu de patience, vous y découvrirez plusieurs couches et subtilités musicales toutes plus intéressantes les unes que les autres. Fleet Foxes offrent donc un album très original, qui ne demande qu’un peu d’effort d’appréciation. (juin 2017)

Voici un nouveau nom qui brasse les cartes de la pop française, Marvin Jouno. L’auteur-compositeur et interprète a présenté en effet un premier album de 11 pièces en 2016, Intérieur nuit. Son thème tourne autour des longues nuits d’insomnie, les nuits d’hiver, les nuits de solitude. Des musiques accrocheuses captent rapidement notre attention, pour ensuite conserver notre intérêt jusqu’à la fin. Les arrangements sont toujours riches et accompagnent à merveille sa voix qui rappelle Biolay ou Murat. Cette réédition de l’album contient cinq pièces en boni, dont deux remix pour « Love Later » et le succès « Quitte à me quitter ». On y trouve aussi le film Intérieur nuit, un film de 48 minutes que Jouno a réalisé avec son complice Romlain Winkler. Marvin Jouno sera en spectacle à Montréal dans le cadre des Francofolies les 12 et 13 juin. (juin 2017)

Vidéoclips : « Quitte à me quitter » - « Love Later (Robbie Remix) »

Film : Intérieur nuit

Après avoir atteint les sommets du hip hop québécois à la tête du groupe Loud Lary Ajust, Lary Kidd présente finalement un premier album solo. Le rappeur semble fasciné par la société de violence et de consommation, à laquelle il adhère complètement jusqu'à ce qu'il se sente dégoûté. Ce sont ces contradictions qui subsistent tout au long de Contrôle, un album au titre approprié puisque le MC semble toujours sur le point de le perdre ce contrôle. Du moins dans ses textes puisque musicalement, Lary Kidd semble plus en contrôle que jamais sur sa carrière et son art. L'album s'avère plutôt sombre tout au long des 13 titres, mais le flow incomparable de Kidd capte notre attention pour la conserver jusqu'à la fin. Un très bon disque! (juin 2017)