La chanteuse britannique est de retour avec son troisième album, après s’être mariée et avoir fondé une famille. Pourtant ses chansons traitent toujours d’amours compliqués, comme si elle ne pouvait s’inspirer de son récent bonheur. 25, qui marque son passage de la mi-vingtaine, présente 11 chansons, surtout des ballades déchirantes. L’ensemble demeure tout de même basé sur sa voix puissante, à l’image du succès « Hello » qui nous berce avant de nous réveiller avec un refrain de grande envergure. C’est dans ces moments que la chanteuse brille véritablement, mais il n’y en a malheureusement peu qui créent un tel effet. L’exception serait probablement « When We Were Young », un hymne parfait pour les nouveaux mariés. Le principal défaut de 25, malgré sa production impeccable, est certainement qu’il ne propose que très peu d’évolution par rapport à 21. Il faudra regarder un peu plus vers l’avant la prochaine fois. (chronique principale de janvier 2016)

Vidéoclip : « Hello »

Âgée de seulement 19 ans, Alessia Caracciolo présente son tout premier album complet, suite au succès de « Here » et du mini-album Four Pink Walls. On retrouve d’ailleurs ce mini-album dans la première moitié du CD. La jeune femme de Brampton en Ontario propose une musique pop à forte tendance R&B. Ses compositions font preuve d’une grande maturité pour son âge et ses observations sont justes. Même si Alessia s’est fait aider à l’écriture, on sent qu’avec tout le talent qu’elle possède elle pourra rapidement tout écrire seule. Voici donc une artiste à surveiller de près au cours des prochaines années. Le court album de 10 pièces et 35 minutes ajoute trois titres dans sa version de luxe pour un total de 47 minutes. (découverte du mois de janvier 2016)

Vidéoclip : « Here »

À peine un an et demi après Ghost Stories, le quatuor britannique est de retour avec un nouvel album. Beaucoup plus lumineux que le précédent, A Head Full of Dreams nous ramène dans une atmosphère qui respire le bonheur, avec une touche d’électro dansante. Il s’agit certainement d’une bonne bouffée d’air frais, par contre les compositions ne sont peut-être pas à la hauteur. Certaines sentent en effet le réchauffé, avec en plus ces parallèles beaucoup trop faciles à faire avec U2, entre autres au niveau des guitares qui rappellent souvent The Edge. Bon, ce n’est pas la première fois que cette comparaison s’impose, mais quand les compositions manquent en plus d’originalité, ça devient plutôt gênant. Les chansons joyeuses bénéficient en certaines occasions de rythmes disco et d’arrangements électroniques. On peut aussi entendre des collaborateurs de renom comme Beyoncé, Tove Lo et Noel Gallagher qui viennent ajouter une touche de renouveau au quatuor qui semble parfois tourner en rond. Beyoncé par exemple est particulièrement efficace pour nous faire apprécier « Hymn For the Weekend ». Les autres chansons incontournables du disque sont sans contredit la chanson-titre qui nous arrive dès la pièce d’ouverture et le premier extrait, « Adventure of a Lifetime ». Pour le reste, peu d’éléments intéressants réussissent à capter notre attention. (janvier 2016)

Vidéoclip : « Adventure of a Lifetime »

Sur son troisième album, l’ex-participant à Star Académie explore quelques nouvelles sonorités. L’ensemble demeure toujours essentiellement folk pop, dominé par la guitare acoustique et la voix douce du chanteur. Par contre, William ajoute des claviers, de l’orgue B3 et même du violoncelle, puis il présente quelques pièces franchement folks. Il ajoute aussi une teinte blues très agréable à la pièce d’ouverture, « Une moto dans la peau ». Avec Le courant passe, DesLauriers présente qui il est vraiment musicalement. (janvier 2016)

La chanteuse irlandaise présente un premier album en 7 ans avec Dark Sky Island. Son huitième album en carrière compte plusieurs moments forts de pop celtique avec des éléments d’inspiration classique. En fait, on y retrouve peut-être le meilleur assemblage de chansons depuis ses albums à succès d’il y a 25 ans et plus. Par exemple, dès la pièce d’ouverture, « The Humming », on sait que l’on a affaire à un classique du genre. Dark Sky Island marque le retour du Loxian, un langage inventé par l’auteure Roma Ryan pour l’album Amarantine en 2005. Il est utilisé ici dans « The Forge of the Angels » et dans l’excellente « The Loxian Gate ». Même si ce nouvel album emprunte des éléments qui ont fait son succès dans le passé, il est résolument tourné vers l’avenir tout en bénéficiant de toute l’expérience d’Enya. Un très bon disque! (janvier 2016)

Vidéoclip : « So I Could Find My Way »

Pour son nouvel album, la chanteuse belgo-canadienne d’origine italienne a collaboré avec Élodie Hesme pour les textes et David Gategno pour la musique. Gategno assure aussi la réalisation de l’album qui présente une musique pop adulte de grande envergure avec des arrangements de cordes et orchestrations. On reconnaîtra aisément le style de Lara, mais elle présente plus que jamais des textes remplis d’espoir et de joie de vivre. On retrouve toujours bien évidemment une poignée de chansons chargées d’émotion, marque de commerce de l’artiste depuis ses débuts il y a 25 ans. L’ensemble de 11 titres devrait plaire aux amateurs du genre et de Lara Fabian. (janvier 2016)

Vidéoclips : « Quand je ne chante pas » - « Ma vie dans la tienne »

Le chanteur / rappeur présente son premier album solo en cinq ans, si on exclut son disque de Noël lancé en 2012. Heart Blanche est un album aux rythmes efficaces, rempli de positivisme. On y trouve aussi une bonne dose de nostalgie, avec de nombreuses références au passé. À l’ouverture du CD, Green nous laisse quelque peu indifférent avec une intro inutile et un pastiche des années 1980 avec « Est. 1980s ». Il faut attendre l’excellente « Mother May I » pour véritablement adhérer à l’album qui présente par la suite plusieurs morceaux plaisants (« Tonight », « Sign of the Times », « Music to My Soul », etc.). Il rend hommage à Robin Williams et autres comédiens disparus dans la pièce simplement intitulée « Robin Williams ». Un peu de remplissage dans les dernières pistes fait en sorte que Heart Blanche ne passera certainement pas à l’histoire, mais CeeLo Green offre tout de même quelques très bonnes chansons, dignes de son vaste talent. (janvier 2016)

