108, Creation. Sustenance. Destruction. (2 CD)

400 Lapins, 400 Lapins

ActionReaction, 3 Is The Magic Number

ActionReaction est un nouveau trio du New Jersey dirigé par Jason Gleason (ex-Further Seems Forever). Attention de ne pas les confondre avec Action Reaction qui est un groupe de hardcore chrétien qui a aussi lancé un album quelques semaines plus tôt. Dans le cas qui nous occupe ici, il s'agit d'un excellent groupe d'indie rock avec un immense potentiel commercial, un groupe qui est très différent de ce qu'on a l'habitude d'entendre chez Equal Vision Records. Les refrains puissants des premières pièces ("Sinner's Algebra" et le premier extrait "Can You Hear The Sun?") ont tout pour devenir des hymnes rock fredonnés à travers le monde, même si je doute que la promotion dont ils bénéficient leur permette d'atteindre un tel niveau de popularité pour l'instant. Par la suite, le style devient un peu plus introspectif par moments, ce qui nous fait un peu plus penser au rock britannique de Radiohead et Travis. Leur habileté à passer du rock d'aréna au rock introspectif un peu plus réfléchi est plutôt impressionnant et nous garde hors d'équilibre tout au long du disque. 3 Is The Magic Number contient quelques petits bijoux, même si certaines rares pièces sont un peu moins convaincantes et nous laissent un peu plus sur notre appétit. Ce qui est indéniable, c'est que ce trio, en plus d'être formé de musiciens particulièrement doués en tant qu'interprètes, possède un très beau don pour la composition. Ce sera intéressant de les surveiller dans le futur, surtout avec une étiquette de disques qui ne leur impose aucune direction musicale. (découverte du mois d'octobre 2006)

The Aggrolites, The Aggrolites

Done Anker, Éblouis-moi

Done Anker est un jeune Français d'origine suisse allemande qui nous offre ici son 1^er véritable album. La première chose qui frappe dès le début de Éblouis-moi est le côté résolument rock de l'album, surprenant pour un Français pour qui les textes sont d'une importance capitale. Les mélodies sont d'une grande efficacité et la réalisation est parfaite. J'aime particulièrement le son de la guitare, qui s'impose de belle façon sans éclipser sa voix. Anker est très bien entouré avec son frère Stikine à la batterie, sa compagne de vie Tamao à la basse, Julian SX aux claviers, Baptiste à la guitare et Erwan à la guitare. Tout y est pour que Done Anker connaisse le succès qu'il mérite, même si on retrouve peu de hits instantanés sur cet album de 12 pièces totalisant 48 minutes. Done Anker est définitivement un nom à surveiller dans les années à venir. L'album est disponible partout en France. (mai 2006)

½

Richard Ashcroft, Keys To The World

Audioslave, Revelations

un texte de Jean Jean (Rocklegends)

Soyons un peu honnête, pour ceux d'entre nous qui attendaient ce nouvel opus d'Audioslave, on espérait y voir une sacrée dose de renouveau! Si on se basait sur les dires des membres du groupes (oublions le passage où Cornell parle des influences de Led Zep, le sujet a été un peu trop amplifié...), ça devait quand même cogner sec et sonner assez nouveau... Après un premier opus quand même réussi, et un deuxième sympathique mais un peu simplissime, le troisième Audioslave méritait sans doute une évolution plus marquée. Musicalement, le constat est le suivant: Tom Morello est un guitariste fantastique, peut-être l'un des meilleurs depuis les années 90, et l'un des plus novateurs. Il a un style bien personnel, qu'il développe, exploite et régurgite sans arrêt. Mais l'envers du décor, c'est que son style est tellement particulier qu'il finit par prendre le dessus sur le reste. Du coup, le constat revient toujours à dire qu'Audioslave sonne comme Rage Against The Machine (même s’ils tentent de s’en éloigner)... mais pas tout à fait! Audioslave sonne comme Morello, et suit ses évolutions. Bien entendu, à la basse et à la batterie, ça assure sans problème, mais ça ne rajoute pas grand chose. Morello mène très clairement la danse, c'est une certitude! Devant, pour mixer le tout, Chris Cornell. Un chanteur de haut vol, lui aussi est l'un des plus doués de sa génération. Sur ce nouvel opus, il chante vraiment superbement, usant des plus beaux effets de sa voix. Dans les titres les plus "Audioslaviens", on peut compter de bons morceaux comme "One And The Same", "Sound Of A Gun" et "Shape Of Things To Come", on peut aussi souligner quelques morceaux bien metal funk ou Morello s’arrache particulièrement, comme par exemple "Somedays". Mais on a quand même l'impression que ce super groupe patine un peu! L'album est loin d'être mauvais, ça c'est sûr. Mais le pire, c'est quand on voit la qualité de certains morceaux, on se dit qu'on peut en attendre plus... Plus de surprises, plus de renouveau, plus de créativité... Mais sont-ils vraiment capables ensemble de créer une dynamique nouvelle, un album historiquement incontournable? Nobody knows! (novembre 2006)

½

Barenaked Ladies, Barenaked Ladies Are Me

The Beatles, LOVE (CD + DVD audio)

J’avoue ne pas être très objectif dans le cas de ce « nouvel » album des Beatles, puisque j’ai eu la chance de voir le spectacle du Cirque du Soleil du même titre à Las Vegas et qu’il s’agit certainement du meilleur spectacle à lequel j’ai assisté dans ma vie, toutes catégories confondues. On connaît la tendance du Cirque à présenter des spectacles grandioses, mais avec la musique des Beatles comme moteur, la magie s’installe carrément. On peut entendre ici l’intégrale de la musique du spectacle sur le DVD audio en version 5.1. Le son y est d’une qualité exceptionnelle, une qualité qui s’approche dangereusement de ce qu’on pouvait entendre au spectacle grâce à des haut-parleurs dans chacun des sièges de la salle de l’hôtel Mirage. Le CD contient une version légèrement écourtée en version stéréo, question de ne pas dépasser les 80 minutes maximales de ce support, mais bien malin qui pourra dire ce qui a été coupé exactement. Le côté particulier de ce disque est que la musique des Beatles a été totalement reconstruite par Sir George Martin (le 5^e Beatle) et son fils Giles à partir de diverses bandes sonores. Chacune des pièces a été réinventée avec l’ajout d’un tas d’éléments d’autres pistes. Par exemple, "Get Back" qui démarre véritablement l’album, commence avec un des rares solos de batterie de Ringo Starr enregistré à l’époque pour "The End", et en version stéréo en plus! "Within You Without You" et "Tomorrow Never Knows" ont été combinées à partir du jeu de batterie de Ringo, alors que "Sun King" est devenue "Gnik Nus" en l’inversant, un truc qu’aurait adoré faire John Lennon. Parmi les moments forts du disque, notons principalement "I Want To Hold Your Hand", "Yesterday", "Strawberry Fields Forever", "Lady Madonna", "Come Together", "Revolution" et "Hey Jude". "While My Guitar Gently Weeps" reprend de la vigueur alors qu’on a ajouté de nouveaux arrangements de cordes à une version démo. Par contre, ma préférée demeure la pièce de Ringo "Octopus’s Garden" qui me reste en tête à chaque écoute, comme ce fut le cas après le spectacle. L’album se termine avec "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)" et "All You Need is Love" qui viennent magnifiquement boucler la boucle de ce projet audacieux, qui pourra déplaire à certains, mais qui est tellement réussi. Même si on connaît déjà toutes les chansons offertes et qu’elles ne sont généralement pas suffisamment différentes des versions originales pour qu’on ne puisse les reconnaître, on peut dire qu’il s’agit du premier nouvel album des Beatles depuis leur séparation. Les 2 membres restants, Paul McCartney et Ringo, ainsi que les veuves Yoko Ono Lennon et Olivia Harrison ont en effet laissé leurs différends de côté pour donner tout leur appui au projet. C’est d’ailleurs George Harrison qui en avait eu l’idée de départ il y a quelques années avec son ami Guy Laliberté, le fondateur du Cirque du Soleil. Les opinions sont partagées concernant ce disque puisque certains trouvent qu’on n’a pas été assez loin dans la reconstruction des chansons alors que d’autres crient au sacrilège de transformer de la sorte la musique du plus grand groupe de tous les temps. Pour ma part, je trouve qu’on a atteint un point d’équilibre idéal entre les deux qui rend l’album aussi intéressant pour les fans de la première heure que pour un nouveau public. En plus, il s’agit du premier disque des Beatles disponible en son surround 5.1, même si une version contenant seulement le CD en stéréo est aussi en vente. (critique principale de janvier 2007)

½

Beck, The Information (CD + DVD)

Betrayed, Substance

Le groupe de la côte ouest américaine Betrayed nous présente son premier album complet. Ils nous proposent un vrai punk hardcore suivant la tradition de Minor Threat et des Dead Kennedys, un son qui se perd peu à peu de nos jours. Les pièces sont agressives et rapides, mais elles réussissent à conserver une certaine mélodie grâce à la voix de Aram Arslanian, lui qui crie pourtant tout au long du disque. Les riffs de guitare de Todd Jones sont tout à fait remarquables et le rythme est particulièrement entraînant du début à la fin. En somme, Betrayed réussit à me réconcilier avec le punk hardcore. Je me suis même surpris à monter le volume en quelques occasions, alors qu'habituellement c'est plutôt le contraire avec une musique aussi agressive. C'est une très belle découverte que j'ai faite d'un groupe qui sera à surveiller dans les années à venir, sur disque comme sur scène. (septembre 2006)

Equal Vision

½

Billy Talent, Billy Talent II

En 2003, le nouveau groupe canadien Billy Talent faisait son apparition dans le milieu pop punk déjà plutôt saturé. Par contre, avec leur style unique alliant des mélodies pop, à un punk aux accents hardcore et à des riffs métal, ils ont su sortir du lot. L'album Billy Talent a donc connu un grand succès commercial avec une série de hits explosifs dont "Try Honesty", "River Below", "Nothing To Lose" et "The Ex". Par contre, j'ai eu l'impression qu'on pressait un peu trop le citron avec cet album alors qu'on en faisait encore une promotion continuelle plus de 2 ans après sa sortie. Avec Billy Talent II, le groupe continue dans la même direction, sans grandes surprises. Il réussit tout de même à évoluer de belle façon en élargissant quelque peu son spectre musical. Les fans de la première heure ne seront pas déboussolés puisqu'ils entendront des pièces énergiques qui leur arriveront en pleine figure. Prenons par exemple le premier extrait "Devil In A Midnight Mass" qui est un succès instantané, ainsi que d'autres succès garantis, "Red Flag" et "Perfect World". Même lorsque le groupe ralentit le rythme, il réussit à conserver une énergie hors du commun et nous fait même apprécier des ballades comme "Pins And Needles". La guitare de Ian D'Sa est toujours aussi puissante, tout comme la voix de Ben Kowalewicz. Et la section rythmique fait en sorte qu'on accroche facilement à la musique du groupe et qu'on ne peut plus s'en passer. Billy Talent s'assure certainement une place de choix dans la scène pop punk canadienne avec cet album qui vient prouver que le groupe n'était pas qu'un feu de paille. Ils en vendront probablement encore plus que pour le précédent puisque Billy Talent II est un très bon album!. Ce qui est spécial avec Billy Talent, qui baigne pourtant dans un genre qui pullule de groupes, c'est qu'ils ont leur propre style et qu'on peut reconnaître une pièce de Billy Talent parmi toutes les autres. Si vous voulez les voir en spectacle, ils font partie de la tournée Vans Warped cet été, avant de partir pour une tournée américaine à l'automne. (critique principale d'août 2006)

Frank Black, Fast Man Raider Man

The Black Keys, Magic Potion

Le duo blues garage The Black Keys est de retour avec un nouvel album, un 4^e en 5 ans. Même si le groupe a changé d'étiquette de disque, Magic Potion demeure la suite logique des 2 précédents albums qui étaient de grande qualité. Encore une fois, le groupe propose un mélange du blues noir du sud des États-Unis et du R&B britannique de la fin des années 60, le tout joué seulement à une guitare et une batterie. L'album ne contient que des chanson originales; il y en a 11 en tout pour un total dépassant les 42 minutes. Vous tomberez tout de suite sous le charme de "Your Touch" dont la mélodie est inoubliable. Le reste de l'album est un peu plus uniforme, mais toujours de grande qualité. En comparaison avec Rubber Factory, ce nouvel album est peut-être légèrement inférieur par manque de pièces qui sortent du lot. Mais, il fait partie de la même catégorie d'albums de premier plan. Les Black Keys demeurent une valeur sûre et ils ne décevront assurément pas leurs fans. (novembre 2006)

Nonesuch / Warner

½

The Bouncing Souls, The Gold Record

La meilleure façon d'avoir un disque d'or, c'est d'en faire un, littéralement. Voici donc le disque d'or du groupe punk du New Jersey The Bouncing Souls. Le pire, c'est qu'il pourrait bien devenir l'album le plus vendu de leur carrière, eux qui ont presque 20 ans d'existence. J'avais bien aimé leur album précédent, Anchors Aweigh, mais là ils viennent d'augmenter la qualité d'un cran avec The Gold Record, leur 7^e album studio. Enfin un album de punk efficace et énergique avec des compositions originales et créatives! Il me semble que c'est de plus en plus rare de nos jours... Pour ceux qui ne seraient pas familiers avec le groupe, ils se comparent avantageusement à Screeching Weasel, Descendents et Pennywise, avec des influences plus californiennes que new yorkaises. L'album débute en force avec "The Gold Song", un classique instantané du groupe. "The Pizza Song" présente un côté moins connu des Bouncing Souls avec de la guitare acoustique et de l'accordéon pour un résultat impressionnant. Le groupe reprend habilement "Better Things" de The Kinks, ainsi que "Lean On Sheena" de Avoid One Thing. Il est bien difficile de trouver des faiblesses parmi les 12 pièces incluses sur cet excellent disque qui nous offre un mélange à la fois énergique, mélodique et intelligent. Ils en auront mis du temps, mais le groupe vient d'entrer dans une classe à part. The Gold Record, qui est assurément le meilleur album punk rock de 2006 à ce jour, figurera certainement aussi parmi les meilleurs albums de l'année toutes catégories confondues. À se procurer absolument! (septembre 2006)

Epitaph

Boy Sets Fire, The Misery Index: Notes From The Plague Years

Xavier Caféïne, Gisèle

Après 2 albums du groupe Caféïne (Mal éduqué mon amour en 1998 et Pornstar en 2000) et 1 de Poxy (Artificial Pleasures en 2004), voilà que Xavier Caféïne nous propose son premier album solo. On ne retrouve pas de changements majeurs au son du disque alors qu'il continue de nous offrir un rock n' roll garage énergique. Il y a bien des mélodies pop d'une grande efficacité, mais je ne crois pas qu'il les ait composées avec un objectif commercial en tête. C'est donc encore une fois un album alternatif qui demeurera dans l'underground québécois et ne jouera que dans les radios universitaires et communautaires. Le premier extrait, "Montréal (Cette ville)", y connaîtra certainement du succès, tout comme la chanson-titre et "1-2-3-4". Ce sont toutes des pièces qui nous restent en tête indéfiniment. "La fin du monde" et "Pékin Love" en séduiront également plus d'un, alors que "Ok" et "Babylone" deviendront rapidement des classiques en spectacle grâce à une drive que ne renierait pas Le Nombre. Non seulement Gisèle est un album solo pour Xavier, mais il y a en plus joué la majorité des instruments. Il s'engage un peu plus au niveau des textes mais musicalement, il puise dans ce qu'il connaissait déjà sans amener des tas d'éléments nouveaux. Faute d'être l'album le plus original de l'année, il nous présente un disque énergique, divertissant et qui s'écoute bien. Ce sont déjà des qualités que d'autres artistes semblent incapables d'assembler sur un même disque... (octobre 2006)