Vidéoclip : « Music to My Soul »

De l’amour n’est rien de moins que le 50e album studio en carrière pour Johnny Hallyday. Réalisé et composé par Yodelice, l’album contient 10 chansons dont plusieurs reviennent aux racines américaines du blues, du country et du rockabilly. Les guitares et l’harmonica donnent une bonne dose de nostalgie aux musiques d’Hallyday. Il n’y a que les textes autour du thème incontournable de l’amour qui semblent souvent présenter une dissonance évidente avec la musique, et ce dès la chanson-titre avec son refrain trop facile. Dommage parce que musicalement, Johnny Hallyday n’a pas sonné aussi bien depuis longtemps. (janvier 2016)

JoeyStarr fait partie des rappeurs français les plus facilement reconnaissables. Malgré une carrière remarquable au cinéma, il n’a pas abandonné la musique, et le voici donc de retour en compagnie de Nathy Boss. Ce sont deux styles et deux générations qui s’affrontent sur Caribbean Dandee, un disque hip hop passablement varié intégrant plusieurs doses intéressantes de reggae. On y retrouve aussi des éléments d’électronique. En bout de ligne, c’est un album créatif difficile à qualifier que nous offrent JoeyStarr et Nathy, un très bon enregistrement de hip hop qui va bien au-delà des frontières du genre. (janvier 2016)

La chanteuse et mannequin originaire du Mali maintenant établie à Paris nous arrive avec un nouvel album fortement influencé par la terreur djihadiste qui s’abat sur son pays d’origine. En effet, l’invasion de Tombouctou et la dernière prise d’otages à Bamako par une filiation d’Al-Qaïda font en sorte que Motel Bamako ne respire plus autant la joie de vivre que son précédent disque, Love Revolution. On est bien loin de la chansonnette pop comme « French Cancan » qui lui a permis d’obtenir un vaste succès. C’est plutôt une musique soul sombre que nous offre ici Inna Modja, une musique qui ne perd par contre rien de son originalité, alors qu’elle y intègre diverses influences (hip hop, rock, boucles électroniques et rythmes africains). Elle s’entoure de collaborateurs judicieusement choisis pour trois duos : Oxmo Puccino, Oumou Sangaré et Baloji. C’est un excellent disque que présente Inna Modja avec Motel Bamako, un disque important pour faire prendre conscience de la situation de terreur qui règne au Mali. (janvier 2016)

Vidéoclip : « Tombouctou »

La jeune chanteuse pop d’Edmonton en Alberta est de retour avec un troisième album. Ce qui surprend dès le début de Phoenix, c’est l’abus de ballades au piano. Même si elles permettent de bien mettre en évidence la voix puissante d’Alyssa, elles nous font vite espérer un véritable démarrage, qui ne viendra jamais. En plus, ce sont des ballades lourdes et sombres que nous offre Alyssa Reid, que l’on peut maintenant assurément surnommer l’Adele canadienne. L’album de 10 pièces et 36 minutes peut à peine être considéré comme un album complet si on considère que les deux derniers titres sont les versions radio de « Tomorrow » et « Dangerous » présentées précédemment. Phoenix devrait donc plutôt être considéré comme un mini-album augmenté. Mais puisque les ballades deviennent rapidement lassantes, considérons que c’est bien suffisant pour cette fois. Espérons seulement qu’Alyssa retrouvera sa joie de vivre pour le prochain album, question de nous redonner le sourire. (janvier 2016)

Vidéoclip : « Dangerous »

Il aura fallu attendre leur 11e album pour que le groupe de Québec présente un album éponyme. Avec ce nouveau disque, le quatuor rock prouve qu’il n’a rien perdu de sa fougue, toujours un peu adolescente. Réalisé par leur ami Gordie Johnson (Big Sugar), l’album d’à peine 33 minutes contient 10 pièces originales plutôt variées. Leur son rock intègre en effet des moments de pop, de reggae et de funk. Les trois premiers extraits (« Cette fille », « As-tu assez d’amour pour en donner? » et « Bleu ») ont déjà connu un immense succès dans les radios, et plusieurs autres pièces possèdent autant de potentiel. Sans briller par son originalité, le nouvel album des Respectables contient suffisamment de moments intéressants pour satisfaire leurs fans. (janvier 2016)

Après l’album de reprises Soul 2 paru en 2012, le chanteur britannique revient avec un disque de chansons originales. Sur 7, Seal présente un vaste éventail de styles de soul, allant de ballades langoureuses à des pièces pop un peu plus dansantes. Les meilleurs moments incluent « Life on the Dancefloor » et « Do You Ever », mais surtout, la puissante « Padded Cell », assurément le moment fort de ce CD de près de 50 minutes. Pour le reste, il ne renverse aucune barrière et ne devrait pas trop s’attirer de nouveaux fans. Par contre, ses admiratrices de longue date ne seront pas trop déboussolées. Un album honnête, sans plus. (janvier 2016)

Sur son cinquième album, le groupe vocal américain présente surtout des succès pop contemporains, tout en conservant quelques classiques du passé. On peut entendre entre autres les hits « Can’t Feel My Face » de The Weeknd, « Marvin Gaye » de Charlie Puth, « All About That Bass (No Tenors) » de Meghan Trainor et « Take Me to Church » de Hozier, sans oublier « Beggin’/Counting Stars », « Red » et « Shup Up and Dance ». Parmi les classiques d’une autre époque, notons « (Sittin’ On) The Dock of the Bay/Proud Mary », « Make You Feel My Love » de Bob Dylan et la surprenante « Creep » de Radiohead. L’album de 13 titres se termine agréablement avec un medley de presque 6 minutes de musiques de films, incluant James Bond. Les interprétations a capella de Straight No Chaser démontrent à nouveau tout leur talent vocal. Elles permettent de redécouvrir des chansons que l’on a souvent entendues, et même d’en apprécier la qualité mélodique. (janvier 2016)