Indica

Marco Calliari, Mia dolce vita

Marco Calliari était un membre du groupe métal montréalais Anonymus avant de se lancer dans la chanson italienne sur un premier album solo en 2004, Che la vita. Il nous a offert un excellent DVD en juin dernier, Al dente, sur lequel on pouvait autant découvrir un très bon concert au Lion d'Or que les recettes de sa mère. Calliari récidive maintenant avec un 2^e album rempli de classiques italiens et de quelques chansons méconnues du répertoire italien du 19^e siècle à aujourd'hui. Parmi les classiques de Mia dolce vita, nommons "L'Americano", "L'Italiano", "'O sole mio" et "Bella ciao" qu'on retrouvait déjà dans son spectacle contenu sur le DVD. Les nouveautés intéressantes incluent "Leggenda di Natale" du chansonnier Fabrizio De André, "Caruso" de Lucio Dalla, "Cosa nostra" de Nino Rota et "Chi é, e non é" du duo rock italien Blonde Redhead (une de mes préférées). Encore une fois, Calliari réussit à magnifiquement faire revivre tous ces classiques italiens dans un style moderne et des arrangements superbes. Ce disque de 50 minutes a tout pour faire renaître la nostalgie de l'Italie ou pour plaire à tout amateur de musique du monde traditionnelle. (décembre 2006)

Casa Nostra

½

Neko Case, Fox Confessor Brings the Flood

Américaine de naissance, Neko Case a déménagé à Vancouver en 1994 pour étudier en arts. Elle en est maintenant à son 4^e album studio en plus de faire partie des New Pornographers. Elle propose un style de country alternatif à la Wilco avec d'autres comparaisons possibles avec Elliott Smith. Sur Fox Confessor Brings The Flood, elle rejoint aussi par moments la musique folk des années 60 de The Mamas and the Papas, Simon & Garfunkel et The Byrds, particulièrement sur "Hold On Hold On". Alors que son album précédent, Blacklisted, est considéré par plusieurs comme son meilleur à ce jour, la qualité de Fox Confessor Brings The Flood s'en approche drôlement à tout point de vue. Mélodies d'une efficacité et d'une précision incroyables, habilement chantées par sa voix mielleuse et puissante à la fois, et accompagnées de guitares remplies d'originalité et de subtilité amènent l'ensemble de 35 minutes dans la catégorie des albums de première classe. C'est un disque rempli de richesse, de maturité et de profondeur. Généralement doux, l'album nécessite quelques bonnes écoutes attentives pour se laisser imprégner de son univers. Mais, par la suite, il devient rapidement un de nos préférés dans le genre. Peut-être qu'il ne passera pas à l'histoire, mais il figurera assurément très bien parmi les albums de 2006. J'ai même l'impression qu'il vieillira à la façon d'un bon vin et qu'on l'appréciera encore plus dans quelques années. Un album qui était attendu des fans depuis 4 ans, mais qui répond grandement à ces attentes. Mission accomplie! (août 2006)

Mint

Nick Cave and Warren Ellis, The Proposition (musique originale)

The Proposition est un film écrit par Nick Cave qui vient tout juste de prendre l'affiche. Ce que je vous présente ici c'est le CD de la musique originale de ce film composée par Nick Cave et Warren Ellis (membre des Bad Seeds, le groupe de Nick Cave). Pour bien accompagner le film, la musique devait créer une ambiance du far west, très souvent solennelle et triste. On y retrouve des éléments de musique classique. Mais en général, on reconnaît le style de Nick Cave qu'il a souvent utilisé sur ses albums, soit une musique ambiante très introspective. La principale différence avec le matériel à lequel il nous a habitué est la présence d'une majorité de pièces instrumentales. On y utilise souvent un violon plutôt grinçant et monotone sur un rythme très lent. Même si je n'ai pas vu le film (seulement la bande-annonce), la musique à elle seule était suffisamment efficace pour m'imaginer le film. Il s'agit donc d'un CD incontournable après avoir vu The Proposition, puisqu'il vous en remémorera probablement plusieurs passages. On reconnaît en partie le style de Nick Cave, mais il ne faut surtout pas oublier que cette musique a été composée expressément pour le film. C'est donc quand même toute une différence par rapport à ses albums réguliers et on n'y trouve qu'une chanson quelque peu accessible, "The Rider Song", qui arrive à la 15e piste sur 16. Certains moments vous paraîtront un peu bizarres et vous pousseront peut-être à avancer à la piste suivante, mais il s'agit malgré tout d'une bande originale avec de grandes qualités artistiques, un fait rare quand même! Les plus grands fans de Nick Cave et du film seront probablement les seuls pour qui l'album pourra être réécouté régulièrement, à cause de sa difficulté d'approche et de son apparente monotonie. Mais, il s'agit d'un très bon album d'ambiance. (avril 2006)

Mute

½

Gregory Charles, I Think Of You

La Chicane, 1998-2006

Natalie Choquette, Aeterna Celesta

Il est bien rare que j'écris à propos d'un disque de musique classique et encore moins d'un disque d'opéra, mais je ne pouvais passer à côté de celui-ci. Natalie Choquette, qui s'est surtout fait connaître en tant que diva fantaisiste, nous présente le 3^e volet d'une superbe trilogie, Aeterna. Démarrée en 2004, ses 2 premiers disques (Aeterna et Aeterna Romantica) se sont déjà vendus à plus de 50 000 copies, permettant ainsi d'amasser au-delà de 20 000 $ pour la Fondation québécoise du cancer. Elle revient donc avec la conclusion de la trilogie, Aeterna Celesta, un album majestueux qui célèbre en musique les cieux, l'espoir et l'éternité. On y retrouve 16 grands classiques des périodes baroque et romantique avec entre autres des oeuvres de Bach, Vivaldi, Mozart et Haendel (incluant son fameux "Halleluja"), sans oublier le célèbre "Canon" de Pachelbel dans lequel la voix de Natalie remplace les 3 violons. Un des moments les plus émouvants du disque est certainement son interprétation du "Ave Maria" de Caccini, une pièce malheureusement trop méconnue. On retrouve aussi le "Notre-Père" mis en musique par un compositeur et organiste français du XX^e siècle, Maurice Duruflé. La soprano réussit encore à nous impressionner en plusieurs occasions par sa voix puissante qui se marie parfaitement à l'ampleur des pièces présentées. C'est rien de moins que 33 musiciens, 18 choristes et ses 2 filles (Florence K. et Éléonore) qui ont participé à l'enregistrement de cet album, sans oublier la réalisation, la direction musicale et les arrangements d'Éric Lagacé qui a fait un travail magistral. Les cordes et les cuivres viennent magnifiquement compléter la voix de Natalie pour créer un album à grand déploiement. Contrairement à certains trucs qu'a fait la diva par le passé, ce disque s'adresse beaucoup moins à un grand public, bien que certaines pièces célèbres soient connues de tous. Avec la quantité de disques classiques qui paraissent à chaque année dans tous les formats possibles et imaginables, il est bien difficile de présenter une oeuvre qui se démarque réellement. Mais, Natalie Choquette possède cette forte personnalité qui permet d'offrir ce petit plus qui rend cette oeuvre plus intéressante que la moyenne. En plus, lorsque vous achetez l'album, vous contribuez directement à la Fondation québécoise du cancer. Donc, si vous aimez le genre ou êtes simplement curieux, il n'y a pas à hésiter, car Natalie Choquette réussira certainement à vous éblouir à un moment ou à un autre. (janvier 2007)

Isba

½

Les Claypool, Of Whales And Woe

un texte de Jean Jean (Rocklegends)

Les Claypool, le bassiste OVNI des années 90 à aujourd'hui. Ancien membre de groupes comme Blind Illusion, Oysterhead et surtout Primus, groupe de métal funk, Les Claypool sort son troisième album solo studio. Ses influences et intentions sont déjà marquées depuis longtemps : Monsieur Claypool est très éclectique, et ne cherche à réaliser aucun standard, aucun single, rien de comparable avec le reste du monde musical... Dans son biberon devaient déjà couler quelques gênes volés à un certain Frank Zappa... Définitivement, Les Claypool appartient à l'univers des musiciens géniaux, mais complètement barrés! Proche du guitariste Buckethead, il participera d'ailleurs à quelques-uns de ses albums. Ce nouvel opus est majoritairement orienté vers le funk... Un funk étrange bien sûr, où la basse pose les bases de la rythmique, mais assure également les parties solistes. C'est véritablement l'instrument maître de cet album. D'ailleurs, comme rarement, les parties de guitare sont mises très en retrait, et ne résonnent que pour quelques accords funky, rien de très épatant. À la batterie, par contre, la rythmique est énergique, très technique et très jazz funk, un pur régal! Le plus épatant, c'est que sur la majeure partie des morceaux, c'est Les Claypool lui-même qui joue des trois instruments. Pour quelques cuivres, claviers et autres, il s'offre des invités, amis ou famille Claypool. Dans son ensemble, Of Whales And Woe est très difficile à décrire, tout autant qu'il est réellement difficile d'accès. C'est vrai que toutes les parties de basse en slap qui conduisent les morceaux scotchent et impressionnent (le talent de Les Claypool est impressionnant). Mais des parties vraiment trop barrées, qui prennent complètement à rebrousse-poil, avec, en plus, un chant indescriptiblement psychotique, finissent par ôter tout semblant de cohérence, pour juste laisser, globalement, une impression de concerto pour basse... Peut-être cet opus, loin d'être mauvais tout de même, mérite-t-il quelques mois d'écoute en plus...? (septembre 2006)

Converge, No Heroes

C'est avec 5 pièces de moins de 2 minutes que débute ce nouvel album du groupe métal hardcore Converge. Même s'il ne s'en est jamais vraiment dissocié lui qui a toujours eu une grande constance, le groupe revient à ses racines et nous lance toute sa rage en pleine figure sans qu'on puisse répliquer. Avec Converge, il n'y a aucune demi-mesure: les riffs sont lourds et rapides, la voix gutturale est agressive et les gars ne sont pas là pour vous offrir des berceuses. Il y a bien quelques ralentissements en de rares occasions, comme sur "Plagues" par exemple, mais ce n'est pas la norme et ce n'est pas plus léger pour autant. Le seul véritable contraste de l'album No Heroes se retrouve à la 8^e piste avec l'hymne de près de 10 minutes "Grim Heart/Black Rose" sur lequel on entend le chanteur invité Jonah Jenkins dont la voix nous change passablement de celle de Jacob Bannon (que je trouve généralement insupportable, mais c'est bien personnel). Cette pièce, qui diffère du son habituel du groupe est selon moi la meilleure de ce disque qui n'amène pas grand chose de neuf pour le groupe ou pour le genre. Les fans de hardcore en auront pour leur argent, mais Converge ne renverse aucune barrière, encore une fois. (décembre 2006)

Epitaph

The Coup, Pick A Bigger Weapon

Le trio rap The Coup est maintenant un simple duo composé du rappeur Boots Riley et de la DJ Pam The Funkstress. Ils sont reconnus comme étant extrêmement préoccupés de politique et, par le fait même, dénonciateurs. Même s'ils ne sont que deux, de nombreux musiciens participent à l'album. Ils nous proposent donc une musique très riche teintée de fortes influences funk et de quelques traces de reggae. On peut les comparer autant à The Roots et à Outkast qu'à Prince et à Earth, Wind & Fire. On dit que Pick a Bigger Weapon propose un rythme un peu plus rapide que leurs albums précédents qui me sont inconnus. Après une introduction de 1:30, l'album débute en force avec l'excellente "We Are The Ones", un succès assuré. Par la suite, il y a plus de pièces underground, difficiles d'accès, que de hits instantanés. Il y a aussi quelques pièces un peu plus ambiantes. Certaines pièces sont en dessous de la moyenne, mais on en retrouve tout de même de très bonnes éparpillées à gauche et à droite qui rendent l'album plutôt plaisant à écouter. (juin 2006)

Anti- / Epitaph

½

Dashboard Confessional, Dusk And Summer

The Dears, Gang Of Losers

The Dears est possiblement le plus britannique des groupes indie rock montréalais. On peut les comparer à leurs compatriotes de The Arcade Fire, mais surtout à Blur, Travis et Coldplay. Avec Gang of Losers, le groupe nous offre son 3^e album après End of a Hollywood Bedtime Story et l'excellent No Cities Left paru il y a 3 ans. Après les extravagances orchestrales qu'on pouvait entendre sur l'album précédent, le groupe revient quelque peu à la base de son son sur ce nouvel opus. Les arrangements sont grandement simplifiés et l'expérimentation un peu bizarre, disparue. Chaque composition semble trouver de solides fondations sur la voix puissante de Murray Lightburn, ainsi que sur les guitares. On sent encore toute la nostalgie et la tristesse qui transparaissait à travers les premiers enregistrements du groupe, ce qui n'en fait définitivement pas un album joyeux et ensoleillé. Il me semble plutôt qu'on s'imagine facilement une pluie d'automne à l'écoute de ce disque rempli d'émotion (peut-être une pluie londonienne...). L'album démarre avec une toute douce introduction d'une minute et demie, "Sinthtro". Par la suite, on a droit au premier extrait, l'excellente "Ticket to Immortality", suivie de la toute aussi passionnante "Death of Life We Want You". Une certaine uniformité s'installe ensuite, une uniformité qui pourrait s'apparenter à de la monotonie au premier abord, ou pour un public non averti. Par contre, lorsqu'on écoute toutes les subtilités de ces compositions de qualité, on découvre une très grande richesse musicale qu'on retrouve peu de nos jours. Finalement, après plusieurs écoutes attentives, on réalise que l'uniformité qu'on avait semblé percevoir n'était qu'une illusion, puisque aucune des 12 pièces de l'album n'est semblable et que chacune est d'une créativité et d'une originalité débordantes. Vous n'y trouverez assurément pas de succès radio, sauf que ce nouvel album est au moins aussi bon que le précédent. Même que considérant la simplicité des arrangements, j'aurais tendance à dire que je préfère Gang of Losers à No Cities Left. (critique du mois de décembre 2006)

Def Leppard, Yeah!