Le moins que l’on puisse dire, c’est que le parcourt du jeune chanteur canadien Justin Bieber est plutôt atypique. Âgé de seulement 21 ans, on a déjà l’impression qu’il a vécu toutes les étapes, les hauts et les bas, de la carrière de chanteur. De la Bieber Mania à ses innombrables frasques, il a fait autant parler de lui pour sa vie privée que pour sa carrière musicale. Le jeune homme possède un talent indéniable, mais l’utiliser à bon escient ne semble pas toujours facile pour lui. Purpose nous arrive alors que trois de ses chansons ont déjà flirté avec le sommet des palmarès : « Where Are Ü Now » (avec Diplo et Skrillex), « What Do You Mean? » et « Sorry ». On peut donc croire que le succès de l’album est assuré. Par contre, Bieber nous propose un album plutôt inégal où les ballades romantiques souvent ennuyantes semblent dominer les pièces R&B efficaces. Il peut compter sur plusieurs artistes invités comme Big Sean, Travis Scott et Halsey, mais ce n’est pas suffisant pour ramener un peu d’énergie à l’album qui manque grandement de stéroïdes. Si Purpose représente un nouveau départ pour Justin Bieber, il devra assurément travailler fort pour demeurer au sommet. (chronique principale de décembre 2015)

Vidéoclips : « Where Are Ü Now » - « What Do You Mean? » - « Sorry »

Garrett Borns est un jeune auteur-compositeur, chanteur et multi-instrumentiste du Michigan qui nous arrive avec un tout premier album. Il présente une musique pop alternative passablement créative. On y trouve des éléments de disco, de funk et de rock, avec toujours de très bonnes mélodies pop. Sa voix de falsetto contribue assurément à le distinguer. Même s’il semble puiser l’essentiel de ses influences dans les années 1970, BORNS offre une musique bien de son époque avec des arrangements et une réalisation dignes des plus grandes productions des années 2010. Avec Dopamine, BORNS propose des chansons qui ont le pouvoir magique de nous faire nous sentir bien dès la première écoute. Après quelques écoutes additionnelles, l’album risque donc d’avoir de très bonnes capacités thérapeutiques. (découverte du mois de décembre 2015)

Vidéoclip : « 10,000 Emerald Pools »

L’auteur-compositeur, violoniste et chanteur qui s’est fait découvrir lors de Star Académie 2005 revient avec un deuxième album, son premier en sept ans. On y trouve 11 pièces dont trois instrumentales (incluant ses versions de « The Scientist » de Coldplay et « Le monde est stone »). Marc Angers propose un très beau mélange de musiques classique, traditionnelle, celtique et folk, avec aussi des mélodies influencées par la pop britannique. Dix ans après ses débuts remarqués, voilà que le rouquin semble enfin avoir trouvé un son qui lui est propre. (décembre 2015)

Vidéoclips : « Le monde est stone » - « La vie légère »

Le duo québécois Blé est de retour avec un deuxième album suite au succès d’Avion-Papier. Sur Pluie de grêle, on peut découvrir une nouvelle maturité de la part de Thierry Doucet et Miro Belzil, tant au niveau de la musique que des textes. L’album de 10 pièces réalisé par Jay Lefebvre (Simple Plan, Roch Voisine, Eva Avila, Andréanne A. Malette) contient plusieurs chansons accrocheuses alliant pop et rock, dont le premier extrait, « Et si ». Le groupe qui fait fureur sur les réseaux sociaux, incluant 10 millions de visionnements sur YouTube, poursuivra certainement dans sa voie déjà entamée de groupe bien de son époque. (décembre 2015)

Vidéoclip : « Et si »

Les quatre membres de Blitz//Berlin sont originaires de la côte ouest canadienne, mais ils ont formé le groupe à Toronto après y être déménagés. Ils ont tous fait partie de groupes punk ou indie auparavant, mais ils ont démarré ce projet pour composer la musique de films d’horreur. Le projet s’étend maintenant à un groupe à temps plein et ils présentent leur premier album avec Distance. Le disque contient des influences très variées entre indie rock, indie pop, électro, new wave et musique d’ambiance. Très cinématographique, Distance ressemble en fait à la bande originale d’un film qui n’existe pas encore. C’est un disque qui s’écoute bien du début à la fin, sans grandes surprises, mais aussi sans véritables faiblesses. (décembre 2015)

Buzz est un quintette de cuivres montréalais qui a été fondé en 2002 et qui n’a pas sorti d’albums depuis six ans. Il nous arrive aujourd’hui avec Preludes & Rhapsodies qui reprend des classiques de Liszt, Debussy, Gershwin et Brahms, mais avec un éclairage nouveau, un style unique. Buzz s’offre la plus totale des libertés dans l’interprétation de ces six œuvres qui bénéficiaient déjà d’une certaine liberté par définition, contrairement à d’autres œuvres classiques comme le concerto ou la sonate. Le talentueux quintette est appuyé par Valérie Milot à la harpe et Matt Herskowitz au piano. (décembre 2015)

La jeune artiste franco-ontarienne Céleste Lévis a ébloui par sa voix unique lors de la dernière édition de La Voix. Elle nous offre maintenant son premier album, réalisé par David Laflèche, qui l’a accompagnée depuis son aventure télévisuelle. Céleste signe à elle seule les paroles et la musique de six des 13 titres offerts, en plus de participer à la musique de « Rêve » avec Laflèche, une chanson offerte par Mathieu Lippé. Les autres collaborateurs à l’écriture sont Andréa Lindsay et Luc De Larochellière (« Larmes de cendres »), Martine Pratte et Richard Séguin (« Ma façon à moi »), Vincent Vallières (« Cinq ans sans nouvelles »), David Fleury (« Adieu, à demain »), ainsi que Lynda Lemay (« Trouvez-moi belle »). Elle reprend aussi le classique de Léo Ferré « Avec le temps ». Non seulement sa voix basse et profonde nous enchante rapidement, mais Céleste peut en plus compter sur des arrangements musicaux de première qualité qui embellissent encore plus l’ensemble pop à tendance folk. Parmi les quatre finalistes de La Voix III, c’est très certainement Céleste qui présente l’album le plus solide, équilibré et intéressant. (décembre 2015)