Deftones, Saturday Night Wrist

Les gars de Deftones ont été parmi les pionniers du mouvement nu metal avec Korn et Limp Bizkit. Ils nous ont toujours présentés de solides albums, plus souvent qu'autrement en marge de l'industrie commerciale. Avec leur album précédent par contre, un album éponyme, ils avaient réussi à atteindre le #2 du palmarès et à connaître passablement de succès avec la pièce "Minerva". Sur Saturday Night Wrist, réalisé par Bob Ezrin (surtout célèbre pour son travail avec KISS), on retrouve un mélange entre l'agressivité de leur précédent album et la subtilité de l'excellent White Pony, leur meilleur album à ce jour. Le mur de guitare est toujours aussi présent, lui qui représente la marque de commerce du groupe depuis ses débuts. On retrouve le succès "Hole in the Earth" dès l'ouverture du disque, une pièce efficace qui donne le goût d'aller plus loin. Par la suite, on retrouve plusieurs pièces passablement lentes dont quelques-unes qui m'ont à nouveau rappelé Filter lors de la période de l'album Short Bus. On retrouve une certaine uniformité sur le disque qui ne nous accroche pas facilement au premier abord, mais l'album mérite qu'on s'y attarde pour en découvrir toutes ses facettes. Sans être renversant, il s'agit d'un bon album de métal des années 2000, un album qui satisfera à nouveau les fans du groupe. (décembre 2006)

Maverick / Warner

½

Martin Deschamps, Intense

The Draft, In A Million Pieces

The Draft est le nouveau groupe de 3 ex-membres du groupe de la Floride Hot Water Music avec le guitariste Todd Rockhill. Ils nous proposent un style comparable à leur groupe précédent, c'est-à-dire du punk post hardcore, mais avec moins d'éléments de hardcore et de meilleures mélodies. On retrouve aussi un peu de ska à l'occasion ("Let It Go"). La rythmique au début de "Wired" m'a rappelé Queens Of The Stone Age, alors que le reste de la pièce me faisait surtout penser à Alkaline Trio. In A Million Pieces est un album plutôt uniforme, puisque peu de titres ressortent vraiment du paquet. Par contre, les faiblesses sont rares et plusieurs pièces sont suffisamment accessibles pour connaître du succès (même si ce ne sera probablement pas le cas). Certaines m'ont un peu moins intéressé comme "All We Can Count On", parce que je préfère The Draft dans ses moments les plus rythmés ("Out Of Tune", "Longshot"). En bout de ligne, c'est un bon album que nous propose The Draft. (novembre 2006)

Epitaph

½

Dragonforce, Inhuman Rampage

Dumas, Fixer le temps

Difficile de revenir à la charge après un album de la qualité de Le cours des jours, le meilleur album québécois francophone de 2003. Dumas réussit tout de même à nous amener ailleurs avec Fixer le temps, malgré les nombreuses références à l'album précédent qui feront en sorte de ne pas trop nous perdre. L'utilisation de l'électronique ambiante demeure au rendez-vous, mais on sent un désir d'exploiter un peu plus les guitares, et ce dès la première pièce, "Nébuleuse". Ce sera aussi le cas plus tard sur "La vie qui bat", "Alors alors", le succès "Au gré des saisons", "De station en station", etc. L'album a été enregistré sur rubans et le résultat est plus rock que sur le précédent. Il a été réalisé par son fidèle collaborateur Carl Bastien, en compagnie de Louis Legault. En fait, ce que cet album a de moins que le précédent, c'est simplement la nouveauté. C'est qu'on n'a plus l'effet de surprise qu'on pouvait avoir en écoutant Le cours des jours. Mais, ne vous détrompez pas : Steve Dumas demeure l'un des artistes les plus créatifs et originaux au Québec, un artiste dans une classe à part. (février 2007)

Tacca

½

Eliott, Dans ce monde ou dans l'autre

Eliott est un groupe rock français qui navigue quelque part entre Jeff Buckley et Radiohead avec des élans pratiquement métal. On peut aussi les comparer à Muse en version francophone, mais en fait le nom qui m'est tout de suite venu en tête est le défunt groupe québécois Okoumé. Le chanteur a en effet une voix qui s'approche dangereusement de celle de Jonathan Painchaud et leur musique est proche parente. Dans ce monde ou dans l'autre n'est qu'un mini album de 6 titres d'une durée de 28 minutes. Il présente tout de même tout le potentiel de ce groupe qui possède un grand avenir devant lui. (octobre 2006)

½

Ramblin' Jack Elliott, I Stand Alone

Eric Panic, Le combat est au jardin

Voici le 2^e album du groupe punk francophone Eric Panic, après le succès de Catharsis qui a été largement diffusé dans certaines radios et à Musique Plus. Le groupe nous propose à nouveau un album extrêmement énergique qui sera parfait pour amener sur scène, eux qui sont reconnus pour présenter des concerts particulièrement déchaînés. Avec Le combat est au jardin, le groupe nous présente une certaine maturité, mais attention car maturité n'égale pas ennui ici! Un peu à l'image de leurs copains des Vulgaires Machins, le groupe nous offre une musique et des textes intelligents, tout en demeurant plaisants à écouter. Les textes font réfléchir, mais la musique demeure festive. Le groupe dénonce autant certaines situations socio-politiques ("Les fleurs poussent en Palestine", "Welcome to Guantanamo") et la fausse démocratie de l'occident ("Cultiver la transparence"), que la solitude de nos aînés ("Adélard attend"). Sur "Déclaration", on peut entendre le poème du même titre de Gaston Miron et sur "Le jour où ils viendront cracher sur nos tombes", Jacques Languirand vient interpréter le texte qui se veut une réponse du chef Seattle de la tribu des Duwamish au président des États-Unis en 1854. On peut en plus entendre "I Don't Need Society" du groupe thrash metal / punk rock D.R.I., un groupe qui a brassé pas mal le monde de la musique dans la 2^e moitié des années 80. Le premier extrait du disque, "L'animal optimal", n'est pas ma préférée et je préfère celle qui conclut l'album, "Soldat de plomb ou d'argent?", et "Je retourne à la terre", deux pièces de qualité qui sont des succès assurés. En bout de ligne, c'est un album plutôt solide que nous proposent les "frères et soeur" Panic, un album de 13 pièces d'une durée de près de 42 minutes brillamment réalisé par Pierre Rémillard. Le combat est au jardin vous donnera envie de l'écouter à répétition, de préférence en lisant les textes. En plus, ce que j'aime bien d'eux c'est qu'ils alternent la voix masculine et féminine avec Rick et Julie qui se relaient au chant (et à l'écriture des textes). (décembre 2006)

Union 2112 / Warner

½

Escape The Fate, Dying Is Your Latest Fashion

Escape The Fate, There's No Sympathy For The Dead

Fear Before The March Of Flames, The Always Open Mouth

Malgré quelques éléments originaux, je n'avais pas été trop renversé par le précédent album de Fear Before The March Of Flames, Art Damage. Sauf qu'on nous a annoncé un changement important pour le groupe avec The Always Open Mouth, changement que j'ai rapidement constaté alors que la voix gutturale prend désormais beaucoup moins de place. On a également ajouté un claviériste qui vient ajouter une touche totalement différente à ce groupe hardcore. Sur ce nouvel album, le groupe flirte quelque peu avec le métal progressif, le rock expérimental et l'industriel. J'ai d'ailleurs bien aimé la comparaison que j'ai lue avec Mike Patton dirigeant Nine Inch Nails. On peut aussi les comparer à Faith No More, Voivod et Korn en quelques occasions. C'est donc un tout nouveau Fear Before The March Of Flames qu'on peut entendre ici, un groupe qui n'a plus rien à voir avec celui que vous avez peut-être vu en concert avec Norma Jean et Underoath. Les fans de punk hardcore risquent de décrocher, mais si vous appréciez un album lourd et sombre avec une certaine originalité, The Always Open Mouth vous satisfera beaucoup plus que les 2 albums précédents du groupe. (octobre 2006)

Equal Vision

½

Florence K., Bossa Blue

Voici une jeune chanteuse au talent bien particulier. Florence K., fille de la diva fantaisiste Natalie Choquette et du guitariste compositeur Hany Khoriaty, est tombée dans la musique quand elle était petite. Après avoir suivi et accompagné sa mère sur différentes scènes à travers le monde, sa voie était toute tracée. En 2005, elle nous proposait son premier album, un CD en concert enregistré au Lion d’Or de Montréal. Bossa Blue est donc son tout premier album studio, un album sur lequel elle explore ses influences musicales diverses, en plus de chanter en 4 langues (français, anglais, espagnol et portugais). On peut y entendre de la bossa nova et autres rythmes latins, du blues, ainsi que d’autres types de jazz vocal, le tout magnifiquement interprété avec sa voix sensuelle. Le dénominateur commun de cet album des plus variés est la douceur et le calme, même si on retrouve quelques rythmes bien dansants (comme son succès "Las Calles del Sur"). C’est rien de moins que 15 titres pour un total dépassant les 60 minutes qu’elle nous offre, et les faiblesses y sont rares. Je dirais que la seule façon de ne pas aimer les compositions qu’elle nous propose, c’est que ce soit trop éloigné de nos goûts personnels, parce que d’un point de vue créatif, il n’y a rien à redire. Florence K. ne fait que débuter sa carrière, mais on sait déjà qu’elle sera longue et riche en créativité. À découvrir absolument… (octobre 2006)

From First To Last, Heroine

Goldfrapp, Supernature

Goodbye Tomorrow, Goodbye Tomorrow EP

Good Clean Fun, Between Christian Rock And A Hard Place

Good Clean Fun nous provient de Washington D.C. et nous offre un son punk hardcore. Leurs textes sont remplis d'humour et ils ne se gênent pas pour écorcher au passage tout ce qui les agace. Sur Between Christian And A Hard Place, leur 1^er véritable album, le groupe lance une flèche aux groupes de rock chrétien qui sont très en vogue aux États-Unis en ce moment. Même si Good Clean Fun ne nous offre pas grand-chose de révolutionnaire d'un point de vue musical, leur humour mordant nous les rend tout de suite sympathiques. De toute façon, si leur musique nous dérange un peu trop, elle ne risque pas de le faire trop longtemps puisque seulement 4 des 12 chansons présentées franchissent le cap des 2 minutes. On retrouve quand même des musiques passablement efficaces à gauche et à droite. L'album se termine avec "The Myspace Song", une ballade acoustique qui traite (avec humour évidemment) des ravages de l'Internet sur les relations humaines. C'est donc un album drôle et sympathique qui offre un divertissement léger aux fans de punk hardcore qui sont plus habitués d'entendre des textes sombres et déprimants. (mars 2006)

Equal Vision

Greg Graffin, Cold As The Clay

Antoine Gratton, Il était une fois dans l'est

Antoine Gratton est un multi-instrumentiste de grand talent qui joue à peu près de tout en plus de ses instruments de prédilection qui sont la basse et la guitare acoustique. Il était une fois dans l'est, paru au début de 2006, est son 2^e album. Il lui a permis non seulement d'être encensé de la critique, mais aussi de se voir récompensé aux Juno Awards (meilleur album francophone de l'année). Gratton nous propose un son pop et folk rock particulièrement éclaté, avec un groove funky extrêmement efficace. Au Québec, on peut le comparer à Vincent Vallières, mais sur la scène internationale, Beck et les Beatles peuvent nous venir en tête en certaines occasions. Ses textes sont souvent remplis d'ironie et il semble se servir de sa plume comme exutoire. Il a coréalisé l'album avec Éloi Painchaud, qui signe également deux textes en plus de jouer plusieurs instruments tout au long du disque. D'autres artistes viennent aussi faire leur tour : Jorane prête sa voix à 2 pièces, Coral Egan, à 1 pièce (qu'elle a coécrite) et Martin Léon vient jouer de la tambourine. Quelques titres m'ont un peu moins allumé que la moyenne, mais dans l'ensemble, il s'agit d'un très bon album sans grandes faiblesses. Antoine Gratton est un jeune artiste créatif qui a un très bel avenir devant lui... (mai 2007)

Tacca

½

Grimskunk, Fires Under the Road

Le maintenant légendaire groupe alternatif québécois Grimskunk est de retour sur disque avec un 8^e album studio. J'avoue ne pas avoir entendu leur album précédent, The Seventh Wave, mais je peux dire que Fires Under the Road me ramène là où je les préférais, c'est-à-dire dans ce bon vieux rock déchaîné où la langue de bois n'a pas sa place. On n'a qu'à penser à "America Sucks", une critique assez directe de l'Amérique qui ne remportera pas de prix d'écriture, mais qui réussit à passer toute la rage voulue sur une musique efficace. Dans "Vive le Québec libre", un des 2 seuls textes en français, on crache littéralement au visage des "mangeux de marde" qui croient en un beau pays en se "crissant du voisin d'à côté". Je pense que la position est assez claire... L'autre texte en français, "Parfait perdant", est de Vincent Peake, ex-Groovy Aardvark, qui fait maintenant partie de Grimskunk en tant que bassiste. Vous ne serez pas tellement dépaysés avec ce nouvel enregistrement de Grimskunk qui allie à nouveau le rock alternatif lourd à des éléments de punk et de métal. Peu de groupes osent aller aussi loin dans l'utilisation du mur de guitares au Québec et c'est probablement ce qui explique qu'ils vendent plus de disques à l'extérieur du pays (ou devrais-je dire de la province!), le grand public québécois étant plutôt frileux avec la guitare lourde. Il s'agit encore une fois d'un bon album d'un groupe qui traîne à lui seul la scène underground québécoise depuis tant d'années. (décembre 2006)

Indica

½

Guillemots, Through the Windowpane

Emily Haines & The Soft Skeleton, Knives Don’t Have Your Back

Heavens, Patent Pending

Heavens est un projet de Matt Skiba de Alkaline Trio et de Josiah Steinbrick de F-Minus. Ce projet leur permet d'explorer des horizons différents de leurs groupes respectifs et ils vont plutôt visiter le punk/new wave de la fin des années 70 (Wire, Television) et le rock alternatif des années 80 (Sisters Of Mercy, The Cure, The Smiths, Depeche Mode), le tout avec des synthétiseurs et de la batterie électronique. La collaboration est née après que Steinbrick ait fait entendre des musiques à son ami Skiba qui a adoré. Excités par le potentiel musical de ces compositions, ils ont donc décidé d'embarquer dans l'aventure dans laquelle Steinbrick a composé la musique et joue les instruments pendant que Skiba s'est occupé des paroles et chante. Patent Pending a été entièrement composé en environ 1 semaine en août 2004 et on peut enfin en entendre le produit final. À l'écoute du premier extrait, la chanson-titre, j'ai été complètement renversé par sa qualité et elle est de loin ma préférée. D'autres pièces sont particulièrement efficaces, malgré leur simplicité, et les faiblesses sont quasi-inexistantes. J'ai le sentiment que ce projet parallèle des 2 gars pourrait bien se transformer en projet permanent tellement il est solide. Une très belle découverte... (novembre 2006)

Epitaph

½

Hell Is For Heroes, Transmit Disrupt

Lulu Hughes, Crazy Mama!

4 ans après son tout premier album qui s'était fait tant attendre, la diva Lulu Hughes est de retour avec Crazy Mama!. Je dis diva parce qu'avec une voix aussi puissante qui se situe quelque part entre Aretha Franklin et Janis Joplin, c'est difficile de simplement la qualifier de chanteuse. Elle qui a été choriste pour de nombreux artistes à travers les années, c'est avec grand plaisir qu'on écoute sa propre musique. Elle nous propose un mélange de rock bluesé, soul, funk et swing, le tout avec cette énergie débordante qui la caractérise. Contrairement à d'autres chanteuses qui ne présentent que le produit qui sera apprécié des radios commerciales, Lulu fait à sa tête et nous présente la musique qu'elle aime vraiment. Ouverte sur le monde, on sent rapidement au début de l'album que ses influences vont bien au-delà des frontières du Québec. Le premier extrait, "Faut marcher!", risque de connaître autant de succès que "Rock With Me" de l'album précédent, puisque c'est un boogie particulièrement entraînant. "Planète funk", la swing "Chien-chat" et la disco "Dance Floor" sont également des pièces de première qualité. Il n'y a que "On ne s'aime plus", une ballade qui vient complètement casser le rythme en plein milieu, qui n'a rien d'exceptionnel. L'album a été réalisé par Éric Létourneau et elle a su s'entourer de choristes et de musiciens de grand talent. On retrouve entre autres les choristes Élisabeth Blouin-Brathwaite et Kim Richardson et le guitariste Dan Georgesco (des Porn Flakes et ex-Too Many Cooks). Malgré quelques pièces un peu plus faibles, il s'agit d'un album de premier plan, supérieur à tous les albums québécois en français parus jusqu'à maintenant en 2006. (juillet 2006)

Novem

½

I Am Ghost, Lover's Requiem

I Am Ghost est un groupe californien dans le genre post hardcore / gothique. On peut les comparer à My Chemical Romance et Fall Out Boy, même s'ils utilisent une approche légèrement différente. Le groupe nous propose ici son 2^e album complet en 2 ans et il se veut un opéra rock. J'avoue que le résultat est plutôt impressionnant dans le genre opéra. Même les harmonies à la guitare, qui m'ont rappelé à certains moments les virtuoses Yngwie Malmsteen et Steve Vai, nous rapprochent de ce côté classique de l'opéra, en plus de la présence occasionnelle d'orgue et de violons. Pour ceux qui commencent à avoir peur, ne vous en faites pas parce que le coeur même de cet album est totalement punk rock, un punk rock très énergique en plus. C'est plutôt au niveau des arrangements et de la texture musicale qu'on se rapproche de l'opéra rock. Le résultat est excellent et Lover's Requiem, sans révolutionner l'industrie musicale, présente un produit qui réussit à se différencier quelque peu de tout ce qu'on retrouve dans le marché en ce moment. C'est un album qui s'écoute bien du début à la fin, malgré le fait qu'aucun titre n'en ressort véritablement. (décembre 2006)

Epitaph

½

The Killers, Sam's Town

Directement de Las Vegas, voici à nouveau les Killers avec un 2^e album après le succès monstre de Hot Fuss il y a 2 ans. Ils nous avaient alors offert un album surprenant par son efficacité et sa créativité, et on les considérait comme le penchant américain de Franz Ferdinand. Avec Sam's Town, on doit effacer le tableau et oublier toute opinion préconçue. Je ne sais pas trop ce qu'ils ont essayé de faire, mais j'ai l'impression que les gars se sont cherchés quelque peu lors de l'écriture de ce 2^e album, alors que c'était le temps du vrai test. Ils ont tenté d'être plus "vrais", barbes à l'appui, et le titre de l'album Sam's Town est le nom d'un casino de Las Vegas qui est considéré comme le vrai visage de la ville contrairement aux méga casinos qui sont apparus ces dernières années. Ils ont tenté d'être un peu plus sérieux, mais "plus sérieux" égale malheureusement "moins divertissant". Musicalement, les comparaisons se rapprochent essentiellement des "sérieux" U2 et Bruce Springsteen, et on doit parler plus de copie que d'inspiration ici. Avec "My List", j'ai eu l'impression que j'écoutais une collaboration de Meat Loaf et Styx, ce qui n'est rien pour attirer quelque mélomane que ce soit! On peut quand même apprécier le succès "When You Were Young", "For Reasons Unknown" et la chanson-titre, sauf que plusieurs autres pièces sont carrément monotones et pas trop créatives. C'est donc un album plutôt décevant que nous offrent The Killers après avoir créé des attentes considérables avec leur album précédent. Sam's Town ne fait vraiment pas le poids aux côtés de son colossal prédécesseur... (critique principale de novembre 2006)

½

K-Maro, Platinum Remixes

Éric Lapointe, N'importe qui : 1994-2006 (CD + DVD)

Romain Lateltin, Elle veut de l'homme

Après un premier album de qualité présenté il y a 2 ans, Romain Lateltin est de retour avec un nouvel album concept. Cette fois-ci, il nous raconte l'histoire d'une femme d'une trentaine d'années, nymphomane, vierge et plutôt laide. Il utilise un humour parfois provoquant qui égratignera quelques demoiselles croyant voir du machisme à chaque coin de rue. Musicalement, il continue dans la pop électro aux influences de Gainsbourg et Daho, un style qu'il maîtrise à la perfection et qui est totalement adapté à sa voix. Auteur au talent indiscutable, on peut le comparer plus que jamais à Jérôme Minière, son penchant québécois. On retrouve sur Elle veut de l'homme une belle évolution par rapport à l'album précédent. Quelques pièces sont tout à fait excellentes et ont tout pour connaître du succès dont la chanson-titre qui est ma préférée. Quelques musiques m'ont tout de même moins intéressé, mais les textes et le fait que c'est un album concept nous obligent à écouter jusqu'au bout. Un très bon album encore une fois pour ce Français de grand talent. (septembre 2006)

½

Jean Leclerc, Mexico

Après une quinzaine d'années de succès sous le nom de Jean Leloup, Jean Leclerc a décidé de faire "mourir" le personnage pour ne plus avoir à jouer ses vieilles chansons. Il a ensuite lancé le double album en concert Exit qui incluait aussi un DVD sur lequel il présentait la fin de Jean Leloup et le brûlage de sa guitare. Par la suite, il a publié un livre sous le pseudonyme de Massoud Al-Rachid, Noir destin que le mien, et a mis sur le marché la compilation ultime de Jean Leloup, 1985-2003: Je joue de la guitare. Finalement, voici un nouvel album, 2 ans à peine après la "mort" de Leloup. On peut donc dire que Jean "Dead Wolf" Leclerc n'a jamais été aussi actif que depuis qu'il a fait mourir son personnage. Sur Mexico, Leclerc nous présente un travail véritablement en solo alors qu'il y joue tous les instruments en plus d'en faire les arrangements et les mixes. L'album contient beaucoup de pièces acoustiques dont certaines qui s'apparentent à une lecture de poésie pure et simple ("Personne I", "L'innocence de l'âme", "Les amours mortes", "L'église" et "Jarneton et Gringoire"). D'autres, par contre, nous ramènent dans un univers qui ne nous était pas étranger du temps de Leloup (les succès "Tangerine" et "Le malheur", etc.). Une de mes préférées est la très entraînante "Cowboy Groove", juste avant que Leclerc fasse preuve d'énormément d'ironie sur "Everybody Wants To Leave", une pièce dans laquelle il semble carrément se vider le coeur au sujet des chanteuses issues de la télé-réalité Star Académie. Sur ce "premier album", Jean Leclerc fait preuve d'une explosion de créativité artistique, en partie à l'image de Les fourmis de Leloup. Il s'agit d'un album extrêmement solide, malgré de nombreuses variations qui pourront en déboussoler plusieurs. Mexico fait certainement partie des meilleurs albums francophones de l'année. (décembre 2006)

Mademoiselle K, Ça me vexe

Mademoiselle K est une chanteuse parisienne de 25 ans qui n'est pas sans nous rappeler Chrissie Hynde des Pretenders, tant par le look que par le style musical. J'ai aussi pu établir un parallèle avec Patti Smith en certaines occasions. Attitude punk et voix rauque à cent mille lieues de la chanteuse française typique (avec un filet de voix) font de Mademoiselle K une rockeuse comme en retrouve peu en France. L'album débute doucement avec la minimaliste "Reste là". Par contre, le rythme s'accélère drôlement avec "Ça sent l'été" et la chanson-titre. La guitare égratigne plus que la moyenne pour un rock français et elle enlève tous les doutes qu'on pourrait avoir au sujet du côté résolument rock de l'album. Ses textes sont tout aussi incisifs et elle ne passe pas par 4 chemins pour faire passer ses messages. Sans être d'une originalité sans bornes, les chansons de Mademoiselle K sont généralement accrocheuses et efficaces. Ça me vexe est donc un album intéressant qui mérite de s'y attarder. (novembre 2006)

Roy / EMI

Malade Mantra, Quatre millions de tounes

Malade Mantra, c'est avant tout un trio auquel s'ajoutent Igor Bartula (de Caïman Fu) à la basse en tant que "membre honorifique" et plusieurs autres invités aux claviers, cuivres, etc. Après avoir remporté un prix au Festival de la chanson de Granby en 2004, le groupe nous propose son premier album, Quatre millions de tounes, composé de 11 pièces pour un total de 46 minutes. Musicalement éclectique, l'album nous présente une panoplie d'influences du monde entier qui viennent enrichir leur son pop rock avec du reggae, du ska, du jazz, des rythmes africains, du funk, etc. Malgré cette richesse musicale incomparable, peu de pièces ont réussi à m'impressionner réellement. Il semblait toujours manquer la petite étincelle qui rendrait la pièce intéressante et plusieurs tombent à plat ou m'ont carrément ennuyé. C'est bizarre considérant l'intégration de tous ces styles plus joyeux les uns que les autres. Même s'il s'agit d'un album pop rock, très peu de chansons ont un véritable potentiel commercial en dehors de la chanson-titre. La grande variété musicale nous force à porter attention à l'album, mais ce qui nous amène à nous rendre à la fin, c'est plus la curiosité que le plaisir. C'est bien dommage parce qu'on peut les comparer à Dobacaracol et Caïman Fu, mais on ne peut malheureusement pas éprouver le même sentiment de joie en écoutant l'album. C'est certain que si vous avez une soif insatiable de rythmes différents dans des chansons en français, vous en aurez plein les oreilles avec Malade Mantra qui risque fortement de vous plaire. Mais pour ma part, je ne sais pas combien il faut d'écoutes de l'album avant de réellement accrocher, mais même si j'ai vraiment essayé d'apprécier, j'ai abandonné avant d'atteindre le nombre d'écoutes requis. Voyons voir ce que le futur nous dira à leur sujet, car le potentiel est là. Au moins, ce qu'ils font se différencie de la masse... (mars 2006)

Voxtone

Malajube, Trompe-l'oeil

Trompe-l'oeil est le 2^e album du groupe alternatif québécois Malajube, après Le compte complet paru en 2004, qui avait connu un certain succès dans l'underground montréalais, mais sans vraiment en sortir. Avec Trompe-l'oeil, c'est une toute autre histoire alors que le groupe a réussi à obtenir du succès avec "Montréal -40^oC" et "Pâte filo", en plus qu'on ait entendu très souvent "Ton plat favori" dans une publicité télévisée. L'album a même réussi à capter l'attention des Américains, malgré le fait qu'il soit totalement en français. Parions que le groupe préparera bientôt quelques titres en anglais pour aller visiter nos voisins du sud. Leur style est passablement unique au Québec alors qu'ils nous offrent un rock alternatif varié sans être garage, ni punk, un son qui est passablement accessible. On peut les comparer aux Flaming Lips et à Super Furry Animals, avec des éléments de Radiohead dans leurs moments les plus planants. On retrouve plusieurs collaborations spéciales sur l'album dont Pierre Lapointe, Martin Pelland et Simon Proulx qui prêtent leur voix à "Montréal -40^oC", Joe des Breastfeeders qui joue des maracas sur "Montréal -40^oC" et les gars de Loco Locass qui ont écrit les paroles de l'excellente pièce hip hop "La Russe" en plus d'y prêter leurs voix. Malajube nous offre ici un album extrêmement solide, autant par sa créativité que par l'efficacité de ses compositions. (février 2007)

Marabu, Égo Système

Marabu est un duo composé de 2 jeunes Québécois, Jesse Proteau et André Simard. Après le premier simple "Si pour vivre", qui a obtenu passablement de succès dans certaines radios et à Musique Plus, ils nous ont présenté en janvier 2006 leur tout premier album, Égo Système. Il s'agit d'un album essentiellement intimiste basé sur la guitare acoustique et les harmonies vocales. Le duo possède un talent certain pour interpréter ses textes de qualité. Et avec leur look de jeunes premiers, les gars ont tout pour s'attirer la sympathie d'un jeune public féminin. Ils font d'ailleurs un peu trop boys band à mon goût par moments avec des chansons légères à souhait. En plus, certaines pièces sont particulièrement ennuyantes ("Tu me manques", "Angel", etc.). Au jeu des comparaisons, un nom m'est rapidement venu en tête: Wilfred Lebouthillier, notre cher gagnant de la première édition de Star Académie. Espérons que ce n'est pas le début d'une génération d'artistes qui sera influencée par le style musical imposé à l'académie. Comme 2^e extrait de l'album, ils ont choisi "Que des mots", qui n'est pas inintéressante, mais "Fais pas semblant" est largement supérieure et de loin ma préférée de l'album. Pour le reste, disons que ce n'est pas trop mon genre, mais que j'avais le doigt attiré régulièrement vers la télécommande. (juin 2006)

Tox

½

The Mars Volta - Amputechture

Matchbook Romance, Voices

The Matches, Decomposer

Il y a 2 ans, nous voyions apparaître un nouveau groupe pop punk prometteur et j'affirmais à ce moment qu'il faudrait attendre leur 2^e album pour véritablement voir The Matches éclore. Eh bien, le voici ce 2^e album et je peux dire que j'avais vu juste. C'est en effet un disque d'une grande originalité qu'on retrouve avec Decomposer. Rien de moins que 9 réalisateurs ont travaillé sur les 13 pièces du disque de près de 45 minutes. Parmi les plus connus, mentionnons Tim Armstrong, Mark Hoppus et Brett Gurewitz. Le résultat est un album extrêmement varié, éclectique, mais qui s'enchaîne tout de même admirablement bien. Le tout débute avec un orchestre de chambre sur "Salty Eyes", un mélange surprenant avec le groupe, mais tout de même très réussi. En certains moments, on retrouve de l'électronique, du breakbeat, presque du hip hop même. Mais c'est le pop punk qui demeure au coeur de la musique du groupe, même si ce n'est pas un pop punk comparable à tout ce qui nous a été présenté dans les dernières années. Vous pourrez entendre l'excellent succès "Little Maggots" et le nouvel extrait "Papercut Skin", mais ma préférée est certainement la complètement folle "Lazier Than Furniture", une pièce punk parfaite pour un défoulement collectif. Il y a aussi l'excellente "You (Don't) Know Me", réalisée par Tim Armstrong, qui est incomparable et ne pourra vous laisser indifférents. Decomposer est un album qui peut nous sembler un peu bizarre au départ et nous tenir sur nos gardes, sauf qu'on l'apprécie de plus en plus à chaque écoute. Je le conseille fortement. (octobre 2006)

Epitaph

Mercy Killers, Bloodlove

Voici un trio californien de punk rock n' roll qui déménage. Leurs influences proviennent essentiellement d'Angleterre alors qu'on peut les comparer à The Damned, Generation X et aux débuts de The Clash. Après un premier mini-album en 2005 et de nombreux concerts avec Transplants et Lars Frederiksen & The Bastards, le groupe nous présente son premier album complet, Bloodlove. Avec moins de 30 minutes, c'est un album qui va droit au but avec des pièces "rentre dedans" sans aucune hésitation. Pour les amateurs de musique introspective, vous seriez mieux de passer votre tour, car Mercy Killers vous offre plutôt un rock n' roll d'une grande efficacité. Au moment où on a l'impression que le rythme ralentit, au début de "End Transmission", on se retrouve plutôt avec une des pièces les plus lourdes de l'album grâce à un refrain à la limite du hardcore. C'est donc un album extrêmement solide que nous propose ce nouveau groupe qui sera à surveiller dans les années à venir. (octobre 2006)

Hellcat / Epitaph

½

Misstress Barbara, Come With Me...