Pour son nouvel album, la chanteuse française Arielle Dombasle s’associe au groupe The Hillbilly Moon Explosion pour offrir un disque à saveur rockabilly, totalement en anglais. Le groupe suisse démontre déjà depuis un certain temps sa passion pour la musique des années 1950 et il faut avouer que la fusion avec Arielle Dombasle se fait plus naturellement qu’on l’aurait cru. Les 12 chansons offertes, dont le succès « Chick Habit » paru précédemment, brossent un excellent portrait de l’Amérique des années 1950. Mais surtout, ce sont toutes des pièces entraînantes et divertissantes qui réussiront assurément à capter rapidement votre attention. (décembre 2015)

Deux ans et demi après le succès international d’In a Time Lapse, le compositeur et pianiste italien Ludovico Einaudi est de retour avec Elements. L’album en 12 morceaux présente un excellent mélange entre musiques néoclassique, new age et électronique. En plus du piano, on peut y entendre des cordes, percussions, guitares et instruments électroniques. À ses musiciens habituels, il ajoute l’ensemble à cordes néerlandais Amsterdam Sinfonietta, le musicien électronique berlinois Robert Lippok, les percussionnistes de la Parco della Musica de Rome, le percussionniste brésilien Mauro Refosco et le violoniste sud-africain Daniel Hope. Le disque se présente comme une suite qui s’enchaîne magnifiquement en un seul et même concept. Voici donc une nouvelle œuvre plus que réussie pour Ludovico Einaudi. (décembre 2015)

EL VY est un duo formé de Matt Berninger (The National) et Brent Knopf (Ramona Falls, Menomena). Sur ce premier album que les deux amis mijotent depuis des années, ils nous proposent une musique quelque peu minimaliste, mais avec de très bonnes mélodies, à l’image de l’efficace chanson-titre. Malgré l’aspect minimaliste du disque, on y retrouve de très beaux arrangements qui, même s’ils sont discrets, viennent enrichir agréablement l’ensemble. Sans être facile d’accès pour un large auditoire, Return To the Moon contient quelques très bonnes chansons accrocheuses. Le duo a déjà annoncé son intention de revenir rapidement avec un nouvel album, et il faudra le surveiller de près. (décembre 2015)

Emilie Kahn est une Montréalaise qui propose une musique indie folk avec quelques tendances jazz. Elle forme un duo avec Ogden, qui est en fait sa harpe… Et c’est très juste de considérer Ogden comme un membre à part entière du duo puisque que la harpe semble être une véritable extension d’Emilie plutôt qu’un simple instrument. Emilie signe tous les textes et musiques de ce premier album. Il contient deux pièces parues sur un précédent mini-album, « Babel » et « Long Gone », mais elles ont été réarrangées pour 10 000. Voici un très bon disque par un duo unique! (décembre 2015)

Vidéoclip : « What Happened »

Après deux mini-albums et plusieurs extraits radio, le quatuor pop rock de Québec présente enfin un album complet, réalisé par John Nathaniel (Marie-Mai, Marc Dupré). C’est la vie est un album de 11 titres totalement en anglais qui présente des mélodies efficaces sur une musique rock accessible qui s’adresse à un vaste auditoire, à l’image du premier extrait, « Part of the Rain ». Sans révolutionner le genre, ils possèdent assurément ce qu’il faut pour connaître beaucoup de succès. (décembre 2015)

Le quatuor montréalais est de retour avec son très attendu deuxième album. Le groupe indie rock à tendance folk propose encore une fois un solide album, qui a été écrit entre Montréal et un voyage de surf dans le sud de la Californie. Ces influences diverses s’entendent rapidement alors que le groupe peut passer d’une musique pop de chambre aérienne avec des touches d’électro à une musique rock ou folk un peu plus enracinée. Il y a bien quelques longueurs un peu lassantes dans la deuxième moitié du CD, mais l’album se termine agréablement avec leur premier extrait entraînant, « Trust ». Dans l’ensemble, Sun Leads Me On est un album plus équilibré que leur premier essai, avec différents styles mais cimentés par une excellente ligne directrice. (décembre 2015)

Vidéoclip : « Turn Your Love »

Le groupe rock acadien présente son troisième album, toujours empreint d’humour et de légèreté. Les Hôtesses d’Hilaire sont fortement influencés des années 1970 avec un rock à tendance psychédélique assurément disjoncté. Créée en 1972 dans la cave à Hilaire Brideau, la troupe prend son envol dans les années 2000 autour du chanteur et guitariste Serge Brideau. À travers des personnages loufoques, le quintette critique la société d’aujourd’hui avec véhémence, bizarrement sur une musique qui appartient à une autre époque. Le parallèle le plus évident demeure Aut’ Chose, mais on y trouve aussi des influences de Pink Floyd, The Doors et même Frank Zappa. (décembre 2015)

Après 40 ans de carrière, la guitariste et chanteuse grecque revient avec un nouvel album exceptionnel. Elle est accompagnée pour l’occasion par des musiciens de premier plan dont Gaspar Claus (violoncelle), Cesar Stroscio (bandonéon), ainsi que sa fidèle collaboratrice Katerina Fotinaki. Reste la lumière est entièrement basé sur des poèmes grecs empreints de mélancolie, surtout considérant la situation de son pays. La voix et la guitare d’Angélique contribuent grandement à nous procurer ce sentiment de tension extrêmement poignant. Il s’agit assurément d’un disque sombre, mais la force qu’il dégage amène une bonne dose d’espoir. Angélique Ionatos présente un album solide sur lequel elle sait démontrer plus que jamais son immense talent d’interprète. (décembre 2015)