Après 4 ans d’absence sur disque, la Montréalaise d’origine sicilienne Barbara Bonfiglio, alias Misstress Barbara, est de retour avec l’album Come With Me… La DJ de réputation internationale a eu l’occasion de perfectionner son style au cours des années grâce à ses performances dans les meilleurs clubs à travers le monde. Après avoir joué la batterie durant son adolescence alors que ses goûts musicaux se dirigeaient uniquement vers le rock, Barbara a découvert la musique techno à notre plus grand plaisir. Elle a développé son propre style de hard techno et deep house, que ce soit sous le pseudonyme de Misstress Barbara ou celui de Barbara Brown. Par contre, Come With Me… nous présente un côté un peu moins dur. Il y a bien toujours ses influences rock, punk, latines et jazz qu’on peut percevoir à travers sa techno bien dansante, mais elle s’approche de plus en plus d’une musique lounge par moments. On sent plus que jamais une certaine émotivité dans l’œuvre mixée de Barbara et ce, tout au long des 72 minutes ininterrompues de l’album. Parmi les 17 titres offerts, on doit noter la présence de 2 compositions de la belle Sicilienne de 30 ans. Elles incluent "I Love You" qui constitue certainement la pièce de résistance de ce disque. Après un début en force avec la pièce minimaliste "Too Hot" de Sebo K, il y aura plusieurs bons moments dont "My Wav (club mix)" de Andrea Bertolini, "Beta Boy" de Trentemoller, "Don’t U Want" de Zdar et "He-Man" de Boysnoize. La deuxième moitié du CD est peut-être un peu moins éclatante, devenant plus ambiante (malgré un groove toujours très efficace pour danser). Les pièces sont évidemment admirablement mixées, ce qui n’a rien de surprenant considérant le grand professionnalisme qu’elle a su acquérir à travers les années. Pour un album techno/house de grande qualité, ce nouveau disque de Misstress Barbara est à considérer fortement avant bien d’autres. (mars 2006)

Iturnem / Uncivilized World / Koch

½

Mobile, Tomorrow Starts Today

Mobile est un groupe originaire de Montréal, mais qui a déménagé à Toronto alors que la scène musicale montréalaise était en pleine émergence à travers le monde. Ils sont 5 francophones, mais ils chantent en anglais, alors que leur musique est complètement internationale. Ils nous proposent une musique pop rock moderne influencée des années 80, avec des rythmes réguliers particulièrement efficaces. On peut les comparer à The Killers et Franz Ferdinand, et on perçoit certaines influences de The Cure et The Police. Ils avaient déjà connu le succès en 2005 avec "Montreal Calling", une pièce qu'ils ont incluse sur ce tout premier album. On y trouve aussi le succès "Out Of My Head", une des meilleures du disque, ainsi que le nouvel extrait, "See Right Through Me". La chanson-titre est également de très grande qualité. La réalisation de Matt DeMatteo est remarquable tout au long du disque et fait en sorte qu'on a toujours envie de monter le volume en entendant ces pièces énergiques et fredonnables à souhait. Pour les amateurs de pop rock de qualité, Mobile est certainement un groupe à découvrir, un groupe qu'on entendra dans toutes les radios dans les mois à venir. (découverte du mois d'août 2006)

½

Motion City Soundtrack, Commit This To Memory: Deluxe Version (CD + DVD)

Muse, Black Holes And Revelations

Le trio britannique Muse est de retour avec son quatrième album, après le grand succès de Absolution en 2003 qui leur a enfin permis de se faire connaître en Amérique. Le groupe innove encore une fois en explorant de nouveaux territoires. Il se différencie de plus en plus de Radiohead, même si quelques titres nous les ramènent en tête. Alors qu'on pouvait entendre certaines influences métal sur l'album précédent, on en retrouve encore plus ici. On y entend de la musique industrielle aux influences de Nine Inch Nails, ainsi que de l'électronique à la Depeche Mode. Les riffs de guitare y sont d'une grande efficacité et les solos à l'emporte-pièce ne manquent pas. Le rythme varie énormément tout au long de l'album soutenant l'intérêt d'un bout à l'autre. Par la richesse des arrangements, on n'a plus du tout l'impression d'entendre un trio, mais plutôt un groupe de 6 ou 7 musiciens. Ce qui est constant par rapport aux albums précédents c'est le genre de thèmes qui y sont abordés, tournant toujours autour de l'état de notre planète. On entend ici 11 des meilleures compositions du groupe à ce jour qui, réunies sur le même disque, nous donnent assurément le meilleur album de Muse. Les faiblesses sont rares, l'énergie est impressionnante et, après quelques écoutes attentives, on ne peut plus s'en séparer. Non seulement Black Holes and Revelations est certainement le meilleur album du groupe, mais il est probablement le meilleur album de 2006 pour l'instant. Pour un album rock, intelligent et de qualité, ce nouvel album de Muse représente une valeur sûre. (critique principale de septembre 2006)

My Chemical Romance, The Black Parade

Orgamilk, Fluid

Orgamilk est un projet acoustique de Pedro, un Français de Nantes, et Fluid est un album autoproduit de 11 pièces que Pedro a entièrement enregistré chez-lui. On y trouve des pièces interprétées avec une simple guitare acoustique et sa voix. Sur scène, le duo est complété par Jean-Phi à la basse. J'avoue que je n'avais pas de grandes attentes vis-à-vis cet album, mais j'ai été rapidement impressionné. C'est que les influences de Pedro sont anglo-saxonnes ce qui donne des pièces totalement anglophones, beaucoup plus près d'un son britannique ou américain que d'un son français (et j'en étais bien heureux!). Certaines pièces m'ont fait penser à Nirvana ("One More Joke", etc.), tandis que d'autres se rapprochent de Jeff Buckley (la chanson-titre, etc.). Pedro possède une voix rock sans grande puissance, mais extrêmement efficace pour faire passer ses émotions dans ce type de chansons. Mais, ce que je retiens surtout de l'album, c'est la qualité des compositions qu'on peut vraiment apprécier dans ce contexte acoustique sans fioritures. Il y en a bien quelques-unes qui se démarquent un peu moins par leur originalité, mais généralement, la satisfaction est au rendez-vous. Orgamilk est assurément un duo à découvrir et à surveiller dans les années à venir. (avril 2006)

½

Ricky Paquette, Early For the Show

Ricky Paquette est un virtuose de la guitare blues âgé de seulement 15 ans (il en avait 14 lors du parachèvement de ce 1^er album). Ce jeune homme de l'Outaouais nous offre essentiellement des classiques blues, mais il nous présente aussi 3 excellentes compositions: "Schoolboy Blues" (une de mes préférées), "I'm A Fool" et l'instrumentale "Woodshed Blues". L'album démarre en trombe avec les classiques "Caledonia" de Fleecie Moore et "Crossroads" de Robert Johnson. Plus tard, des pièces un peu plus calmes viennent ralentir ce rythme effréné: "Leave My Little Girl Alone" de Buddy Guy et "Red House" de Jimi Hendrix. L'album se termine avec d'autres classiques de Robert Johnson, The Allman Brothers Band et Jimmie Vaughn. En boni, on retrouve l'incontournable "Georgia On My Mind" popularisée par Ray Charles. On dit souvent qu'il faut être torturé et avoir beaucoup souffert pour être un bon chanteur de blues. Ricky Paquette nous prouve tout à fait le contraire avec une voix extrêmement mature pour son âge et un jeu de guitare comparable aux plus grands. J'avoue que je n'avais pas de très grandes attentes avant d'écouter cet album d'un ado qui joue du blues, mais Ricky Paquette est beaucoup plus que ça: on peut déjà le considérer comme un des meilleurs bluesmen au pays et il a tout un avenir devant lui. Aussi, avec des compositions solides comme on retrouve ici, on risque de l'entendre assez rapidement nous offrir un album complet de créations originales, ce qui lui permettra de jouer autre chose que des classiques du genre. Ce jeune homme plaira rapidement à tous les fans de blues! (août 2006)

Preservation

½

Kevin Parent, Compilation

Parkway Drive, Killing With A Smile

Pearl Jam, Pearl Jam

un texte de Jean Jean (Rocklegends)

Nouvel album de Pearl Jam, 4 ans après le très réussi Riot Act. L’entre deux n’a été fait que de compilations et autres lives en série. Les américains de Seattle furent d’énormes stars dans les années 90, l’un des piliers du mouvement grunge qui s’est peu à peu éteint… et que Pearl Jam a, comme les autres, abandonné. Alors, c’est quoi Pearl Jam en 2006 ? En quelques mots, c’est un groupe efficace, musicalement forcément très au point, mais pas forcément courageux, explorateur et novateur ! Mais cet album éponyme est tout de même loin d’être mauvais. On parle de retour aux sources ? Pas tout à fait d’accord… Ce qui est juste clair c’est que le groupe sonne fort et puissant, trop lourd pour être du rock et pas assez hargneux pour être du métal. Très engagés, les textes de Eddie Vedder dénoncent, et le chanteur hurle son mécontentement (notamment contre un certain G. W. Bush…). Les 3 premiers titres sont de véritables tornades ! Les guitares balancent directement le mur de son, et Vedder fait encore profiter de sa voix hors du commun. Très clairement, musicalement, il n’y a pas grand-chose à dire, ni à redire… Pas grand-chose à dire ? En effet, c’est assez basique comme approche, c’est même très étonnant pour un groupe qui a autant d’expérience. Pas de cabrioles sonores, pas de morceaux vraiment très au-dessus du lot… Pas grand-chose à redire ? Non, parce qu’il faut bien préciser que même si ce n’est pas réellement exceptionnellement nouveau, c’est tout de même bien joué au carré. Batterie qui claque, rythmiques de guitare et solos acérés, ce nouvel album ne pêche pas par son manque de technique… juste cruellement par son manque de renouveau ! Ca devient donc lassant assez rapidement… (juillet 2006)

½

Peezee, Star Status

Pete Philly & Perquisite, Mindstate

Philosonic, Y'a rien de facile

Philosonic est un quatuor de Lévis qui a fait son apparition en 2003 avec un solide premier album qui a surtout connu du succès avec la pièce "La couleur". Après plusieurs spectacles très appréciés, la découverte de la maladie du chanteur, guitariste et leader Philippe Gagnon, qui souffre de bipolarité, a obligé le groupe à faire une pause. Par la suite, le guitariste et le bassiste, deux nouveaux papas, ont décidé qu'ils en avaient assez et ont quitté le groupe. Gagnon n'avait pas dit son dernier mot et il a décidé de continuer de foncer en compagnie du batteur Steeve Girouard. Ils nous présentent donc ici ce nouvel album d'un groupe qui renaît de ses cendres. On a demandé les services de Gilles Brisebois (Jean Leloup, Les Frères à Ch'val, Yann Perreau), qui joue la basse et le piano en plus de réaliser et arranger, et d'Yves Desrosiers (Jean Leloup, Daniel Bélanger, Sarah McLachlan, Lhasa de Sela, Richard Desjardins), qui joue la guitare et plusieurs autres instruments. On peut également constater la présence de Mara Tremblay sur "Ton violon" et de Yann Perreau sur "À côté du piano" et "Monanémone". Ce sont 14 pièces qui nous sont présentées ici dans des styles variant entre le ska, le reggae et le rock. Tous les textes sont de Gagnon et Gilles Brisebois a co-composé le premier extrait de l'album pour la chanson-titre avec les 2 membres originaux restants. La meilleure pièce de l'album est selon moi "Monsieur Boulanger" qui est un succès assuré. Pour les autres, elles jouent à peu près toutes dans le même registre. Si vous aimez dès le début, vous aimerez jusqu'à la fin, sinon, vous vous ennuierez peut-être. Les textes sont intéressants et la musique est riche, mais il manque ce petit quelque chose pour élever l'album au-dessus de la moyenne. Par contre, si vous avez apprécié leur premier album, vous devriez encore aimer le contenu de Y'a rien de facile. (janvier 2007)

Tox

Pink, I'm Not Dead

Plain White T's, Every Second Counts

Plain White T's est un groupe de Chicago qui roule sa bosse depuis près d'une décennie déjà. Il nous propose un pop punk assez commun mais entraînant. Every Second Counts est leur premier album sur une étiquette majeure et les possibilités de succès ne manquent pas sur cet album extrêmement accessible. Dès le début, l'énergie débordante de "Our Time Now" ne peut faire autrement que de vous donner le goût d'entendre la suite. "Come Back To Me" et le succès "Hate (I Really Don't Like You)" poursuivent le travail dans une direction qui plaira à tous les fans du genre. Par la suite, certaines compositions sont un peu moins intéressantes et peuvent sembler beaucoup trop futiles. Quelques ballades attireront assurément les allume-cigarettes dans leurs spectacles et il n'est pas difficile d'imaginer un tas de jeunes filles chanter à tue-tête. Même si les Plain White T's ne révolutionneront pas le genre, ils offrent un produit pouvant certainement connaître autant de succès que d'autres groupes pop punks bien établis. Every Second Counts est un album pour les fans de Simple Plan, Blink 182, Amber Pacific et Jimmy Eat World. (novembre 2006)

Hollywood

Ben Popp, Même pas peur

Ben Popp est un chanteur et guitariste français d'une grande créativité qui s'autoproduit. Depuis 15 ans, il a lancé une quinzaine d'albums distribués en marge de l'industrie musicale française. Il nous propose une musique pop aux accents rock à l'occasion. Ses mélodies sont d'une efficacité remarquable (donc c'est surprenant qu'il n'ait pas été remarqué par les grandes compagnies de disques). Même pas peur est une compilation de pièces de 3 mini-albums parus en 2004 et 2005, ainsi que de l'album Septembre lancé au début de 2006. On en trouve 24 en tout, totalisant 78 minutes. La qualité de réalisation y est surprenante, tout comme les arrangements qui sont d'une grande richesse. Des pièces comme "C'est trop bête", "Septembre est de retour", "Et si tu m'oubliais" et "Petite gueule d'amour" se démarquent et risquent fort de vous rester en tête. Ce disque est définitivement la meilleure façon de découvrir cet artiste de grand talent et il vous donnera le goût d'en écouter plus si vous aimez la bonne musique pop. (juillet 2006)

½

Les Porn Flakes, L'album du coeur

Après de nombreux spectacles remplis d’invités (de véritables happenings), et un premier disque en 2005, voici que les Porn Flakes récidivent avec L’album du cœur. Cette fois-ci, il s’agit d’un disque bénéfice visant à venir en aide à Opération Bonne Mine et à S.A.J.E., des programmes de la Société Saint-Vincent de Paul qui viennent en aide aux enfants de familles démunies. Le principe même des Porn Flakes d’avoir toujours des chanteurs et chanteuses invités se poursuit, cette fois-ci essentiellement avec une brochette d’acteurs et actrices connus. On retrouve Sylvain Marcel sur le premier extrait du disque, "Un éléphant sur mon balcon", un classique de Roger Whittaker qui est magnifiquement repris par Marcel et les Porn Flakes, un tandem qui est toujours efficace en spectacle. On retrouve aussi Marc Labrèche, un duo de Anne Dorval et Daniel Thomas, Élise Guilbault (avec "Loin, loin de la ville" de Boule Noire) et Guylaine Tremblay (dans une interprétation plutôt faible de "Vivre dans la nuit" de Nuance). Élise Guilbault et Marc Labrèche reviennent en duo sur le classique de Ginette Reno et Jean-Pierre Ferland "T’es mon amour, t’es ma maîtresse", puis l’album se termine avec le duo Macha Grenon et Patrice Coquereau sur "Je t’aime moi non plus", le classique de Gainsbourg/Birkin. On ne retrouve que 3 véritables chanteurs : le légendaire Plastic Bertrand sur la seule composition originale de Dan Georgesco (guitariste des Porn Flakes), la jeune Nikki sur "Chain of Fools" et le travesti Plastik Patrik, un habitué des spectacles des Porn Flakes, sur la reprise de Mitsou "Bye bye mon cowboy". On retrouve sur ce disque un mélange de quelques très bonnes interprétations (celle de Sylvain Marcel en tête), d’interprétations correctes sans trop impressionner et de quelques interprétations douteuses, voire même inutiles. Ce qu’on retient surtout, c’est que l’album contient beaucoup de ballades et est beaucoup moins rock que ce à quoi le groupe nous a habitués en spectacle et sur son premier album. En amenant des acteurs à chanter, on crée un certain intérêt dans la population, mais j’avoue ne pas trop comprendre ce phénomène. Il y a tant de bons chanteurs et de bonnes chanteuses au Québec qui auraient accepté avec plaisir de faire partie d’un tel projet! Le disque est tout de même intéressant pour redécouvrir de vieilles pièces et pour la curiosité d’entendre chanter ses acteurs et actrices préférés. En plus, 1 $ par CD vendu va aux 2 organismes nommés précédemment. (décembre 2006)

Famous Remus

The Prize Fighter Inferno, My Brother's Blood Machine

Qbanito, Partir

Neiver Alberto Alvarez alias Qbanito est né à La Havane, Cuba en 1979. Il a habité juste à côté du grand Ibrahim Ferrer du Buena Vista Social Club. Il baigne donc dans la musique dès sa plus tendre enfance et s'intéresse aussi à la musique hip hop américaine qu'il réussit à capter tant bien que mal par les stations radiophoniques de Miami (lorsque le temps est favorable). En 1998, son père, qui était déjà réfugié au Canada, obtient un visa de sortie pour lui et sa jeune soeur. Il se retrouve donc à Montréal et poursuit la création artistique déjà entamée à Cuba. Il rencontre d'autres musiciens cubains et fonde le groupe Convoy Cubano (qui a participé à différents festivals). Au début de 2005, il quitte le groupe et vient bien près de rejoindre son père et sa soeur maintenant établis à Miami. Lors d'une dernière soirée à Montréal avant son départ, il rencontre un producteur et lui fait écouter une maquette de ses compositions. Trois semaines plus tard, il signe un contrat de disque pour la France et le Québec. En voici le résultat. Qbanito nous offre une musique reggaeton très populaire ces temps-ci. Il s'agit d'un mélange de reggae et de hip hop dansant qui est né à Porto Rico, mais est particulièrement apprécié des Cubains. La musique de Qbanito a une couleur particulière alors qu'il mélange l'espagnol et le français. Il va aussi puiser dans une musique cubaine un peu plus traditionnelle par moments (comme sur "A mi Mamita" par exemple). Mais, la pièce qui retient l'attention sur l'album est "Maria", qui est un méga succès instantané et inoubliable. Avec ce très bon album et des pièces comme "Maria", "Bouge ton culito" et "Poum poum", Qbanito n'a rien à envier à l'élite mondiale du reggaeton (dirigée par Daddy Yankee). Il s'agit certainement du meilleur album de musique latine à provenir du Québec depuis très longtemps. Il sera malheureusement probablement ignoré à l'Adisq puisqu'il ne cadre dans aucune des catégories de prix qu'on voudrait faire entrer tous les artistes. (mai 2006)

Vidéoclip: "Maria"

Tox

½

The Raconteurs, Broken Boy Soldiers

The Raconteurs est un super groupe d’amis dans lequel on retrouve le guitariste Jack White (The White Stripes), le chanteur Brendan Benson et 2 membres du groupe garage The Greenhornes, le batteur Patrick Keeler et le bassiste Jack Lawrence. Alors que le premier extrait, "Steady, As She Goes", la pièce qui a démarré le projet, était déjà un succès assuré à la base, le reste de l’album est beaucoup plus éclectique et difficilement accessible. Certaines pièces peuvent paraître totalement géniales, pendant que d’autres nous rappellent qu’on écoute un projet parallèle de gars qui ont chacun leur carrière. Le génie de White et Benson nous frappe en effet en plusieurs occasions, mais il n’est pas difficile de réaliser qu’ils ont enregistré cet album avant tout pour s’amuser. Il s’agit tout de même d’un album créatif dans l’ensemble, qui pourra en intéresser plusieurs.

½

Raised Fist, Sound Of The Republic

Raised Fist est un groupe suédois au son punk hardcore et métal totalement unique. Sound Of The Republic est leur 4^e album et ils nous offrent encore une fois un son brutal, lourd et rapide. On peut les comparer en plusieurs occasions à System Of A Down, ainsi qu’aux bonnes années de Motörhead. La voix distinctive de Alle rend ensuite toute comparaison bien difficile. Il a en effet une voix criarde, sans être gutturale, qui s’amalgame parfaitement avec la musique, deux guitares efficaces sur une section rythmique qui vous traverse le corps. C’est un bien beau travail de réalisation qu’a fait là Daniel Bergstrand, qui a travaillé dans le passé avec In Flames et Meshuggah. Malgré le son du groupe qui ne laisse pas trop de place à la mélodie, certaines pièces sont tellement solides qu’on a le goût de prendre le livret contenant les textes et de chanter avec eux. C’est le cas entre autres pour "Perfectly Broken", "Some Of These Times" et la chanson-titre. Même si je ne suis pas le fan #1 de hardcore, voilà un album solide qui m’a agréablement surpris et quelque peu impressionné. Avis aux amateurs du genre : vous ne serez assurément pas déçus… (juillet 2006)

Vidéoclip : "Sound Of The Republic"

Burning Heart / Epitaph

½

Red Hot Chili Peppers, Stadium Arcadium (2 CD)

Les Red Hot Chili Peppers étaient considérés comme un groupe alternatif totalement anti-commercial dans les années 80. Mais, suite au succès de l’excellent album Blood Sugar Sex Magik, le groupe a pris une pause sur disque de 8 ans avant de revenir en tant que groupe commercial sur Californication. Ça s’est poursuivi sur By The Way il y a 4 ans et c’est encore le cas ici puisque, même si le groupe possède toujours son propre style, il nous propose absolument rien d’alternatif. Stadium Arcadium est un album double contenant le disque Jupiter et le disque Mars. Le groupe affirme que, même si les pièces ont été assemblées ici dans cet ordre, on peut fabriquer notre propre bibliothèque musicale sur notre lecteur MP3 en les plaçant dans l’ordre qu’on désire. L’album commence quand même en force dans cet ordre particulier avec l’excellent succès instantané "Dani California" et l’accrocheuse "Snow (Hey Oh)". "Charlie" nous ramène le côté funky qui a fait la renommée du groupe. La chanson-titre est bonne mais, par la suite, l’intérêt tombe rapidement et peu de pièces réussissent à attirer notre attention et à nous rester en tête. 28 titres, c’est beaucoup trop! J’ai toujours eu de la difficulté avec les albums doubles et c’est encore plus épeurant quand le groupe a de la difficulté depuis plusieurs années à nous offrir un album régulier solide en entier. Il y a bien quelques pièces que vous pourrez fredonner à souhait (comme "Slow Cheetah" par exemple), mais rien de très renversant. Ce ne sont pas de mauvaises pièces, mais elles varient toutes autour de ce qu’on connaît du groupe, sans originalité. Les ballades sont beaucoup trop nombreuses et rendent l’album totalement monotone, une monotonie qui peut seulement être brisée par une pièce funk occasionnelle. Je ne sais pas s’il y en a qui ont réussi à trouver un meilleur enchaînement pour les pièces de l’album, mais je pense que celui-ci est très convenable, toutes les meilleures pièces étant au début. En fait, c’est faux, puisqu’il y a un enchaînement qui serait préférable : en coupant la moitié des pièces présentées... C’est un album audacieux, mais on a déjà vu les Red Hot Chili Peppers dans une audace beaucoup plus concluante. (critique principale de juillet 2006)

The Red Jumpsuit Apparatus, Don't You Fake It

The Red Jumpsuit Apparatus est un nouveau groupe pop punk de la Floride qui nous offre ici son tout premier album. On peut les comparer à Hoobastank, Jimmy Eat World et Hawthorne Heights. Le seul problème est que la ligne est un peu trop mince entre l'inspiration de ces groupes et une copie pure et simple. Pourtant, à l'écoute de la première pièce, "In Fate's Hands" (qui était le nom de leur groupe précédent), l'impression était plutôt positive puisqu'elle est vraiment excellente. Malheureusement, la qualité allait descendre de plusieurs niveaux assez rapidement par la suite. Il y a bien le premier extrait, "Face Down", qui est intéressant, mais la ballade "Cat and Mouse" allait finir de me tuer à la 6^e piste et m'enlever le peu d'intérêt qui me restait. Ce sont des pièces parfaitement formatées pour les radios, mais sans avoir la mélodie reconnaissable qui permet de connaître du succès. Leur petit côté punk (pour le peu qu'il en reste dans ce pop punk des années 2000) leur permet encore de cadrer dans des festivals comme le Vans Warped Tour, mais parions que ce n'est pas d'eux que les spectateurs se souviennent en retournant chez eux après avoir vu et entendu tous ces groupes. Je dois malheureusement conclure que Don't You Fake It est un album de 2 pièces entourées de remplissage. (septembre 2006)

EMI

½

Reset, No Worries No Limits

Damien Rice, 9

Damien Rice est un auteur, compositeur et interprète irlandais qui nous propose une musique folk contemporaine douce et apaisante. On pourrait dire qu’il est un mélange de Jeff Buckley et de Thom Yorke avec des influences de John Lennon et Bob Dylan. 9 est son 2^e album, un disque qui continue dans la lignée du précédent, mais avec un peu moins de fraîcheur. Il nous offre à nouveau un son basé sur la guitare acoustique avec de timides accompagnements, orchestraux pour la plupart. Il ose un peu plus sur "Me, My Yoke & I" qui est une pièce résolument rock, un style qu’il explore aussi sur "Rootless Tree". Pour le reste, ce peut être assez soporifique par moments et il faudrait définitivement un avertissement pour ne pas écouter en conduisant, surtout tard le soir sur une route de campagne… Il faut noter la présence de Lisa Hannigan qui vient prêter sa magnifique voix en quelques occasions, dont en ouverture et en fermeture d’album. En bout de ligne, il ne s’agit pas d’un mauvais album puisqu’il contient tout de même de très solides chansons et que l’émotion est bien présente en plusieurs occasions. Sauf qu’il ne peut rivaliser avec son premier album, ainsi qu’avec ceux de plusieurs autres artistes dans le genre. 9 plaira surtout à ceux qui mangent de la musique folk acoustique tellement ils aiment ça. Les autres pourront avoir de la difficulté à embarquer dans l’aventure. (janvier 2007)

Warner

Rise Against, The Sufferer & The Witness

Rise Against est un groupe post hardcore de Chicago qui en est à son 4^e album. En entrant au 10^e rang du palmarès Billboard, The Sufferer & The Witness est devenu leur disque le plus populaire à ce jour, eux qui n’avaient obtenu que des tas de bonnes critiques depuis leurs débuts en 2001. Sur ce nouvel album, le son hardcore mélodique du groupe est plus accessible que jamais, mais il a l’avantage de demeurer particulièrement énergique et passionné contrairement à d’autres groupes dans le genre qui tombent rapidement dans la pop bonbon. Rise Against demeure un groupe punk avant tout, avec un son parfait pour les amateurs de skateboard extrême. Il y a bien quelques pièces qui manquent un peu de mordant ("Chamber the Cartridge", "Under the Knife"), mais d’autres viennent totalement nous satisfaire ("Injection", "Ready to Fall", "Prayer of the Refugee"). La plupart des critiques s’entendent pour dire que le groupe nous a présenté son meilleur album en 2003 avec Revolutions Per Minute (avant d’être signé sur une étiquette majeure). Mais, The Sufferer & The Witness a bien peu à envier à cet album, parce que ce qu’il perd avec quelques rares moments un peu moins exceptionnels, il le gagne en maturité. Le groupe réussit à prouver aux fans de punk qui crachent sur les compagnies de disques majeures que l’on peut demeurer authentiques et passionnés à l’intérieur d’une aussi grosse boîte. (mai 2007)

Geffen / Universal

½

The Robocop Kraus, They Think They Are The Robocop Kraus

Saint Etienne - Tales From Turnpike House

Scissor Sisters, Ta-Dah

Voici la suite très attendue au premier album des Scissor Sisters, une des meilleures découvertes de 2004. Il s'agit de la suite logique du précédent avec encore une fois un mélange de disco et de musique pop dansante des années 80, le tout saupoudré d'un nouveau son des années 2000. Alors que le premier album surprenait par la solidité de ses compositions, on peut dire qu'ici la surprise est moins grande, puisqu'on connaît maintenant la recette. Sur Ta-Dah, on retrouve une direction encore plus pop, même si la créativité est toujours très importante. Le premier extrait, "I Don't Feel Like Dancin'" en est la preuve parfaite alors qu'il a totalement envahi les radios commerciales. Sur le premier disque du groupe new yorkais, il n'y avait que la reprise de Pink Floyd, "Comfortably Numb", qui avait fait quelques vagues plutôt discrètes. On peut à nouveau retrouver de grandes influences d'Elton John, qui collabore d'ailleurs à quelques pièces dont le succès "I Don't Feel Like Dancin'". Bizarrement, ce ne sont pas ces pièces qui nous rappellent le plus le style d'Elton John, une comparaison qu'on peut plutôt faire sur "She's My Man" entre autres. Parmi les autres références, il faut citer les Bee Gees et George Michael. Quant à "Kiss You Off", elle possède un rythme qui nous rapproche un peu plus de Goldfrapp que du disco des années 70. L'album peut encore compter sur une réalisation de premier plan de Babydaddy, le claviériste et bassiste du groupe. Même s'il est impossible de le considérer aussi bon que le premier album étant donné que la surprise n'y est plus, Ta-Dah nous offre tout de même 12 pièces solides contenant très peu de faiblesses. La légèreté de certaines pièces pourra en agacer quelques-uns (des friands de musique underground et bizarre), mais il ne faut surtout pas oublier qu'avec les Scissor Sisters on se retrouve plutôt dans l'univers du Studio 54 à la fin des années 70. Donc, ne vous posez pas trop de questions et laissez-vous aller à cette musique entraînante et intelligente à la fois. (critique principale de février 2007)

Seemless, What Have We Become

Seemless est de retour avec un 2^e album dans le genre rock n' roll bluesé en version métal. Encore une fois, le premier nom qui nous vient en tête est Soundgarden, mais on peut aussi les comparer aisément à Queens Of The Stone Age. Au départ, l'album m'a grandement intéressé avec les pièces "In My Blood" et "Cast No Shadow", 2 compositions remplies d'énergie où le son brut se rapproche certainement de leurs performances en spectacle. Malheureusement, la sauce se gâte totalement avec la très monotone "Numb". Par la suite, les pièces semblent presque toutes calquées sur les 3 premières... et sur leurs influences nommées plus tôt. Ils font un bel effort à la dernière pièce, "...Things Fall Apart", une ballade qui montre un peu plus de créativité, mais c'est trop peu trop tard puisque le coeur n'y est plus. C'est dommage parce qu'ils font un style musical que j'aime bien, sauf que je préfère encore écouter les albums de Soundgarden et de QOTSA, de même que du groupe montréalais Priestess. Avec What Have We Become, Seemless n'apporte rien de neuf, rien qui réussisse à conserver notre intérêt jusqu'à la fin. (octobre 2006)

Equal Vision

Sierra Leone's Refugee All Stars, Living Like A Refugee

En 2002, un documentaire était tourné dans un camp de réfugiés guinéen et mettait en vedette des musiciens du Sierra Leone. Suite au documentaire est née l'idée d'enregistrer sur disque la musique de ces survivants des pires atrocités. On retrouve donc ici le 1^er album des Refugee All Stars, un album alliant le reggae, des musiques traditionnelles et d'autres rythmes du monde. Les paroles rapportent évidemment les insanités de la guerre et l'injustice sociale, et parfois elles semblent être de véritables cris du coeur. Sauf que musicalement, la majorité des pièces de l'album sont dansantes et laissent place à la fête. Parmi les 17 pièces de l'album, on retrouve de véritables petits bijoux comme "Soda Soap", "Big Lesson" et "Let We Do We Own", sans oublier la chanson-titre. Même si la majorité des chansons présentées ici ont été enregistrées en studio, quelques-unes ont été enregistrées directement au camp de réfugiés, ce qui ajoute encore plus d'émotion à leur interprétation. C'est donc un album d'une grande richesse musicale et culturelle qui nous est offert ici et Living Like A Refugee aura le privilège d'immortaliser les souvenirs de tous ces gens dont la vie a été totalement bouleversée. (découverte du mois de novembre 2006)

Anti- / Epitaph

½

Bob Sinclar, Western Dream

The Slackers, Peculiar

Peculiar est le 6^e album du groupe ska/reggae new yorkais The Slackers et c'est peut-être leur plus solide à ce jour. Dès les premiers moments, sur "86 The Mayo", on réalise que le groupe amène son son un peu plus loin, signe d'une grande maturité. On peut les comparer à The Clash et aux moments les moins acoustiques de Bob Marley & The Wailers. Par contre, le lien se fait de moins en moins instantanément avec les groupes de ska/punk à la Rancid. Ce que j'apprécie le plus des Slackers, mis à part la qualité de la majorité de leurs compositions, c'est leur utilisation extrêmement habile des cuivres qui ne sont jamais trop présents et qui viennent plutôt magnifiquement ajouter à la richesse musicale. C'est également le cas pour les quelques utilisations qu'ils font de l'orgue et du piano. Parmi mes pièces préférées, il y a le premier extrait, "Propaganda" (dont on retrouve le vidéoclip dans la portion multimédia), ainsi que la chanson-titre. La presque instrumentale "In Walked Capo" séduira non seulement les amateurs de reggae, mais aussi tout amateur de musique festive et de jazz. Un grand moment du disque! L'album se termine avec leur reprise toute personnelle de "I Shall Be Released" de Bob Dylan. Il y a bien quelques pièces un peu plus faibles, mais l'ensemble de 13 titres s'écoute à merveille, avec une qualité de réalisation irréprochable. Tout amateur de musique qui se fout des grands courants musicaux devrait porter attention à ce groupe qui mélange habilement les genres pour en faire un style totalement intemporel et universel. (avril 2006)

Hellcat / Epitaph

½

The Sound of Animals Fighting, Lover, The Lord Has Left Us…

Gwen Stefani, The Sweet Escape

Après un premier album solo convaincant, la chanteuse de No Doubt se devait de nous en présenter un deuxième. Les quelques rares traces de rock encore présentes sur Love.Angel.Music.Baby. sont encore plus rares sur The Sweet Escape qui offre un mélange entre la pop des années 80 et le R&B des années 2000. Le meilleur exemple est l’excellente chanson-titre, une chanson estivale qui intègre autant la Madonna de ses débuts que le R&B actuel. Le principal problème de ce nouvel enregistrement est la présence de beaucoup trop de pièces qui ne sont pas à la hauteur. Plusieurs semblent être des pièces rejetées de la séance précédente en studio, ce qui donne beaucoup de remplissage inutile. Certaines sont carrément insupportables et viennent totalement gâcher le disque. Gwen s’entête un peu trop souvent à rapper, ce qui donne parfois des résultats gênants comme avec "Yummy", une copie bon marché des Black Eyed Peas mettant en vedette Pharrell. Elle devrait plutôt se concentrer sur la production de pièces dansantes solides à la "What You Waiting For?" qu’on pouvait entendre sur son album précédent. Une pièce de cette envergure manque définitivement à The Sweet Escape qui n’arrive à nous accrocher qu’en de rares occasions. (mars 2007)

Still My Queen, Make It Happen...