L’acteur, chanteur et philanthropiste Tom Jackson présente son nouvel album, Ballads Not Bullets, pour lequel une partie des revenus sera remise à la Croix-Rouge canadienne. L’album contient 10 pièces pour un total de moins de 34 minutes. Tel qu’annoncé par le titre, on y trouve bon nombre de ballades, mais aussi des chansons folk parlées et quelques pièces un peu plus énergiques de pop rock adulte. On retrouve bien peu d’éléments intéressants sur ce disque, mis à part que ses profits vont à une bonne cause. (décembre 2015)

Pour son nouvel album, un premier totalement en anglais, Anik Jean ralentit dangereusement le rythme avec une musique souvent sombre. Les très beaux arrangements de violon et piano amènent aussi une bonne dose de tristesse et de mélancolie. En plus, il faut attendre la quatrième pièce, « Absinthe My Love », pour retrouver un riff de guitare digne de la rockeuse. Cela dit, le style qu’adopte Anik sur Lost Soul lui sied plutôt bien et fait ressortir encore plus son côté mystérieux. Le premier extrait, « Closer », met en vedette le chanteur Richard D’Anjou (Too Many Cooks), et c’est d’ailleurs le guitariste Dan Georgesco (Too Many Cooks, Porn Flakes) qui joue la plupart des guitares sur l’album, Anik en jouant elle-même aussi. À noter également la participation de Jason Rockman (Slaves on Dope) pour la pièce « Change Your Mind », le moment le plus lourd de l’album et de loin. Anik nous offre une deuxième partie à son succès « Mon Chéri ». Puis l’album se conclut avec une version radio de la ballade « Closer ». C’est un très bon disque que nous propose encore une fois Anik Jean, mais un album qui demandera une certaine adaptation de la part de ses fans. (décembre 2015)

Les jumelles qui ont fait tant jaser lors de la première édition de La Voix en 2013 nous arrivent avec un premier album, après des mois de travail. Sabrina et Stéphanie se sont entourées de nombreux collaborateurs de renom dont Marc Dupré (leur coach), Nelson Minville, France D’Amour, Christian Marc Gendron (avec qui elles chantent en trio), Richard Turcotte, Étienne Drapeau, et plusieurs autres. Les jumelles écrivent aussi quelques textes et musiques, dont la chanson-titre. En plus des 10 pièces originales, les jumelles Barabé présentent en boni leur version du classique de Bette Midler, « The Rose », interprété lors des auditions à l’aveugle à La Voix. Réalisé par Guy Tourville, Réflexion propose essentiellement des chansons d’amour positives qui s’adressent à un public de tous âges. Évidemment, ce sont les harmonies vocales parfaites des jumelles qui les font se démarquer rapidement dans le paysage pop québécois. (décembre 2015)

Le jeune auteur-compositeur et interprète de Maniwaki s’est fait remarquer lors de son passage à La Voix III, alors que tous se sont retournés pour lui aux auditions à l’aveugle. Mathieu Langevin lance maintenant son premier album produit de façon indépendante sur lequel il présente un authentique son folk à tendance pop. C’est définitivement lorsqu’il s’accompagne à la guitare acoustique qu’il est le plus à l’aise, ce qu’il fait tout au long de l’album, même si plusieurs des chansons de Sauve-toi pas bénéficient d’arrangements plus complets qu’une simple guitare-voix. Langevin peut compter sur quelques collaborateurs de renom pour l’appuyer à l’écriture comme Hugo Perreault, Richard Séguin, Steve Veilleux, Pascal Dufour et Roger Tabra. Le jeune homme surprend par son aplomb et son naturel, et ce premier album confirme son immense talent. (décembre 2015)

La chanteuse du Texas nous arrive déjà avec un cinquième album depuis ses débuts en 2008 alors qu’elle était âgée d’à peine 16 ans. Plus confiante que jamais, elle a maintenant le parfait contrôle sur sa carrière, et ça s’entend sur Confident. Elle présente un solide mélange de pop dansante, de pop rock, de R&B et d’électro pour possiblement son meilleur assemblage de chansons à ce jour. Elle peut compter sur des réalisateurs de renom comme Max Martin et Steve Mac, et on peut certainement la comparer à plusieurs autres chanteuses contemporaines comme Katy Perry et Beyoncé. Par contre, Demi semble établir de plus en plus son propre style et démontrer sa personnalité. Ses collaborations avec Iggy Azalea et Sirah ne sont pas les plus réussies et c’est seule qu’elle peut totalement s’affirmer. Il manque peut-être quelques bombes commerciales à l’album pour le pousser au sommet, mais l’ensemble s’écoute magnifiquement bien. La version de luxe ajoute quatre titres aux 11 de l’album, dont deux remix de son succès « Cool For the Summer ». (décembre 2015)

Vidéoclips : « Cool For the Summer » - « Confident » - « Waitin’ For You » (feat. Sirah)

Le Matos est un duo montréalais formé de Jean-Philippe Bernier et Jean-Nicolas Leupi. Après un premier album en 2013, Join Us, ils reviennent avec un album double. Chronicles of the Wasteland est en fait une version réarrangée de la bande sonore originale du film post-apocalyptique Turbo Kid du trio de réalisateurs RKSS paru en 2015. On y trouve des sonorités vieillottes de synthétiseurs qui nous ramènent à une musique pop d’antan, tout de même bien dansante. Par contre, il faut surtout comprendre qu’il s’agit ici d’un album-concept prévu pour accompagner un film et en ce sens, l’album est très réussi. On arrive presque à deviner l’essence du film et certaines séquences, et ce sans même l’avoir vu. À noter la seule performance vocale du disque par Pawws pour l’excellente « No Tomorrow ». Évidemment, avec plus de deux heures de musique, l’album double risque de devenir redondant et le manque d’originalité vous rattrapera assurément. Mais, il s’agit tout de même d’un album intéressant dans le genre, avec de nombreux passages agréables et entraînants. (décembre 2015)