Quel est le lien entre ce nouveau groupe punk de Québec et Patrick Zabé, le célèbre chanteur des "excellentes" chansons "Agadou" et "Senior météo" (2 chansons que j'aurai en tête sans être capable de m'en débarrasser seulement à en écrire le titre)? Eh bien, son fils joue dans ce groupe... Vous me direz que vous vous en foutez royalement. Moi aussi, mais ça fait une bonne anecdote! Le groupe nous offre un son punk assez standard qui pourrait être comparé à un tas de groupes américains. Notons seulement que depuis leur fondation en 2003, ils ont fait la première partie de groupes comme Goldfinger, Silverstein, No Use For A Name et The Weakerthans. Leurs mélodies sont très efficaces et quelques pièces réussissent à faire leur place dans notre tête ("The Golden Years", "Eighteen Reasons", "Forever", etc.). Pour les fanatiques de punk moderne qui ne peuvent s'empêcher d'écouter tout ce qui se fait, Still My Queen vous en donnera pour votre argent. Pour les autres, la question est: "Pourquoi acheter ce groupe plutôt que tous les autres qui apparaissent chaque semaine?". La seule réponse est: "Pour encourager les talents québécois." L'album est présentement en vente (au magasin Exo et en ligne) et le groupe prévoit partir en tournée à travers le Canada et les États-Unis. (février 2006)

New Horizon

The Stills, Without Feathers

Suite au succès de l’album Logic Will Break Your Heart et du méga succès "Still In Love Song", les attentes étaient particulièrement grandes par rapport au 2^e album du groupe montréalais The Stills. On peut les comparer à Doves, The Strokes et Interpol, alors que certaines pièces m’ont ramené 30 ans en arrière avec Elton John et David Bowie. L’utilisation abondante de piano et d’orgue Hammond différencie passablement Without Feathers de leur album précédent, le rapprochant peut-être un peu de The Arcade Fire par moments, l’autre groupe montréalais qui fait jaser à travers le monde. L’album ne contient que très peu de chansons ayant un potentiel commercial et vous devrez vraiment mettre un certain effort pour l’apprécier, puisqu’il contient encore plus d’expérimentations que le précédent. Il y a bien les accrocheuses "Helicopters" et "It Takes Time" qui peuvent nous ramener à la base qu’on connaissait du groupe et ainsi, nous déstabiliser un peu moins. Mais sinon, c’est une musique totalement alternative que vous propose le groupe. C’est un très bon album et The Stills demeure un groupe original et un joueur important dans la scène alternative montréalaise, si appréciée à travers le monde. Il faut noter la présence de Emily Haines (Metric, Broken Social Scene) qui vient prêter sa voix à la pièce "Baby Blues". Finalement, sur "Oh Shoplifter", c’est toute une kyrielle d’invités qui viennent jouer et claquer des mains dont Sam Roberts, Melissa Auf Der Maur, Gus Van Go et Broken Social Scene. (juillet 2006)

Vice / Warner

The Strokes, First Impressions Of Earth

3^e album des New Yorkais de The Strokes, First Impressions Of Earth nous présente un changement de son important par rapport aux 2 premiers albums du groupe. Premièrement, exit le son garage qui a fait leur renommée et a carrément lancé une nouvelle vague au début des années 2000. Ici, on peut compter sur une production de grande qualité mettant bien en valeur autant les mélodies que les rythmiques accrocheuses du groupe. Ensuite, la voix de Julian Casablancas n'est désormais plus modifiée et on peut enfin l'apprécier totalement. Les critiques sont partagées depuis la sortie de ce nouvel album et j'avoue avoir eu un peu de difficulté à me forger ma propre opinion depuis quelques semaines. La première impression est grandement favorable, mais les pièces de remplissage viennent gâcher un peu la sauce. C'est que pour la première fois The Strokes nous offrent un album de plus de 35 minutes, soit un gros 52 minutes réparties sur 14 pièces. L'album débute avec "You Only Live Once", qui semble être une reprise de "I Want To Break Free" de Queen dans l'introduction, mais se transforme totalement ensuite pour devenir l'une des meilleures du disque. Quant au premier extrait, "Juicebox", elle est définitivement la meilleure de l'album avec une rythmique unique et inoubliable. Même si elle n'a rien à voir avec ce qu'on connaît du groupe, on l'adopte instantanément comme une pièce qui représente l'évolution du groupe. "Heart In A Cage" et la ballade "Razorblade" sont intéressantes, mais par la suite on est un peu plus partagés. Sur "Ask Me Anything" par exemple, on a l'impression d'écouter Rufus Wainwright nous dire qu'il n'a rien à nous dire ("I Have Nothing To Say" est répété en boucle par Casablancas). En fait, j'ai réalisé qu'il y a 2 façons bien distinctes d'écouter l'album. Si on l'écoute sans trop se poser de questions, on découvre un bon album qui s'écoute bien du début à la fin et que je préfère même à Room On Fire, leur précédent de lequel je n'avais pas retenu grand-chose. Si on l'écoute un peu plus attentivement, on y trouve des défauts, quelques comparaisons agaçantes qui peuvent s'apparenter à du plagiat et quelques pièces un peu plus ennuyantes ("15 minutes" est intolérable). C'est un bon album, mais il ne passera pas à l'histoire et ne s'approche certainement pas de la qualité de Is This It, leur premier album qui a chambardé le monde de la musique en 2001. Veuillez noter que vous pouvez aussi vous procurer l'album dans une version de luxe, mais ça n'en vaut pas le coût puisque vous n'aurez qu'une pochette un peu plus créative pour vos dollars additionnels, rien de bien impressionnant. (critique principale de mars 2006)

Tomi Swick, Stalled Out In The Doorway

Tomi Swick est né à Hamilton en Ontario et s'est initié très jeune à la musique. Il a commencé à réaliser que c'était possible de faire une carrière en musique alors qu'il jouait dans un groupe local à l'âge de 19 ans. Faute de pouvoir obtenir un contrat de disque, il a quitté le groupe pour se lancer en solo. Il nous présente donc ici son tout premier album, Stalled Out In The Doorway. Il nous propose un son folk rock aux influences britanniques à la Radiohead, un groupe qu'il dit adorer surtout avec leur album The Bends. On peut aussi le comparer à Jeff Buckley, Ron Sexsmith et James Taylor. Il possède une très belle voix remplie d'émotion qui n'a rien à envier aux plus grands chanteurs de sa génération. Il porte une attention particulière aux textes et un de ses sujets récurrents est l'honnêteté. Ses chansons, souvent introspectives, possèdent de bonnes mélodies qui peuvent être attirantes pour les radios commerciales. On retrouve tout de même un peu de rock par-ci par-là ("Habits", etc.) et quelques pièces qui viennent prouver sa grande admiration pour Radiohead ("Come in 2s", la chanson-titre, etc.). Vous connaissez peut-être déjà "A Night Like This" qui était parue sur la compilation From The Heart parue en janvier dernier sur laquelle il était entouré de Josh Groban, Michael Bublé, James Blunt, Simple Plan, Collective Soul, Blue Rodeo et plusieurs autres. Vous pouvez présentement visionner le vidéoclip de l'excellente "Everything Is Alright", le plus récent extrait de cet album. Stalled Out In The Doorway constitue un premier album solide pour ce nouveau chanteur au talent plus que prometteur. Il y a bien quelques pièces que j'ai moins aimées, qui m'ont plutôt ennuyé, mais là c'est purement une question de goût personnel. Si vous aimez le folk rock de qualité, bien écrit et bien composé, Tomi Swick est un nom à retenir. (découverte du mois de septembre 2006)

Warner

½

Third Eye Blind, A Collection

Time Again, The Stories Are True

Voici un vrai groupe punk comme il s’en fait de moins en moins de nos jours. Ce nouveau groupe californien nous propose son premier album de 13 pièces qui franchit à peine la barre des 28 minutes. On peut les comparer à The Unseen et Pennywise, avec quelques éléments de The Clash. Mais, c’est vraiment Rancid qui nous vient en tête, un peu trop d’ailleurs. Même le chanteur Daniel Dart chante comme Tim Armstrong et on peut s’en rendre compte sur la chanson-titre alors qu’Armstrong vient accompagner Dart et qu’on peut difficilement les différencier. On dirait carrément que Time Again est le petit frère qui copie son grand frère, son idole, parce qu’il a l’air tellement cool… Malgré ce parallèle gênant par moments, on retrouve de bien bonnes pièces punks qui nous frappent en plein visage. L’album débute dans un feu roulant avec "Junkies" et "Say Again", avant de ralentir quelque peu le rythme sur "Broken Bodies" et la décevante chanson-titre, bien différente des autres, mais une des moins bonnes de l’album. Par la suite, ce sera l’accélérateur au tapis qu’on passera à travers les 8 autres pièces de l’album jusqu’à la pièce ska "Streetwalker" qui conclut l’album, une des meilleures. Toutes les pièces sont énergiques, mais ne nous restent pas bien longtemps en tête. Pour les thèmes abordés, reprenez les sujets que nous ont présentés The Clash au cours de leur carrière et vous aurez une bonne idée de ce qui les inspire (société pourrie, vive l’anarchie, enfance difficile dans la criminalité et la drogue, etc.). C’est un album efficace pour se divertir, mais qu’il ne faut pas écouter trop attentivement et avec trop d’attentes. (découverte du mois de juillet 2006)

Hellcat / Epitaph

Tool, 10,000 Days

Après une pause de 5 ans remplie de projets parallèles, dont A Perfect Circle, Tool est de retour avec son métal progressif expérimental de qualité. 10,000 Days est le 4^e album du groupe depuis 1993 et les fans de la première heure ne devraient pas être trop déboussolés par ce nouvel album. On retrouve en effet les mêmes éléments caractéristiques du groupe, soit la guitare et la basse lourdes, des rythmes particuliers, une atmosphère plutôt sombre et une créativité sans cesse renouvelée. Encore une fois, ne perdez pas votre temps à chercher la pièce à succès, car il n'y en aura pas. Tool nous offre plutôt des albums complets en soit dont aucune pièce ne ressort véritablement. Avec 10,000 Days, le groupe réussit à nouveau à transgresser les modes en nous proposant un produit plutôt difficile d'approche, mais qui mérite quelques écoutes attentives pour bien en découvrir toutes les subtilités. Le groupe réussit admirablement à aller puiser dans les origines mêmes du métal avec quelques éléments de Black Sabbath et de Blue Öyster Cult dans cette musique qui est pourtant bien de son époque. Là où le groupe va un peu plus loin que sur ses albums précédents, c'est au niveau des thèmes abordés. On sent un peu moins de colère et un peu plus d'introspection dans les textes de Maynard James Keenan. Il rend même hommage à sa mère décédée sur la pièce en 2 parties "Wings For Marie / 10,000 Days" qui totalise 17 minutes. Il y a bien "Vicarious" dans laquelle Keenan nous présente à nouveau ses frustrations alors qu'il émet un commentaire sur la télé-réalité, le bombardement d'information qu'on nous envoie et le fait que tout le monde semble maintenant vivre sa vie à travers les expériences des autres. Malgré des pièces qui dépassent souvent les 6 minutes, 10,000 Days nous offre une expérience musicale non seulement intéressante, mais extrêmement enrichissante. Lorsque les 76 minutes se terminent, on se dit même que Tool vient combler un trou important dans l'industrie musicale. Il y a beau avoir des groupes comme The Mars Volta et Coheed and Cambria qui nous offrent des albums solides, Tool occupe une place à part dans le métal progressif. On pourrait peut-être dire qu'ils sont le penchant introspectif de System Of A Down. Comme Tool ne fait jamais les choses à moitié, l'album nous est offert dans un magnifique boîtier avec lunettes 3D qui nous permettent d'apprécier la quantité d'oeuvres visuelles créatives qu'on y trouve. Ce nouvel album de Tool risque fort d'être l'album métal de 2006. (critique principale de juin 2006)

Vincent Vallières, Le repère tranquille

Chacun dans son espace a permis à Vincent Vallières de se faire connaître du grand public en 2003-2004 et de partir en tournée pour 150 spectacles. Il nous revient donc maintenant avec un 4^e album très attendu, Le repère tranquille. Alors que sur Chacun dans son espace Vincent donnait parfois un ton pop rock à ses chansons folk rock, on peut dire qu'il revient ici à ses racines folks aux influences de Bob Dylan et de Tom Petty. Les arrangements sont simples mais efficaces et ils mettent toujours à l'avant-plan la voix de Vincent et sa guitare acoustique. Il a réalisé l'album lui-même en compagnie de son fidèle collaborateur, Éric Goulet, et les deux acolytes ont aussi effectué les arrangements avec David Laflèche. Le premier extrait, "Je pars à pied", donne un bon aperçu du style général qu'on retrouve sur le disque, tandis que "Café Lézard", un succès assuré, fait le pont avec son album précédent. Quant à "La toune à Gasse", elle fait partie de ces chansons qui nous restent en tête, même si on en retrouve un peu moins sur cet album qui peut moins être considéré comme un disque de route que le précédent. Quelques pièces particulièrement douces comme la chanson-titre m'ont un peu moins intéressé, mais il s'agit essentiellement d'une question de goût. On peut quand même encore entendre un peu de rock avec "Tôt ou tard" et un peu de country avec "Le bord de l'eau", 2 pièces avec beaucoup d'énergie. Même s'il est très différent de son album précédent, je considère Le repère tranquille comme un album dont la qualité s'y compare avantageusement. Vallières possède une écriture unique, une écriture qui se différencie de tout ce qu'on peut entendre au Québec. C'est donc un artiste totalement original qui demeure dans une classe à part. (octobre 2006)

BYC

½

Vanna, The Search Party Never Came

Vanna est un jeune quintet de Boston qui nous présente ici son premier enregistrement, un mini-album de 6 titres et 22 minutes. On peut les comparer à Norma Jean et Underoath dans le genre post hardcore, mais leurs influences sont plutôt variées. Dès le début de "A Dead Language For A Dying Lady", j'ai cru entendre Coheed and Cambria, même si par la suite le groupe s'en différencie passablement. Vanna se distingue par un passage habile de la mélodie aux cris viscéraux. Le groupe y va parfois de rythmes saccadés et irréguliers qui ne vous permettront pas trop de taper du pied, surtout sur "That Champagne Feeling". Si vous aimez le mélange de métal et de punk hardcore, Vanna vous plaira sûrement et vous pouvez vous procurer ce mini-album en attendant un premier album complet. (septembre 2006)