Sébastien Côté (alias King Melrose) présente son deuxième album, transporté par le succès de « Ne me laisse pas tomber » qui a envahi les radios tout l’été. Il propose à nouveau un excellent mélange de pop, soul et R&B pour une musique rafraîchissante et ensoleillée. Réalisé par Toby Gendron, Bleu inclut la participation d’Ima (pour le duo « You and Me »), ainsi que celles d’Alexandre Poulin et Frédérick Baron à l’écriture. C’est un très bon disque que nous offre King Melrose, mais son principal défaut est d’être trop court avec seulement 10 pièces totalisant moins de 33 minutes. (décembre 2015)

Vidéoclip : « Ne me laisse pas tomber »

Issu de la scène blues rock montréalaise, l’auteur-compositeur et interprète Eddie Paul présente son tout premier album, réalisé par Seb Black. Assez varié, l’album de 11 titres totalisant moins de 40 minutes inclut plusieurs chansons avec un bon potentiel commercial. C’est le cas entre autres pour l’excellente « The Warning Song », qui nous arrive comme une bouffée de fraîcheur dès la deuxième piste, ainsi que pour la chanson-titre qui suit ensuite. (décembre 2015)

La voix lactée est le huitième album d’un artiste qui tente sans cesse de se renouveler. Maintenant quarantenaire, Oxmo Puccino veut nous faire voyager dans l’interstellaire. Qu’il soit conteur, rappeur ou chanteur, le poète nous offre un hip hop qui demeure positif. Coréalisée par Renaud Letang (Feist, Alain Souchon, Gonzales), La voix lactée a été entièrement conçue à deux. Il en résulte une œuvre unique dans le répertoire d’Oxmo Puccino, une œuvre qui ravira ses nombreux fans de partout dans la francophonie. (décembre 2015)

Sur son nouvel album, le saxophoniste et compositeur de renommée mondiale Yannick Rieu réalise une fusion entre musique jazz et musique traditionnelle chinoise, influencé par ses nombreux voyages dans ce vaste pays.  Rieu propose donc un hybride entre sonorités urbaines et du terroir en intégrant à sa musique des enregistrements croqués sur le vif au cours de ses voyages. On peut donc y entendre des instruments traditionnels chinois qui viennent contraster avec sa musique contemporaine. Si le mariage s’effectue généralement bien, on retrouve tout de même des exceptions quelque peu cacophoniques. C’est tout de même un bel exercice de styles. (décembre 2015)

Née à Montréal de parents italiens et maintenant établie à Shediac au Nouveau-Brunswick, Rosa Laricchiuta s’est fait remarquer lors de la dernière édition de La Voix où elle a atteint la finale dans l’équipe d’Éric Lapointe. Elle se définit elle-même comme la version féminine de Lapointe et a su le prouver lors de ses performances toujours énergiques. Sur ce premier album, l’interprète de 41 ans nous livre un son rock avec de bonnes mélodies pop. Il n’y manque que quelques pièces vraiment énergiques après la pièce d’ouverture, « Bête de scène ». Aussi, avec seulement neuf pièces totalisant moins de 35 minutes, on aurait certainement apprécié quelques morceaux additionnels pour rendre l’album vraiment complet, surtout qu’on n’y retrouve rien de ses performances à La Voix. (décembre 2015)

Après 15 ans d’absence sur disque, soit depuis l’excellent Tourist, Ludovic Navarre (alias St Germain) revient avec un nouvel album. Son style nouveau jazz fusionnant jazz et house est de retour, mais avec diverses influences de musiques du monde. Il intègre des rythmes et des chants du Mali et de l’Afrique de l’ouest avec des traces de blues et des guitares funky. Dans le cas de l’excellente « Real Blues », c’est un échantillonnage de Lightnin’ Hopkins qui fournit l’aspect blues, sur une musique house légère et addictive. Sur cet album éponyme, on retrouve en partie les éléments de jazz électro qui nous ont séduits sur Tourist, mais avec un peu plus de douceur et moins de rythmes dansants. Même si St Germain s’avère peut-être un peu moins innovateur qu’en 2000, il présente tout de même d’un excellent album qui devrait plaire à ses fans de longue date. (décembre 2015)

Après avoir dirigé les formations Big Wreck et Thornley, Ian Fletcher Thornley présente un premier album solo sur lequel les guitares deviennent acoustiques et la musique, introspective. Il met ici l’accent sur ses textes et sa voix qui s’avère d’ailleurs bien agréable dans ce contexte. Il ne propose rien de moins que 13 titres totalisant 58 minutes. Même si on peut y trouver quelques longueurs, Secrets présente plusieurs chansons de très grande qualité, le rendant agréable à écouter jusqu’au bout. (décembre 2015)

Le duo montréalais prend une nouvelle direction musicale sur ce mini-album de six titres totalisant presque 30 minutes. Simon et Erika ont d’abord entrepris d’écrire seulement quelques chansons avant de se retrouver avec un album presque complet. Black Matter présente une musique plus minimaliste à la première approche, mais avec différents ajouts qui en font une musique plutôt riche au final. La contribution des batteurs Liam O’Neill (Suuns) et Stefan Schneider (Bell Orchestre, Luyas) s’avère passablement importante, sans oublier les arrangements de cordes de Daniel Bjarnason (Sigur Ros, Ben Frost). Avec Black Matter, Thus Owls présentent une musique pop expérimentale plutôt sombre et lente, mais dont la richesse impressionne. (décembre 2015)

Vidéoclip : « Black Matter »