Epitaph

Versus The Mirror, Home

Versus The Mirror est formé de jeunes du début de la vingtaine de Tucson en Arizona. Ils nous proposent un son post-hardcore où la guitare naturelle sans distorsion vient contraster avec la voix de David Siebold, un jeune chanteur-crieur de 19 ans seulement. Musicalement, le groupe crée une fusion parfaite entre la nouvelle génération et un son un peu plus vieillot, grâce à l'utilisation de vieux équipements, plutôt que de tout retravailler à l'ordinateur. Le groupe, qui pratique énormément, a voulu recréer sur Home le son du direct, sans retouches artificielles. Le résultat est concluant et j'ai bien aimé la créativité musicale du groupe. En fait, le seul point qui m'a embêté est la voix criarde du chanteur qui ne semble pas appropriée à cette musique d'une certaine profondeur. Il y a peut-être aussi le fait que je ne suis plus capable d'écouter ce type de voix, mais là c'est mon opinion personnelle. C'est qu'il me semble que le contraste entre la musique et la voix, qui peut être parfois intéressant, est plus souvent incompatible. Il s'agit tout de même d'un premier album réussi pour ce groupe dont le talent est déjà bien présent et devrait se développer dans le futur. (découverte du mois de juin 2006)

Equal Vision

Vulgaires Machins, Compter les corps

Voici enfin le très attendu nouvel album du groupe québécois Vulgaires Machins, 4 ans après Aimer le mal. Il y a déjà plus de 10 ans que le quatuor de Granby sillonne le Québec avec son punk énergique. On peut les classer comme un groupe de pop punk social alors qu'ils ne se gênent absolument pas pour dénoncer les côtés les plus sombres de notre société. C'est le cas pour les 16 textes présentés ici, même dans l'intro! Ces textes sont encore une fois présentés sur une musique énergique à souhait mise en évidence par la réalisation solide de Gus van Go qui a travaillé entre autres avec The Stills et Priestess. Ils ouvrent également leurs horizons musicaux sur des rythmes différents comme "Je m'appelle Guillaume", "Dans le vide" et "Lithium" qui ont un rythme beaucoup plus lent que ce à quoi ils nous ont habitués. Les mélodies sont d'une grande efficacité, avec de belles harmonies vocales de Guillaume Beauregard et Marie-Eve Roy. Musicalement, il y a bien quelques pièces qui m'ont laissé quelque peu sur mon appétit au point de vue de la créativité, mais les textes sont toujours intéressants et on ne peut les ignorer, même pour quelqu'un comme moi qui ne porte que très peu attention aux textes habituellement, la musique étant toujours mon point d'intérêt. Si vous avez entendu leur succès "Puits sans fond", vous l'avez probablement encore en tête. D'autres pièces sont tout aussi excellentes comme "Légaliser l'héroïne" (ma préférée), "La télé me regarde", "Arrachez-moi les yeux" et la chanson-titre. C'est un album de qualité que nous offre Vulgaires Machins, possiblement le meilleur parmi leurs 5 albums à ce jour. (septembre 2006)

Indica

½

Tom Waits, Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards (3 CD)

Westbound Train, Transitions

Westbound Train est un groupe de Boston qui nous offre ici son 3^e album, le 1^er sur Hellcat Records. Ils jouent un mélange de ska et de reggae fortement influencé du reggae jamaïcain des années 60. On peut aussi y entendre des éléments de jazz (surtout grâce à l'utilisation des cuivres), de rock, de soul, de R&B, de funk et de Motown. Dès l'écoute de la pièce "Please Forgive Me", on se retrouve presque déjà convaincu que ce sera un bon album tellement elle est entraînante et inoubliable. Ce ne sont évidemment pas toutes les pièces qui possèdent un tel potentiel commercial, sauf que les faiblesses sont rares et que l'album s'écoute merveilleusement bien du début à la fin. Rythmes efficaces et mélodies remarquables représentent une recette gagnante sur cet album qui pourrait très bien s'adresser à un large public. Il ne connaîtra malheureusement probablement pas le succès qu'il mérite parce que son style est en dehors des modes actuelles. Mais, si vous aimez la musique créative et énergique, Westbound Train représente un investissement judicieux. (novembre 2006)

Hellcat / Epitaph

½

The Who, Endless Wire

un texte de Jean Jean (Rocklegends)

C’est un événement… et c’est peu dire. C’est même assez terrifiant de s’attaquer à la chronique d’un disque qui a une histoire, ou surtout à un disque nouveau de l’un des plus grands groupes de rock de tous les temps. Le premier album studio des Who depuis 25 longues années. En 1982 le groupe se sépare, et ne se retrouvera assez régulièrement qu’à partir de la fin des années 80. Keith Moon est mort depuis longtemps déjà… Puis c’est Entwistle, bassiste historique des anglais, qui rend l’âme avant la tournée américaine de 2002. Mais les Who tiennent encore debout, et les prestations live de Townshend et Daltrey tiennent encore grandement la route, et les puissantes versions des hits comme "Won’t Get Fooled Again" résonnent encore des soirs de Live 8… Townshend retrouve peu à peu la verve et la plume pour composer de nouveaux titres, pour un nouvel album… qui fait peur. Difficile de rester objectif, et tout en essayant d’occulter le lourd passif du groupe, pour rester objectif, on ne peut définitivement pas s’en détacher. Derrière cette pochette hideuse (le graphique ne fait pas la musique), c’est bel et bien la galette qui nous intéresse. Endless Wire est composé d’une partie album traditionnelle, et d’un mini opéra, Wire & Glass, sorti durant l’été chez les English. C'est surtout effrayant de devoir ouvrir le boîtier pour récupérer le disque, pas n'importe quel disque, et pas n'importe quel groupe... Ce sont bien les créateurs de Tommy, My Generation et Who's Next... rien que ça! Le disque démarre sur un écho proche de "Baba O’ Riley"… mais la comparaison s’arrête là. Globalement, la section rythmique est loin d’être celle du duo Entwistle/Moon. Plus ennuyeux encore, on ne retrouve pas les coups de riffs et accords tranchants de Pete Townshend et la voix de Daltrey est… particulière. On dirait que le chanteur s’essouffle et a du mal à suivre. Par contre, "A Man In A Purple Dress" est une franche réussite. Entièrement joué en acoustique, la voix de Daltrey ressort mieux, avec plus d'émotion et moins de souffrance apparente. Et, finalement, tout au long de l'album, ce sont ces titres acoustiques qui sont les plus réussis, avec "Two Thousand Years" par exemple. Townshend, lui aussi, tente l'exercice du chant avec une voix plus bluesy, mais pas très convaincante... On attend toujours l'explosion, la puissance, la marque de fabrique des Who, mais elle ne viendra pas réellement. C'est vrai que "It's Not Enough" est un bon titre, plus pêchu, réussi, mais pas incontournable, et l'album finira par laisser un petit goût amer, de « peut mieux faire », c'est sûr. Wire & Glass démarre, pour un mini opéra d'un peu plus de dix minutes. On ressent là un peu plus de « grandiose », avec une rythmique de batterie, plus fournie, plus lourde, un peu plus proche de celle de Keith Moon. Mais le soufflet retombera parce que même si certains passages sont assez réussis, dans sa globalité, ça manque d'émotion. Difficile donc de tenir la comparaison avec Tommy... Endless Wire est un album qui souffre forcément du passé légendaire du groupe, et de son principal compositeur de génie. Clairement dit, impossible d'être objectif quand on connaît tout le reste de l'oeuvre des Who. Cela dit, c'est loin d'être un raté inécoutable, mais je ne crois pas que, même avec le temps, il devienne incontournable. (janvier 2007)

Amy Winehouse, Back To Black

Wolfmother, Wolfmother

un texte de Jean Jean (Rocklegends)

Chaque année, on cherche ce que l'on appelle « les nouvelles sensations de la scène rock »... Nom à la con! Et bien, pour reprendre l'expression, si on devait en trouver au moins une parmi d'autres, cette année, ça serait sûrement Wolfmother. Trio australien créé en 2000, les influences des trois garçons sont flagrantes, et les intentions musicales sont tout de suite appuyées. Ces trois gamins sont shootés aux premières gloires du hard rock, de Led Zeppelin à Black Sabbath. Wolmother, ça sonne fort et très lourd. Ce qui fait penser à Led Zep, c'est un peu ce son, pas horriblement saturé, mais quand même très lourd et pesant. Le batteur matraque ses fûts, le guitariste plaque des accords de plomb, le tout chanté avec une voix très puissante parfois très aigue. 13 titres sur ce premier album, 13 compositions du groupe! Et pourtant, ils ont du mal à faire dans l'originalité... Ce n'est pas grave en soit, parce que ce qu'ils font, ils le font bien. Mais quand même, ils seraient arrivés quelques années avant, le résultat aurait été sacrément différent. A vouloir faire du nouveau avec de l'ancien, et y apporter un peu de sang neuf, Wolfmother a trop tendance à se rapprocher du son White Stripes, la patte de Jack White en moins... Mais les Wolfmother dégagent une énergie débordante dès le premier morceau, "Dimension", son riff d’intro et sa montée en puissance à chaque refrain. "White Unicorn", lui aussi, est un titre plutôt bien foutu, avec une influence indéniable dans le chant et les sons de guitares de Jack White. Parmi leurs réussites également, "Where Eagles Have Been", "Joker & The Thief" et sa rythmique de malade ou "Mind’s Eye", une ballade crépusculaire avec de superbes incursions de claviers. En définitive, ce premier disque des australiens est assez réjouissant, bien réalisé, avec des qualités au chant et dans les compos qu’il ne faut surtout pas négliger. Dans un autre contexte, il aurait sûrement mérité meilleure sanction. (décembre 2006)

½

Thom Yorke, The Eraser

Ce premier album solo par Thom Yorke n'est pas très éloigné de certains albums de son groupe, Radiohead. Très atmosphérique et essentiellement électronique, il n'est pas sans nous rappeler les expérimentations de Kid A avec des éléments comparables à Ok Computer. La principale différence avec ce dernier, c'est l'uniformité de The Eraser et le manque d'énergie qu'on y retrouve. Ce n'est assurément pas un album pour vous donner un "boost" d'énergie si vous vous sentez amorphe. Il s'agit plutôt d'un album extrêmement relaxant qu'on pourrait comparer en partie à Björk. Cette uniformité peut être lassante au départ, surtout lorsqu'on arrive dans la deuxième moitié du disque, mais après plusieurs écoutes les différences entre chaque pièce nous semblent plus évidentes et plus intéressantes. C'est tout de même une version dénudée de ce que nous propose habituellement Radiohead, et on ne fait qu'espérer un nouvel album du groupe prochainement en écoutant ce projet solo. Même si Yorke travaille ici sans les autres membres du groupe, il peut tout de même compter sur la présence du réalisateur Nigel Godrich, un collaborateur de longue date de Radiohead, qui fait les arrangements en plus de jouer quelques instruments additionnels. (février 2007)

½

YouInSeries, Outside We Are Fine

Neil Young, Living With War: Raw (édition spéciale CD + DVD)

Neil Young & Crazy Horse, Live At The Fillmore East

Yusuf, An Other Cup

Compilations:

Bon cop, bad cop (musique originale)

Depuis sa sortie dans les salles de cinéma le 4 août, le film Bon cop, bad cop, écrit par Patrick Huard, bat tous les records au guichet. Il faut donc prévoir un grand succès pour la bande originale que je vous présente ici. La chanson-thème, "Tattoo", est d’Éric Lapointe et est une de ses pièces les plus lourdes à ce jour, puisqu’il a avoué avoir laissé de côté les standards radiophoniques pour son écriture. Sans être renversante, elle est efficace. Par la suite, on retrouve une excellente pièce de Jakalope ("Upside Down"), que je ne connaissais pas et qui m’a agréablement surpris. Sam Roberts nous présente une chanson en français, "Embrace-moi", et on retrouve des pièces de Mentake et Mobile. Du heavy metal d’Éric Lapointe, on passe à la douceur folk de Florent Vollant et jazz de Bet.e and Stef. Mais, que voulez-vous? Une bande originale de film a généralement cet inconvénient d’aller dans un peu toutes les directions. On va même jusqu’au yé-yé des années 60 avec une pièce de la chanteuse Dany Aubé. Les chansons francophones et anglophones se côtoient avant de conclure le disque avec une version instrumentale de "Tattoo". Malgré les nombreux changements de directions et de styles, plusieurs excellentes pièces par de très bons artistes nous sont offertes sur cette compilation qui a tout pour battre des records de ventes pour une bande originale de film. Il s’agit d’un bien bon disque dans le genre "touche à tout", qui fera en sorte que vous y trouverez votre compte à un moment ou à un autre, mais difficilement d’un bout à l’autre. (septembre 2006)

Diffusion YFB

Fiori: Un musicien parmi tant d'autres

Give 'Em The Boot V

Pour une 5^e fois, l'étiquette punk Hellcat Records nous présente sa compilation de ses meilleurs artistes. On y trouve 18 pièces en tout dont plusieurs tirées d'albums récents de ces artistes. Il y a entre autres parmi les plus intéressantes des pièces de Dropkick Murphys, Time Again, Tiger Army, The Slackers, The Aggrolites, HorrorPops, Lars Frederiksen and The Bastards et Nekromantix. Mais, selon moi, ce qui rend cette compilation vraiment intéressante, ce sont les pièces inédites qu'on y présente. On trouve une nouvelle pièce de Rancid, une pièce du prochain album de Left Alone (assez décevante comparativement aux compositions de leur précédent album qui était excellent), ainsi que des titres inédits de The Unseen (une de mes préférées), Roger Miret and The Disasters et Orange. Il y a aussi un certain nombre de groupes que je découvre, ce qui est toujours plaisant : The Heart Attacks, Mercy Killers, Westbound Train, Static Thought et Los Difuntos. C'est une compilation parfaite pour les amateurs de la musique de chez Hellcat Records, ainsi que pour ceux qui voudraient découvrir des groupes talentueux dans le genre punk rock et ses dérivés. (juillet 2006)

Hellcat / Epitaph

½

Revolution Rock: Joe Strummer Memorial Night at Klubi, Tampere Finland (2006)

Rogue's Gallery: Pirate Ballads, Sea Songs, & Chanteys (2 CD)

Dans la foulée du film Pirates des Caraïbes II (Pirates of the Caribbean II), l'idée de cet album est née dans la tête du réalisateur du film, Gore Verbinski, et ses amis Johnny Depp et Brett Gurewitz (de Bad Religion, mais aussi propriétaire des étiquettes Anti et Epitaph). L'idée était de fouiller à la recherche de pièces anciennes chantées sur les mers du monde et de les reprendre avec des artistes contemporains de tout acabit. Le résultat est cet album double de 43 titres, un album de pièces folk qui en séduira plus d'un. On y retrouve des interprètes de grande envergure, ainsi que des chanteurs folk un peu moins connus du grand public. Parmi les noms plus connus, mentionnons Bono, Sting, Lou Reed, Nick Cave, Bryan Ferry, Lucinda Williams, Jack Shit, Andrea Corr, Jolie Holland, Loudon Wainwright III (le père de Rufus et Martha), ainsi qu'un duo de Rufus Wainwright avec sa mère Kate McGarrigle. Je dois dire que j'étais un peu réticent au départ à l'écoute d'un album double de chansons folks pas trop connues, mais la surprise a été plutôt agréable. C'est que ce sont pour la plupart des chansons à la mélodie inoubliable, des chansons qui nous restent inévitablement en tête. C'est certain qu'il ne faut pas être trop réfractaire à la musique ancienne ainsi qu'aux instruments traditionnels, mais il est plutôt facile de se laisser accrocher par cette musique douce mais entraînante à la fois. Malgré quelques pièces un peu moins impressionnantes, c'est un album que vous adorerez comme musique de fond. (octobre 2006)

Anti- / Epitaph

Salut Joe!

Unsound (CD + DVD)