Le rappeur de Los Angeles lance son premier album mélangeant un rap aux rimes efficaces et du R&B. Souvent comparé à Future, celui-ci participe d’ailleurs à l’album, tout comme une panoplie d’artistes allant de Brandy à Kanye West en passant par Kendrick Lamar, Wiz Khalifa, Babyface, Trey Songz, Diddy, R. Kelly, et plusieurs autres. C’est donc tout un alignement sur lequel peut compter ce nouveau venu de la scène hip hop américaine. Sur Free TC, Ty Dolla $ign présente plusieurs excellentes compositions, suffisamment variées pour conserver notre intérêt et souvent passablement créatives. Ses intrusions fréquentes dans une musique R&B lancinante font en sorte que plusieurs chansons nous forcent à suivre le rythme, en plus de nous rester en tête. C’est donc un disque très réussi qui nous est offert ici. (décembre 2015)

Vidéoclips : « Only Right » - « Blasé » - « When I See Ya » - « Saved »

Ariane Gauthier (alias Ari Cui Cui) présente aux enfants un nouvel album sous le thème du voyage. Elle y propose un tour du monde qui passe par le Japon, l’Australie et le Mali, mais aussi par un tour en ballon et du camping dans sa propre maison. Réalisé de main de maître par Sébastien « Watty » Langlois et Matt Laurent, Mijote un voyage propose une musique de qualité que les enfants auront en tête longtemps. (novembre 2015)

C’est en vélo festif dans les rues du Plateau-Mont-Royal à Montréal que Simon Boudreau a lancé son nouvel album, à la grande surprise des passants. Avec Devant les possibles, Boudreau présente un excellent album folk à tendance traditionnelle, avec en boni des mélodies pop inoubliables. Plusieurs chansons possèdent en effet cet élément accrocheur pour nous rester dans « la mémoire longtemps » comme il le dit si bien lui-même dans « La mémoire ». Devant les possibles contient en plus deux succès numéro 1 : « Fleur bleue » et « La trotteuse ». C’est un superbe album que nous propose l’auteur-compositeur et interprète, un disque de premier plan et inspiré sans grandes faiblesses. (novembre 2015)

Vidéoclips : « Fleur bleue » - « La trotteuse »

Nicolas Boulerice est l’un des fondateurs du groupe traditionnel Le Vent du Nord avec qui il chante depuis 13 ans. Maison de bois est son premier album solo, un disque dépouillé essentiellement piano-voix avec seulement quelques accompagnements de basse et batterie, ainsi que la voix de Mia Lacroix. On y trouve douze chansons bien personnelles et poétiques qu’il a mises de côté depuis une vingtaine d’années. Le côté intimiste de l’album contraste véritablement avec la musique festive du Vent du Nord et est beaucoup moins destiné à la scène. Il s’agissait avant tout pour Nicolas Boulerice de réaliser un projet studio qu’il caressait depuis longtemps. (novembre 2015)

Les trois quatuors à cordes de l’opus 44 de Mendelssohn ont été complétés en 1838, alors que sa réputation était en hausse. Le « Quatuor à cordes en ré majeur, op. 44, no 1 » a été le premier publié, mais le dernier complété. Quant au « Quatuor à cordes en mi mineur, op. 44, no 2 », il a été le premier complété. Ces deux superbes concertos sont interprétés magnifiquement par le quatuor à cordes Cecilia, l’ensemble en résidence à la faculté de musique de l’Université de Toronto. (novembre 2015)

Les Chiclettes sont un trio féminin franco-ontarien formé de Nathalie Nadon, Julie Kim Beaudry et Geneviève Cholette. Elles présentent leur deuxième album dans un style jazz pop qui s’inspire de Ray Charles à ses débuts et des Andrews Sisters dans les années 1940. Enregistré à Toronto, Voyage à trois contient neuf pièces dont six chansons originales. Leurs textes audacieux sont totalement assumés, et elles n’hésitent aucunement à parler de l’homme macho jusqu’à le rabaisser, thème principal du disque. Leur énergie et leurs harmonies vocales exceptionnelles, jumelées à leur immense pouvoir de séduction, rendent l’album totalement irrésistible et très divertissant, même s’il est beaucoup trop court avec seulement 28 minutes. (novembre 2015)

Le groupe de black metal de San Francisco nous revient avec un troisième album, deux ans après l’excellent Sunbather. Cette fois-ci, Deafheaven ne présentent que cinq pièces, mais variant entre 8 et 10 minutes pour un total de 46 minutes tout de même. Des riffs et des rythmes recherchés rendent ce groupe unique, surtout en Amérique alors que le black metal trouve généralement son nid dans les pays scandinaves. Là où on retrouve la connexion avec le métal de la baie de San Francisco, c’est lorsque le groupe incorpore certains riffs et solos dignes des bonnes années de Metallica et compagnie, entre autres dans « Baby Blue ». New Bermuda est beaucoup moins expérimental que son prédécesseur, mais le groupe aime toujours explorer des genres qui n’ont rien à voir avec le métal, avec des rythmes et des atmosphères à faire sourciller les mordus de métal. Sans impressionner de la même façon qu’avec Sunbather, Deafheaven nous offrent à nouveau un excellent disque, d’une grande originalité! (novembre 2015)

La chanteuse native de Toronto Allyson Baker a fait partie de Teen Crud Combo (groupe inspiré de Motörhead) avant de se réorienter au sein de Dirty Ghosts. Ils ont fait paraître leur premier album en 2012, Metal Moon, et les voici de retour avec leur deuxième enregistrement. Laissée à elle-même, Allyson a tout écrit elle-même pour ce nouveau disque autour des thèmes de l’isolation, l’incertitude et les mauvaises perceptions. Heureusement, elle a su trouver son alter ego en Tony Sevener, nouveau batteur du groupe. Leur style indie rock prend des allures un peu plus pop en certaines occasions et on peut les comparer à The Stranglers et à The Police. Sans nous renverser, Dirty Ghosts présentent un album énergique et plaisant à écouter. (novembre 2015)

Les mauvaises langues ont tendance à dire que notre France est un refuge à chanteuses et chanteurs de variété télévisuelle, une ruche à enfants de la télé(-réalité), un repère de chansonniers populaires que le rock fuit comme la peste. Tout n’est pas faux mais en surface seulement. Seuls Téléphone et Noir Désir ont gagné la consécration des plus grandes foules dans la durée. Mais derrière les fagots, sur la face cachée, des foules d’activistes œuvrent ardemment à sortir la France de cette nébuleuse d’insipidité. Feu! Chatterton sont de ceux-là. Guidés par des influences en or (Noir Désir, Gainsbourg, Bashung, Radiohead… tous des purs créateurs), les parisiens ont embrasé la toile et les salles à taille humaine depuis leur premier EP de 4 titres sorti à la rentrée 2014. Et signé chez Barclay depuis. Feu! Chatterton n’est pas qu’un sinistre brasier de hype qui s’éteint à peine allumé. Au contraire, équilibré entre des textes marqués de références littéraires, d’un chant particulièrement investi et d’un exceptionnel travail de composition, le groupe ouvre la voix sur de multiples expérimentations. Rien n’arrête cette imagination débordante, les parisiens pulvérisent les modèles préconçus. De balade crépusculaire au songwriting léché (« Le Long Du Léthé ») en passant par les envolées lyrique d’un Brel des temps modernes (« Côte Concorde ») jusqu’au groove sexy d’un « Boeing » décomplexé, les idées fusent, les succès s’accumulent. Il y a bel âge qu’on n’avait pas entendu pareille beauté qu’« Harlem », un bail que l’électro rock n’avait pas sonné comme « La Malinche », ici, chez nous. Et ce 16 octobre, la sentence tombe, l’attente n’a donc pas été vaine. Voilà ce que titrent à la capitale, les journaux ce vendredi-là… (novembre 2015)

Flying Joes est un trio montréalais né des cendres de Jelly Fiche qui présente son tout premier album. Ils offrent un son rock brut légèrement teinté de blues avec des influences de Led Zeppelin, Bad Company et Thin Lizzy. Les riffs de guitare sont au cœur de leur musique qui déménage royalement. Le légendaire réalisateur Glen Robinson (Ramones, AC/DC, Keith Richards, Voivod) y est sûrement pour quelque chose. Même s’ils œuvrent dans un territoire qui a été largement surexploité par le passé, les musiciens de Flying Joes réussissent à donner une bonne dose d’énergie à leur musique pour la rendre plus qu’intéressante et très divertissante. (novembre 2015)

Gang Signs est un trio de Vancouver qui nous arrive avec son premier album. Il s’agit du nouveau projet créatif de Peter Ricq du duo Humans, qui est accompagné pour l’occasion par le chanteur et claviériste Matea Sarenac et le batteur Adam Fink. Ils proposent un son électronique plutôt sombre, à la limite du lugubre, une espèce de new wave cinématographique, mais avec aussi son côté dansant. On peut les comparer à New Order et Depeche Mode, mais avec la froideur de Joy Division et Kraftwerk. The Cure ne sont jamais bien loin non plus. On peut donc affirmer sans surprise que le groupe puise son inspiration dans la musique alternative dansante des années 1980. Malgré une originalité quelque peu discutable, Geist possède une bonne ligne directrice qui plaira probablement aux amateurs des groupes cités précédemment. (novembre 2015)

La chanteuse et multi-instrumentiste de la Caroline du Nord présente un premier album solo, réalisé par T-Bone Burnett. Sur ce premier essai, elle tente de s’éloigner quelque peu de son expérience avec The Carolina Chocolate Drops, en offrant un excellent mélange de blues et de country avec quelques éléments de jazz. Elle reprend des chansons écrites et/ou popularisées par des femmes dont Dolly Parton, Nina Simone et Patsy Cline. Elle présente aussi la chanson-titre qui a été écrite par Charles Aznavour. Une des grandes particularités de Rhiannon Giddens, c’est qu’elle en mesure de donner une touche contemporaine à des chansons d’une autre époque tout en conservant ce côté vieillot si agréable à l’oreille. Un très bon disque d’interprète! (novembre 2015)

Un an après Listen qui contient les succès « Dangerous » et « Lovers on the Sun », David Guetta propose une version enrichie de l’album. En plus des 14 titres parus sur le CD original, on peut entendre rien de moins que huit chansons en boni, dont le nouveau succès avec Sia et Fetty Wap, « Bang My Head », en deux versions. Un deuxième CD intitulé Listenin’ inclut 23 pièces rares dans une version en continu de 56 minutes. Un très bel ajout à l’album Listen dont la chronique se trouve ici. (novembre 2015)

L’astronaute Chris Hadfield a été le premier Canadien à marcher dans l’espace et à commander la station spatiale internationale. Dans ses temps libres, il se donnait à la musique et il a même enregistré quelques pièces en orbite. Sur Space Sessions: Songs From a Tin Can, on peut entendre pour la première fois de la musique enregistrée dans l’espace, même si le tout a été complété sur terre, bien évidemment. Hadfield propose 11 compositions personnelles dans un style folk rock introspectif teinté d’un peu de country. Certaines comme « Beyond the Terra » sont particulièrement réussies alors que d’autres ne se démarquent pas vraiment. En boni, il nous offre sa version bien personnelle de « Space Oddity » de David Bowie. (novembre 2015)

Après un album de musique originale, le pianiste de renommée mondiale est de retour à pieds joints dans la musique classique. Pour l’occasion, il s’attaque à des œuvres de Rachmaninov, Haydn et Ravel. D’abord, il interprète la « Sonate pour piano no 2 en si bémol mineur, op. 36 » de Sergei Rachmaninov. Par contre, alors qu’elle a été raccourcie de 6 minutes par Rachmaninov lui-même en 1931, c’est plutôt la version de Vladimir Horowitz de 1940 qu’Alain Lefèvre interprète ici, reprenant ainsi l’essentiel de l’œuvre originale. Il exécute ensuite la « Sonate en fa majeur, no 38, Hob. XVI: 23 » de Joseph Haydn, composée en 1773. Puis, il conclut avec « La Valse » de Maurice Ravel. Comme à son habitude, Lefèvre conserve une maîtrise absolue de son instrument et réussit à nous faire redécouvrir ces œuvres d’une autre époque. (novembre 2015)